Muzyka klawesynowa

Klawesyn był bardzo ważnym instrumentem w Europie Zachodniej prawie trzy wieki, od XVI -tego  wieku XVIII -tego  wieku.

Był powszechnie używany, w konkurencji z innymi instrumentami ( lutnia , viola da gamba ), do osiągnięcia basso continuo . Jest także odbiorcą obszernego i prestiżowego repertuaru dla solisty: był to z organami (ale w świeckim rejestrze) instrument idealny do osiągania kontrapunktu  ; przez około wiek (1650-1750) suita jest uprzywilejowaną formą instrumentalną z nią związaną, ale wykonuje też toccaty , fugi , fantazje itp.; podczas XVIII th  wieku, poświęcony mu również sonat i koncertów , ale potem szybko usuwane na rzecz fortepianie .

Jego odrodzenie pod koniec XIX -go  stulecia głównie pomógł ożywić starą muzykę , ale również z zadowoleniem przez skład wielu współczesnych dzieł.

XVI th  century

Pierwsze prace, które przetrwały datę z XVI -tego  wieku. W świecie łacińskim pismo to jest zbliżone do lutni, którą często zastępuje. W krajach niemieckich rozwój repertuaru klawesynowego pozostaje nie do odróżnienia od rozwoju organów , których praktycy są ci sami. W klawesyny jak świerk , w Francji , albo dziewicze , w Anglii , zostały wykorzystane w tym czasie interpretacji profanum i małych części, takich jak transkrypcje popularnych piosenek i kawałków tanecznych, które są czasem utracone.

We Francji wiosną 1531 r. drukarz-księgarz Pierre Attaingnant opublikował ważny zbiór 7 tomów muzyki spisanej, zaaranżowanej i skomponowanej na instrumenty klawiszowe swoich czasów: „  Dix neuf chanson musicales reduictes en la tabulature des Orgues Espinettes Manichordions i podobne telz instrumentz musicaulx  (sic) ”; utwory te są następnie bezkrytycznie przeznaczone dla organów przenośnych, klawesynów i klawikordów wszelkich form.

Pierwsza fantazja klawiszowa została skomponowana w tym okresie przez neapolitańczyka Antonio Valente .

W Hiszpanii kompozycje klawiszowe składają się głównie z opracowań istniejących wcześniej utworów, oryginalnie skomponowanych na głosy; mistrzem tej praktyki był Antonio de Cabezon .

XVII th  century

Początkowe ośrodki rozwoju repertuaru są wielorakie: Włochy , Holandia , Anglia, Francja, kraje germańskie, a także uprawiane formy muzyczne. Są one podzielone głównie na trzy główne kategorie, z których każdy naród czyni siebie mniej więcej specjalnością:

Kompozytorzy germańscy odwiedzają Włochy, aby zaczerpnąć tam ze źródła i mieć upodobanie do fugi , formy wynikającej z ricercaru, którą przeniosą do najwyższego punktu rozwoju.

Domy te nie są więc od siebie odizolowane, a wielu artystów opuszcza swój region pochodzenia, by odkrywać inne horyzonty. Muzycy ci służą książętom i dworom arystokratycznym. Mogą towarzyszyć swoim sponsorom podczas podróży i ich ambasadom, takim jak przebywający we Flandrii Frescobaldi , Bernardo Pasquini w Paryżu. Mogą również uciec z niesprzyjającego środowiska politycznego, takiego jak Anglik Peter Philips i John Bull, którzy kończą karierę we Flandrii po ucieczce z kraju nękanego walkami między anglikanami a katolikami. Talent i renoma największych nauczycieli – Frescobaldi w Rzymie , czy Sweelincka w Amsterdamie – przyciąga wielu uczniów i uczniów.

Anglia

Anglia jest w końcu XVI -tego  wieku, jednym z głównych ośrodków literatury dla instrumentu. Pierwszym arcymistrzem jest William Byrd  ; poprzedza imponującą serię wirginalistów (w szczególności John Bull , Giles Farnaby , Peter Philips , Orlando Gibbons ), który cały lub prawie cały, zniknęła w latach 1620 - 1630  ; ta pełna werwy i fantazji muzyka w pełni wykorzystuje dziewictwo i jego archaiczne cechy: unikalną klawiaturę i rejestr, ograniczony zakres, krótką oktawę i łamane zwody . Po tym bardzo owocnym okresie żaden angielski artysta nie podejmie się tej obiecującej szkoły. Henry Purcell napisał bardzo niewiele na temat klawesynu, mimo że były to krótkie, bezpretensjonalne suity, prawdopodobnie w celach edukacyjnych. Thomas Tomkins napisał kilka sztuk za dziewicze i narządu, w ściśle polifonicznych szczątków językowych renesansu w połowie XVII -go  wieku.

Włochy

Pierwsze imiona, na które należy zwrócić uwagę, to Giovanni Maria Trabaci (ricercate, capricci, toccate, canzone itp. 1603/1615); Giovanni Picchi ( Balli d' arpicordo , 1620); Ascanio Maione , który na początku tego wieku składa się z dwóch książek „Capricci za Sonare”, którego styl jest często barokowy zamiast XVI -tego  wieku; Gioan Pietro Del Buono, który skomponował ważną kolekcję w 1641 roku .

Ale wielki włoski mistrz klawesynu w XVII -tego  wieku Girolamo Frescobaldi , także organista św Piotra. Uczeń Luzzasco Luzzaschi , jego praca jest częścią długiej tradycji, ale przewyższa wszystko, co zostało zrobione wcześniej na półwyspie. Co więcej, jest on w większości przeznaczony zarówno na klawesyn, jak i organy – włoskie organy to raczej niewielki instrument, na ogół bez pedału. Ten artysta o europejskiej sławie jest twórcą kształtów z przepełnioną wyobraźnią i fantazją. Jego geniusz przejawia się głównie w formach „czystej” muzyki: canzone , ricercari , toccate , partite , fantasie , itp. Nauka Frescobaldiego rozprzestrzeniła się w Europie Zachodniej przez jego wielu uczniów i wielbicieli: ten wpływ dosięgnie Bacha.

Po Frescobaldi, wiodący klawesynista włoskie z XVII -tego  wieku Bernardo Pasquini , która była związana z francuskimi muzykami podczas podróży do Paryża, a także utworzonego dużą liczbę studentów, w tym niemieckim. Michelangelo Rossi komponuje także toccate i inne utwory w stylu odziedziczonym po Frescobaldim.

Francja

Chambonnières jest często uważany za ojca francuskiej szkoły klawesynowej . Był także pierwszym we Francji, który opublikował swoje sztuki w 1670 roku . Jednak prawdopodobnie odziedziczył długą tradycję. Jego twórczość poświęcona jest wyłącznie tańcom i dostosowuje do klawesynu  styl „  łamany ” lub „lutniowy” wielkich ówczesnych francuskich lutniści: ten styl akordów w arpeggi, nierównych dźwięków, obfitej i błyskotliwej ornamentyki oraz prawie bez formy "  suite  " pozostanie przez wieki znakiem rozpoznawczym wszystkich swoich następców we Francji . Francuscy klawesyniści również będą mieli zwyczaj nadawania swoim utworom sugestywnych nazw, które określają melodie taneczne lub „kawałki charakteru”. Pożyczyć też repertuaru Lutnia dwa rodzaje specjalnych elementów, które spadną z użycia pod koniec XVII -tego  wieku: grobowiec i niezmierzoną preludium .

Chambonnières był mentorem genialnego klawesynisty Louisa Couperina , który zmarł w wieku 35 lat i pozostawił po sobie wiodące dzieło, z którego wyróżniają się niezmierzone preludia i chaconne , monumentalne i dramatyczne. Jednym z jego arcydzieł jest słynna pawana f# -moll, tonacja , która w tamtych czasach nie była powszechnie używana. Koniec pierwszej połowy wieku to przejście w Paryżu Niemca Johanna Jakoba Frobergera , ucznia Frescobaldiego, który styka się z kręgiem muzyków, w tym z Louisem Couperinem: ma decydujące działanie w „normalizacji” » Kontynuacji i łączy tradycję włoską z tradycją francuską. Jacques Hardel , inny utalentowany uczeń Chambonnières, który również zmarł młodo, pozostawił tylko około dziesięciu kawałków.

Inne wielkie nazwiska tego okresu to Jean-Henri d'Anglebert (uczeń i następca Chambonnières jako klawesynista króla, przyjaciel Lully'ego, którego przepisał pewne melodie na klawesyn) i Nicolas Lebègue, którego twórczość krąży w całej Europie (niektóre jej suity zostały fałszywie przypisane Buxtehude ) i który, jako pierwszy, używa terminu „suitte” (sic!). Jean-Nicolas Geoffroy pozostawia ważne dzieło, zarówno pod względem jakości, jak i liczby dzieł, które wśród Francuzów przewyższy jedynie François Couperin .

Niemcy

Niemcy niewiele komponują na klawesyn, zamiast tego poświęcają się organom. Sweelinck jest nauczycielem i wzorem dla Niemców Północnych. Ci z południa będą szkoleni we Włoszech, tacy jak Froberger czy Kerll . Wszyscy patrzą także na Francję. Sztuka niemiecka jest więc syntezą manier włoskich i francuskich pod wpływem szczególnego znaczenia, jakie przywiązuje się do kontrapunktu , cechy, którą w najwyższym stopniu odnajdujemy u Bacha .

W połowie stulecia Johann Jakob Froberger dokonał syntezy tych różnych tradycji: pochodzący z Wirtembergii, pracował w Wiedniu, jeździł z Frescobaldi do Rzymu, podróżował po całych Niemczech, odwiedzał Flandrię, jeździł do Anglii, przebywał w Paryż, gdzie wszystko wskazuje na to, że spotyka Louisa Couperina, ponieważ ich przyjaciele są podobni, a ich wzajemny wpływ jest oczywisty. Zakończył życie z bogatym i szlachetnym patronem niedaleko Montbéliard, na pograniczu świata francuskiego i germańskiego. To właśnie Froberger jako pierwszy naprawił „klasyczną” strukturę suity ( niemiecki , prąd , sarabanda i jig ), która jeszcze nie nosi tej nazwy. Komponuje także toccate , partite w stylu włoskim. Jeśli jej nie wymyśla, ćwiczy „  muzykę programową  ”, ale, co ciekawe, nie komponuje niezmierzonego preludium ani chaconne (dwie specjalności Louisa Couperina ).

Na klawesyn, francuskie suity czy włoskie utwory w dowolnej formie komponuje przede wszystkim kilku niemieckich muzyków: zacytujmy Matthiasa Weckmanna , Johanna Adama Reinkena , Dietricha Buxtehude , Johanna Kaspara Kerlla , Johanna Pachelbela , zgermanizowanego Savoyarda Georga Muffata itp. Działający w Wiedniu w latach 1661-1683 Alessandro Poglietti, którego włoskie pochodzenie jest niepewne, komponował sonaty i suity, jego najbardziej znany zbiór obejmuje muzykę opisową ( Le Rossignol ).

Pod koniec stulecia wyróżniali się Johann Caspar Ferdinand Fischer ( Utwory de clavessin lub Musicalisches Blumen-Büschlein  : suity w tradycji francuskiej) i Johann Kuhnau (którego Sonaty biblijne (1700) twierdzą, że są muzyką programową .

XVIII th  century

Jest to XVIII th  century klawesyn osiągnęła najwyższy stopień doskonałości, szczególnie w Paryżu (z Blanchet , Henri Hemsch , Pascal Taskin ), ale także w Hamburgu ( Hieronymus Albrechta Hass , Christian Zell ) później w Londynie (instrumenty autorstwa Shudi i Kirkman ) . Mniej więcej w tym samym czasie pojawiły się kompozycje tych, których Norbert Dufourcq nazwał „piątką”. Według tego specjalisty twórczość tych pięciu europejskich muzyków rzeczywiście osiąga idealną i emblematyczną syntezę muzyki na klawesyn w jej największej różnorodności: François Couperin , Jean-Philippe Rameau , Georg Friedrich Handel , Jean-Sébastien Bach i Domenico Scarlatti .

François Couperin (1668-1733)

Francois Couprin.jpg

To właśnie w drugiej dekadzie François Couperin , mający już 45 lat, postanowił  opublikować swoje pierwsze „  zamówienia ”. Jego prace, najważniejsze dla klawesynu we Francji, obejmie 27 Zamówienia w czterech książek ( 1 st w 1713 roku , 2 d w 1716 lub 1717 roku , 3 rd w 1722 roku i 4 th w 1728 roku ): pierwszym są jeszcze połączone, tak bardzo za darmo, po tradycyjnym (ale może zawierać dużą liczbę sztuk: do 22 na drugie zamówienie). Wszelkie odniesienia do melodii tanecznych znikają z drugiego zbioru, a Couperin rozwija bardzo osobisty dla siebie styl, złożony z dyskretnej poezji , z pogodną, ​​sielankową atmosferą, czasem zabarwioną melancholią lub ironią, techniką, która nigdy nie daje się zdominować wirtuozerią lub efekty. Couperin posługuje się bardzo zredukowanym ambitusem, a kilka jego kompozycji wymaga użycia dużego klawesynu z dwoma klawiszami, ponieważ ręce przeszkadzałyby jednej; jednak jego kontrapunkt rzadko obejmuje więcej niż dwa głosy; Muzyka Couperina jest niezwykle bogata, a kompozytor z wielką precyzją wskazał, jak wykonać ozdobniki, twierdząc, że każda inna interpretacja zdradzi jego myślenie. Jego prace noszą nazwy opisowe, nawiązujące do postaci małych lub dużych, do postaci psychologicznych, scen natury, czasem też intrygujące ukrytym znaczeniem ( Les Gondoles de Délos , Les Barricades mystérieuses , Les culbutes Jxcxbxnxs ...). Couperin jest wielkim poetą klawesynu i możemy go za to porównać do Roberta Schumanna . Jest także autorem Sztuki dotykania klawesynu , pracy dydaktycznej podsumowującej jego nauczanie, do której dołącza się przykładami osiem preludiów i jedno niemieckie .

Jean-Philippe Rameau (1683-1764)

Jean-Philippe Rameau.jpg

Jean-Philippe Rameau to kolejny wielki francuski klawesynista. Choć o 15 lat młodszy od Couperina, swoją pierwszą książkę opublikował w 1706 r. , na długo przed swoim najstarszym; okazuje się być wielbicielem Louisa Marchanda . Początkowy preludium , bardzo pierwsza praca Rameau, zakłada jego autora jako mistrza gatunku. Kolejne dwie książki ( 1724 i 1728 ) uzupełniają bardzo oryginalne i wysokiej jakości dzieło, być może pod wpływem włoskiej produkcji, nawet jeśli duch pozostaje bardzo francuski. Rameau lubi efekty wirtuozowskie bardziej niż Couperin ( Les Trois Mains , Les Tourbillons , Les Cyclopes ...). Jako pierwszy teoretyk harmonii (jego Traktat o Harmonii ukazał się w 1722 ), lubił komponować utwór o niezwykłej śmiałości ( L'Enharmonique ); celował też w pisaniu muzyki opisowej ( Le Recall des oiseaux , Les Niais de Sologne , La Poule ) czy saltatoires ( Tambourin , Les Sauvages ), których tematykę później wykorzysta w swoich utworach lirycznych. Po rozpoczęciu kariery kompozytora operowego w wieku 50 lat nie pisał już na sam klawesyn, z wyjątkiem wyizolowanego utworu La Dauphine ( 1747 ), ale skomponował pięć utworów na koncercie na trzy instrumenty, w tym klawesyn zajmuje najznakomitsze miejsce ( 1741 ), a na niektórych z nich można jednak grać na samym klawesynie.

Georg Friedrich Haendel (1685-1759)

Georg Friedrich Händel.jpg

Produkcja Georga Friedricha Haendla jest niezwykle duża. Jest również wysokiej jakości, a geniusz mistrza wyraźnie pokazuje przez to, a także jego silną witalność. Jest jednak imponujący nieład, ponieważ kompozytor, znacznie bardziej zainteresowany operą niż klawesynem, poświęcił czas tylko na nadzorowanie edycji ośmiu swoich suit w 1720 r . Inne utwory publikowane były w Amsterdamie w mniej lub bardziej potajemny sposób (tak bardzo gwarantem sukcesu komercyjnego było nazwisko Haendla), a najwięcej znajduje się w rozproszonych rękopisach lub zbiorach, które stanowią dla muzykologów niemal nierozwiązywalne problemy. W szczególności ich daty powstania są przedmiotem wielu przypuszczeń, nawet jeśli pewne jest, że niektóre z nich skomponował podczas pobytu w Hamburgu . Suity Haendla noszą tylko nazwę, ponieważ wstawiał on wszelkiego rodzaju inne utwory, zwłaszcza włoskie inspiracje i tytuły. Ujawnia się również jako mistrz wariacji (zróżnicowane powietrze znane jako „  L'Harmonieux Forgeron” ). Jego styl emanuje wrodzonym wyczuciem melodii, majestatem tematów i niezachwianym duchem. Skomponował też wiele pojedynczych i dość łatwych utworów (gawoty, menuety itp.) dla celów edukacyjnych.

Jan Sebastian Bach (1685-1750)

Bach.jpg

Dzieło Jana Sebastiana Bacha na klawesyn to prawdopodobnie szczytowe osiągnięcie literatury tego instrumentu. Jest jednocześnie bardzo ważna pod względem objętości, o nienagannej jakości inspiracji i techniki, o niezrównanej różnorodności i działa w unikalnej syntezie między głównymi europejskimi stylami: włoskim (werwa i elastyczność melodyczna, wirtuozeria smaku), stylem Francja (równowaga form, przenikanie melodii tanecznych), niemiecka ze swoim rygorystycznym i wszechobecnym kontrapunktem.

Do 7 Toccatas są prace młodzieży. Podobnie jak Fantazja chromatyczna i Fuga z ich improwizatorskim aspektem, ich interpretacja wymaga wielkiej wirtuozerii. Również młodzieńczy utwór, Capriccio sopra la lontananza del suo fratello dilettissimo , wyjątkowy wypad w dziedzinie muzyki opisowej.

Bach skomponował dwadzieścia suit (18 zgrupowanych w trzy kolekcje o różnym stopniu trudności: Suity francuskie , suity angielskie , partity (opublikowane od 1726 r.) są wreszcie najbardziej kompletne i najbardziej naukowe The. French Open to Ta ostatnia praca jest bardzo przekonującym odpowiednikiem w Clavier-Übung do Koncertu Włoskiego - koncert zredukowany na pojedynczy klawesyn.

Dwa kolekcje preludiów i fug przy harmonijnej klawiaturze , skomponowane w odstępie ponad dwudziestu lat (1722, 1744) we wszystkich tonacjach durowych i molowych skali chromatycznej, stanowią unikalną sumę kontrapunktyczną, przepełnioną różnorodnością i przywołującą badania teoretyków, w latach 1690-1750, nad „dobrym” temperamentem: prawdopodobnie nie świadczą oni, wbrew temu, co od dawna sądzi się, o zamiłowaniu Bacha do równego temperamentu, który jednak ma tendencję do uogólniania jego epoki.

W wynalazki i Sinfonies są zgrupowane w kolekcji z celów dydaktycznych przygotowujące źrenicy dla podejścia betonowej przeciwwagę i kompozycji. Dla celów dydaktycznych konieczne jest porównanie go z wieloma krótkimi utworami (małe preludia, fugi  itp. ).

W Wariacje Goldbergowskie są jedynymi, które Bach napisał na klawesyn; uważane są często za jeden ze szczytów tego gatunku muzycznego i podkreślają upodobanie kompozytora do cykli o charakterze systematycznym.

Ofiara muzyczna i Sztuka fugi usprawiedliwiają reputację Bacha jako największego kontrapunktysty wszechczasów; stanowią wyjątkową syntezę tej techniki komponowania w jej najdoskonalszych aspektach (Sztuka fugi, rodzaj muzycznego testamentu Bacha, nie jest specjalnie przeznaczona na klawesyn): słucha siebie.

Wreszcie Bach opracowuje koncert na jeden lub więcej klawesynów i orkiestrę, zgodnie z tradycją koncertu solowego Vivaldiego , którego na klawesyn lub organy przepisał na klawesyn lub organy kilka koncertów napisanych na skrzypce, a także innych mistrzów: patrz 16 koncertów solo klawesyn BWV 972-987

Domenico Scarlatti (1685-1757)

Retrato autorstwa Domenico Scarlatti.jpg

Włoska z urodzenia, syn znanego muzyka - ojca Alessandro jest jednym z mistrzów opery neapolitańskiej - Scarlatti następnie osiadł w Lizbonie , a następnie w Madrycie jako klawesynista królewskiej dworze Burbonów w Hiszpanii . Był niezrównanym wirtuozem: podczas konkursu muzycznego na początku wieku dał się poznać jako lepszy klawesynista niż jego przyjaciel Haendel. Jego twórczość poświęcona jest niemal wyłącznie klawesynowi. Ta część została w większości skomponowana na Półwyspie Iberyjskim, którego muzyczny wpływ – zwłaszcza poprzez muzykę popularną – jest bardzo zauważalny, ale z kolei wpłynął na całą muzyczną Europę poprzez dystrybucję licznych egzemplarzy. Utwór ten zawiera imponującą figurę 555 sonat – sonaty Scarlattiego są ujęte w pojedynczy binarny ruch z powtórzeniami (podobnie jak tańce w formie „suite”). W tej wyjątkowej formie Scarlatti odnajduje ramy, które idealnie pasują do jego muzycznego geniuszu, na które składają się inwencja melodyczna, rytmiczna, harmoniczna, ciągle ponawiane odkrycia, wirtuozeria. Za jego życia ukazało się tylko 30 utworów i za jego zgodą pod nazwą Essercizi per gravicembalo ("ćwiczenia na klawesyn"), większość pozostałych dotarła do nas w odręcznych kopiach .

Francja

Pierwsza dekada XVIII -tego  wieku jest zwieńczeniem co pierwsza francuska szkoła nazwano: z kolei są publikowane kolekcji Louis Marchand , Charles Dieupart , Louis-Nicolas Clérambault , Gaspard Le Roux , Jean-François Dandrieu , Jean-Philippe Rameau , Élisabeth Jacquet de la Guerre , Nicolas Siret . Wszystkie korzystają ze szkieletu pakietu, czasami pozwalając sobie na liczne wyjątki od zwykłej struktury. Niezmierzoną preludium zaczyna spadać z użycia, ale nadal jest mistrzowsko zilustrowany w początkowej grze Rameau.

W dekadach 1710 i 1720 , obok Rameau i Couperina , publikowali jedynie Nicolas Siret i Jean-François Dandrieu  ; wyraźnie wpisują się w tradycję stylistyczną tego ostatniego. Couperin i Rameau są liderami imponującej linii klawesynistów, którzy w latach 1730-1770 opublikują liczne książki klawesynowe, również pod wpływem Włochów, w szczególności Scarlattiego. Często nazywa się ich protekcjonalnie „małymi mistrzami”, podczas gdy ich produkcja jest często ekstremalnej jakości i oferuje nieoczekiwaną syntezę poezji Couperina i żywiołowości Scarlattiego (np. Louis-Claude Daquin lub, bardziej dramatycznie, w Pancrace Royer ). Prace, czy to suity, czy też zamówienia, teraz niemal wyłącznie odwołują się do dzieł postaci, portretów, ewokacji natury, scen opisowych – czasem grupowanych w realne cykle: Bohaterowie wojny , Polowanie … Włoska sonata w praktyce nie występuje, z wyjątkiem utworów, w których klawesyn dołącza do skrzypiec, fletu lub importowanych przez zagranicznych artystów, takich jak Johann Schobert, który komponuje ich dużą liczbę. Wśród członków tej błyskotliwej szkoły francuskiej wyróżnia się szczególnie nazwisko Jacques Duphly . Ta poświęcona jest wyłącznie klawesynowi w 4 księgach (wydanych w latach 1744, 1748, 1756 i 1768), w których śledzimy ewolucję stylu barokowego w kierunku rokoka , a nawet klasyki. Duphly zmarł w przededniu Rewolucji Francuskiej, która zadała ostatni cios klawesynowi we Francji, już konkurującemu z pianoforte.

Do szkoły francuskiej możemy porównać klawesynistów z Holandii austriackiej (obecnie Belgia), takich jak Joseph-Hector Fiocco i Josse Boutmy, którzy również asymilują wpływy włoskie i niemieckie.

Niemcy

Podczas XVIII e  wieku, JS Bach miał stosunkowo niewiele emulatory w Niemczech w odniesieniu do muzyki na klawesyn solo, jeśli porówna się z mnóstwem dzieł publikowanych we Francji. Trzeba jednak zacytować: Franza Xavera Murschhausera , Georga Böhma (jedenaście suit i kilka utworów rozproszonych), Johanna Matthesona (dwanaście suit), cytowanego już JKF Fischera (osiem suit Musicalisches Blumen-Büschlein , 1696; dziewięć suit ze zbioru Musicalischer Parnassus , 1738) , Christoph Graupner (ponad czterdzieści suit w stylu francuskim, niedawno odnalezionych na nowo i bardzo wysokiej jakości), Georg Philipp Telemann oraz synowie Bacha Wilhelma Friedemanna i Carla Philippa Emanuela Bacha, którzy przyczynili się do powstania sonaty tworzą i stanowią łącznik z okresem klasycznym: od tego momentu sonata nieodwołalnie wypiera suitę, podobnie jak piano-forte stopniowo zastępuje klawesyn.

Twórczość Telemanna jest bez wątpienia najważniejsza pod względem liczby (wymyka się spisowi) oraz różnorodności form: suity, uwertury, fugi, sonaty, fantazje itp. Chociaż najstarszy syn Bacha, Telemann, który jest samoukiem, jest bardziej „nowoczesnym” muzykiem, który eksperymentuje ze wszystkimi nowymi stylami i bardzo szybko przyjmuje modę, która przychodzą i odchodzą; jego muzyka jest też znacznie mniej naukowa, ale - cena szybkości komponowania - czasem stereotypowa.

W Wiedniu prace Gottlieba Muffata, którego Componimenti musicali , cykl siedmiu suit o dość swobodnych formach, w dużej mierze zainspirują Haendla we wszelkiego rodzaju dziełach.

Anglia

William Croft – dwadzieścia suit o bardzo prostej strukturze – Maurice Greene – uwertury (1745), suity (1750) – i Thomas Augustine Arne – osiem sonat (1756) – należą do wybitnych kompozytorów klawesynowych w XVIII wieku w Anglii .  stulecie. John Christopher Smith skomponował również liczne sequele, z których później wyraźnie widać wpływ Scarlattiego, ze skrzyżowanymi rękami. Elisabetta de Gambarini skomponowała dwa zbiory lekcji na klawesyn (1748), ale zmarła bardzo młodo. Thomas Chilcot (1707-1766) skomponował sześć suit w stylu Georga Friedricha Haendla . Jacob Kirckman, bratanek klawesynisty, komponował także sonaty i utwory na cztery ręce.

Włochy

Z wyjątkiem Domenico Scarlatti tym najbardziej żyznej części kamieniołomu odbywa się poza Włochami, klawesyn z pewnością nie jest solistą najbardziej popularny w XVIII -tego  wieku, pomimo znacznej produkcji. Możemy jednak przytoczyć nazwiska Domenico Zipoli (jezuity importującego muzykę europejską na kontynent południowoamerykański, gdzie toczy się jego kariera), Francesco Durante , Benedetto Marcello , Domenico Cimarosa , Baldassare Galuppi , Giovanni Marco Rutini , Giovanni Battista Pescetti , Giuseppe Sarti wydających na ten instrument wiele sonat, a także dwóch kompozytorów włoskich ćwiczących swoje talenty poza półwyspem: Anna Bon di Venezia i Genovieffa Ravissa . Domenico Alberti wprowadził do swoich sonat bas, który nosi jego imię i który będzie jednym ze znaków stylu galant i ewolucji w kierunku klasycyzmu i dominacji fortepianu. Inni artyści emigrują i rozpowszechniają za granicę sonatę w stylu włoskim, jak Pietro Domenico Paradisi (Londyn) czy Giovanni Platti (Würzburg). Azzolino della Ciaja jest niezbyt płodny, ale jeden z najbardziej oryginalnych, z utworami o wielkiej osobliwości, zarówno harmonicznej, jak i rytmicznej. Padre Martini , mentor i przyjaciel Mozarta sonat napisane w kontrapunktu wywołując Bach odpowiedniego klawesyn lub organy (organ wykorzystuje małe włoskie pedały zbyt często nieobecny) jako Frescobaldi było.

Półwysep Iberyjski

Podczas pobytu w Lizbonie, a następnie w Madrycie Domenico Scarlatti ocierał się o dwóch najsłynniejszych klawesynistów Półwyspu Iberyjskiego: Portugalczyk Carlos de Seixas i Katalończyk Antonio Soler , znacznie od niego młodszy. Twórczość tych dwóch artystów jest wyraźnie odczuwalna pod wpływem wielkiego włoskiego muzyka, jego zamiłowania do wirtuozerii, efektu rytmu, brawurowej harmonii, charakteru popularnej muzyki hiszpańskiej, nawet jeśli każdy z nich ma swoje. własny styl. Obaj pisali, podobnie jak Scarlatti, dziesiątki i dziesiątki sonat w dowolnej formie, kilkuczęściowej lub bardzo często jednoczęściowej. Soler pozostawia również niezwykłe fandango (którego przypisanie nie jest jednak pewne).

XX th  wieku

Przez cały XIX th  wieku, klawesyn został zignorowany przez kompozytorów, których przychylność zwrócił się do fortepianu; to także na fortepianie grano utwory z przeszłości, kiedy nie zostały zapomniane.

Podczas XX -tego  wieku, pod przewodnictwem Wandy Landowskiej , prawdziwe odkrycie klawesynu występuje i działa klawiaturze mistrzów renesansu i baroku w końcu powrócił do instrumentu, dla którego zostały napisane. To ożywienie klawesynu nie ogranicza się do wykonania robót z przeszłości, ale znajduje również odzwierciedlenie w nowej produkcji kompozycji napisanych specjalnie dla tego instrumentu, od 1920 utworów na klawesyn i klawikord the NIEMOŻLIWE XX th  liczyć wieku w tysiącach. Nowy impuls dla kompozycji na klawesyn, która znajduje jednak świadków nawet w Stanach Zjednoczonych, nadają zwłaszcza kompozytorzy europejscy, wśród których honorowe miejsce zajmują kompozytorzy z Europy Wschodniej.

Pierwsze znaczące utwory na klawesyn z XX th  wieku jesteś Koncert na klawesyn, flet, obój, klarnet, skrzypce i wiolonczelę z Manuel de Falla (1923-1926) oraz Koncert wiejski z Francisa Poulenca (1927-1928), a następnie prace Bohuslav Martinů ( Koncert na klawesyn i małą orkiestrę , 1935; Spacery na flet, skrzypce i klawesyn , 1939; Sonata na klawesyn , 1958), Muzyka kameralna na klawesyn i siedem instrumentów (1936) przez Hans Krasa , Koncert na klawesyn przez Cyryla Scott (1937) i Petite Symphonie concertante na harfę, klawesyn, fortepian i dwie orkiestry smyczkowe Franka Martina (1944-1945).

Po II wojnie światowej repertuar klawesynowy nadal się powiększał, a szczególnie aktywni byli kompozytorzy z Europy Wschodniej. Oldřich František Korte wyprodukował Trzy tańce kanoniczne na obój i klawesyn (1944-54). Ilja Hurník pisze sonatę da camera na flet, obój, wiolonczelę i klawesyn (1953) oraz koncert na obój, smyczki i klawesyn (1959). Edison Denisov napisał w 1964 roku swoje Pieśni włoskie (1964) do tekstu Alexandre Błoka na sopran, flet, róg, skrzypce i klawesyn, a następnie muzykę kameralną na altówkę, klawesyn i smyczki, a później przez koncert na flet, wibrafon , klawesyn i smyczki (1993) oraz koncert na dwie altówki, klawesyn i smyczki. Innymi ważnymi kompozytorami z Europy Wschodniej, którzy produkowali na klawesyn, są Mieczysław Weinberg (VII Symfonia, 1964), Krzysztof Penderecki ( Fonogrammi , 1961; Partita na klawesyn i orkiestrę , 1972), Zdeněk Lukáš ( Musica da Concerto na 12 instrumentów smyczkowych i klawesyn op 102 , 1974 Medytacja (Medytacja) na altówkę i klawesyn op. 116, 1975 Medytacja - Rondo (Medytacja - Rondo) na altówkę i klawesyn op. 128, 1977 Koncert na klawesyn i orkiestrę smyczkową , op. 152, 1980, Partita na klawesyn op. 154, 1980, V podzámčí , 4 tańce czeskie na klawesyn z chórem mieszanym op. 170, 1981, Cantabile na altówkę i klawesyn op. 216, 1988, Za Dunaj , utwór na klawesyn op. i orkiestrę kameralną op.240, Rondo na wiolonczelę i klawesyn op.257, Canto na 4 flety i klawesyn op.275, 1996, Ricordo , Kwintet na 2 oboje, fagot, klawesyn i kontrabas, op.296, 1998; Supplemento na altówkę i klawesyn op. 334), Viktor Kalabis ( Koncert na klawesyn i smyczki , op. 42, 1975 oraz utwory na klawesyn solo), Jiří Válek (dwa koncerty na flet, obój, skrzypce, altówkę, wiolonczelę i klawesyn, 1970 i 1979 oraz utwory na klawesyn solo), Peeter Vãhi ( koncert piccolo na klawesyn i komora orkiestra 3 ruchów, 1976), Alfred Sznitke ( Concerto grosso n o  1 do klawesynu przygotowanego fortepianu i strun , 1977; Concerto grosso nr 3 przez dwa skrzypiec, klawesyn i łańcuchów , 1985; Concerto grosso n o  4 (symfoniczną n o  5), na skrzypce, obój, klawesyn orkiestrą , 1988), Henryk Górecki ( koncert na klawesynowym i orkiestrę op. 40, 1980), Peterisa Vasks ( kantata klawesynowy , 1980), Vladimír GODAR ( Ricercar 4 instrumentów na flet, obój, wiolonczelę i klawesyn, 1977, rewizja 1995, Melodiarium na smyczki i klawesyn, 1980, Partita na 54 smyczki, klawesyn, kotły i dzwonki rurowe, 1983, Concerto grosso per archi e cembalo na 6 skrzypiec, 3 altówki , 2 wiolonczele i klawesyn, 1985; Suita tańców , po Vietoris Tabulature, 22 tańce na smyczki i klawesyn, 1985; Kołysanki Jana Skácela na sopran, flet, wiolonczelę i klawesyn, 1986; Barkarola na skrzypce, 12 strun, harfę i klawesyn, 1993; Ecce puer na sopran, dwoje skrzypiec, kontrabas, gitarę, harfę i klawesyn, 1997; Stabat Mater na głos żeński, skrzypce, harfę, chitarron i klawesyn, 2001; Regina coeli na głos żeński, chór, skrzypce, chitarron i klawesyn, 2003; Little Suite for Little David na gitarę skrzypcową, orkiestrę smyczkową i klawesyn, 2005), Helena Tulve ( Bez tytułu na klawesyn, 1999; …il neige na klawesyn i estońskie kantele , 2004), György Ligeti (cztery utwory na klawesyn solo, w tym Continuum ) , Toivo Tulev ( Du, ewig Du na flet, wiolonczelę i klawesyn, 2001), Mirjam Tally ( Swimming Bach na klawesyn i fonogram, 2001; Line na estońską cytrę i klawesyn, 2006/7). Inni autorzy, którzy pisali na klawesyn solo, to Jiri Gemrot , Lubor Bárta , Milan Slavicky , Jiri Teml i Petr Eben . Holenderski klawesynista Hendrik Bouman skomponował wiele utworów w stylu XVII th i XVIII -tego  wieku, w tym dwóch koncertów na klawesyn solo i wielu częściach tym instrumentem continuo.

W Europie Zachodniej klawesyn wykorzystywany jest w twórczości Vittorio Rietiego ( Partita na klawesyn, flet, obój i kwartet smyczkowy , 1945; Koncert na klawesyn , 1955), Goffredo Petrassiego ( Sonata da camera na klawesyn i 10 instrumentów, 1948; Serenada na flet, klawesyn, perkusję, altówkę i kontrabas, 1958; Ala na flet, piccolo i klawesyn, 1972; Alias na gitarę i klawesyn, 1977), Roberto Gerhard ( Koncert na klawesyn, orkiestrę smyczkową i perkusję , 1955-56) , John McCabe ( Koncert na klawesyn , 1968), Stephen Dodgson ( Duo Concertante na gitarę i klawesyn , 1968; Suita re-dur na obój i klawesyn , 1972; Shine and Shade na flet prosty i klawesyn , 1975; Dialogues na gitarę i klawesyn , 1976 ; Quatre rondeaux Charles d'Orleans na sopran i klawesyn , 1982; Wysoka Barbaree do rejestratora, gitarę i klawesyn , 1999; Wenus do Muz na sopran, flet prosty, fagot i klawesyn , 2002; Warbeck Trio na flet z fletem prostym, fagotem i klawesynem , 2002; Inventions na klawesyn ), Salvatore Sciarrino ( De o de do , 1970), Joonas Kokkonen ( Durch einen Spiegel na 12 instrumentów smyczkowych i klawesyn , 1977), Louis Andriessen ( Uwertura na Orphée , 1982; Dubbelspoor , muzyka baletowa na fortepian, klawesyn, glockens et celesta , 1986), Alfred Felder ( Ballada na wiolonczelę, klawesyn i smyczki, 1982-1983; Notturno na wiolonczelę i klawesyn, 1986; Melisma na sopran, wiolonczelę i klawesyn, 1992), Jukka Tiensuu ( Fantango , 1984), Michael Nyman ( Childs Play na dwoje skrzypiec i klawesyn, 1985; The Convertibility of Lute Strings na klawesyn, 1992; Tango for Tim na klawesyn, 1994; Koncert na klawesyn i orkiestrę , 1995; Elisabeth Gets Her Way na klawesyn, 1996), Kaija Saariaho ( Jardin secret II 1986/86), Jacques Valmond ( Koncert na smyczki i klawesyn op 5, 1985;. eskapady Trois na dwoje skrzypiec i klawesyn), Alun Hoddinott ( Doubles na obój, orkiestrę smyczkową i klawesyn, 1982), Roberto Carnevale ( Herr Dr. Doppler , Study - Entertainment na flet, gitarę, wiolonczelę i klawesyn, 1987; Hagamos un trato con Falla na klawesyn, flet, obój, klarnet, skrzypce i wiolonczelę, 1990; Athenaeum na chór, skrzypce, gitarę, klawesyn, fortepian i perkusję, 1995; Toccata-Parodia na klawesyn, 1995), Arnold Rosner ( Muzyka klawesynowa , 1974; Koncert na klawesyn i smyczki , 2000), Robert Starer ( The Seven Faces of Fernando na klawesyn; Yizkor i Anima Eterna na flet i klawesyn), Theodore Antoniou ( Suita na skrzypce i klawesyn ), Jean Courtioux ( Petite Suite magyare na perkusje i klawesyn).

Wśród amerykańskich kompozytorów piszących na klawesyn wymienić należy Waltera Pistona ( Sonatina na skrzypce i klawesyn , 1945), George Barati ( Baroque Quartet na klawesyn, flet, kontrabas obojowy 1951), Elliotta Cartera ( sonata na flet, obój, wiolonczela i klawesyn  , koncert podwójny na klawesyn, fortepian i dwie orkiestry kameralne , 1959-1961), Alan Hovhaness ( Duet na skrzypce i klawesyn op. 122, 1954; Sekstet na flet prosty , kwartet na smyczki i klawesyn , 1958), Daniel Pinkham ( Partita na klawesyn , 1964) i Henry Cowell ( Zestaw czterech , 1955-56; Introdukcja i Allegro na altówkę i klawesyn; Preludium i Allegro na skrzypce i klawesyn: 1960; Kwartet na flet, obój, wiolonczelę i klawesyn , 1954), Peter Child ( Fantasia na klawesyn), Alvin Elliot Singleton ( Grób Małego Księcia na klawesyn), Gunther Schuller ( Fantasia Impromptu na flet i klawesyn), Lou Harrison ( Sześć sonat na klawesyn), Ellen Taaffe Zwilich ( Fant asia na klawesyn), Gardner Read ( Fantasia-Toccata na klawesyn op. 148), Lester Trimble ( Cztery fragmenty z opowieści Canterbury na głos, klarnet, flet i klawesyn), Samuel Adler ( sonata klawesynowa , 1982; Bridges to Span Adversity na klawesyn, 1989), Christopher Rouse ( Lares Hercii na skrzypce i klawesyn, 1983), Samuel Jones ( ruchy Deux na klawesyn , 1989), Ronald Caltabiano ( Fanfary na klawesyn, 1994), Adolphus Hailstork ( Suita barokowa na skrzypce i klawesyn), Carson Cooman ( Tryptyk na klawesyn op. 101, 1999; Sonata na klawesyn op. 604, 2004; Preludia niezmierzone op. 697, 2006; Toccata Brevis op. 702, 2006), Harold Maltzer ( Virginal , na 15 instrumenty i klawesyn, 2002; Toccatas na klawesyn, 2005), Philip Glass ( Koncert na klawesyn i orkiestrę kameralną , 2002). Szczególnie płodny jest Robert Baksa , który skomponował na klawesyn solo trzy sonaty (1998), cztery suity pod Antica novą (1987-1996), partitę ( Fantasy Partita , 1987), Three Line Studies (1997), Duo Sonata na dwa klawesyny (1997) oraz utwory na klawesyn i inne instrumenty ( Duo Concertante pouir gitara i klawesyn, 1999; koncert na klawesyn i smyczki , 1984; Trio in Tryptyk na flet, obój i klawesyn, 1991; Baroque Reflections na flet, obój, skrzypce, wiolonczela i klawesyn, 1998).

Shostakovicha ( Hamlet , 1964), Stockhausen ( Tierkreis , 1974/75) Kalevi Aho (Symphony N O  9, 1993-1994), Schnittke (Symphony N O  8, 1998) i Mari Vihmand (Symphony, 1990) jest do połączenia klawesyn jako część ich orkiestracji.

Dla Francji kompilacja (wyprodukowana w 2009 roku) zawiera kompozycje około 200 utworów stu kompozytorów. Oprócz koncertu Poulenca możemy przytoczyć:

Testy dyskograficzne

Anglia

Holandia

Niemcy

Francja

Włochy

Hiszpania

Portugalia

Inni

Muzyka klawesynowa grana... na klawesynie

Przez cały XIX th  wieku, praktyka klawesyn został praktycznie opuszczony, arcydzieła przeszłości - ci przynajmniej pozostawały albo powrócił do repertuaru - były interpretowane na fortepianie, z pewnymi wyjątkami: kilka entuzjaści nadal korzystać to oświeceni amatorzy jak książę Edmond de Polignac czy profesjonalni muzycy jak Ignaz Moscheles , Charles Salaman , Ernst Pauer .

Powszechnej Wystawie w Paryżu w 1889 roku zapoczątkowało nieśmiałe zwrotu klawesynu na muzycznej scenie. W tym roku publiczność może zobaczyć i usłyszeć trzy instrumenty, zbudowane przez Louisa Tomasiniego i francuskie firmy fortepianowe Pleyel i Érard , mniej lub bardziej wierne kopie Taskina z 1769 roku, niedawno odrestaurowanego przez pierwszego. Pianista Louis Diémer używa ich na kilku koncertach.

Powrót do praktyki pierwotnego instrumentu był owocem pracy kilku muzykologów, faktorów i wykonawców, wśród których jest przede wszystkim Wanda Landowska . To ona dała decydujący impuls do wskrzeszenia tego prawie znikłego instrumentu, który „wskrzesił”, co prawda, odchodząc od tradycyjnej faktury i unowocześniany przez takie firmy jak Pleyel czy Neupert . Powrót był długi i dopiero w latach 70. nastąpił nieodwracalny zwrot wraz z powrotem do tradycyjnych zasad i praktyk. W notatce z biografii Rameau wydanej w 1960 r. (s. 21) - czy pamiętał fortepian Marcelle Meyer  ? - Jean Malignon pisze w rzeczywistości:

„Nie jest jednak pewne, czy wszystkie utwory Rameau na klawesyn brzmią lepiej na tym instrumencie. W szczególności dla tych, którzy je słyszą lub grają „jeden po drugim”. Czy każda transpozycja jest zdradą? Bez wątpienia, ale kto wtedy będzie mógł posłuchać tych arcydzieł? Uczeni i oni sami. Nawet zagorzały miłośnik Rameau nie oprze się takiemu niepotrzebnemu archeologicznemu doświadczeniu. "

Obecnie, z godnym uwagi wyjątkiem J.-S. Bacha, D. Scarlattiego, J.-Ph. Rameau, przez G.-F. Haendla - którego geniusz prawdopodobnie wykracza poza ich epokę i specyfikę instrumentu - utwory przeznaczone przez ich kompozytora na klawesyn są prawie zawsze grane na tym instrumencie. Prawdą jest, że często ekshumowano je po przywróceniu klawesynu.

Uwagi i referencje

  1. Bedford Frances, Klawesyn i Klawikord Muzyka XX wieku , Fallen Leaf Press editions, 1993, ( ISBN  0-914-91319-0 )
  2. https://www.clavecin-en-france.org/spip.php?article120
  3. François-Bernard Mâche i gwałtowność klawesynu z fragmentami muzycznymi.
  4. Zwróć uwagę na rzadkie wyjątki, takie jak prace Wo 43a, b i 44a, b Beethovena .
  5. Girdlestone (Rameau, jego życie i twórczość str. 37: „  Powiedziałem już, jak całym sercem zgadzam się z panią Dale i innymi, którzy twierdzą, że muzyka klawesynowa Rameau zyskuje dzięki przeniesieniu na fortepian.  ”

Odniesienia bibliograficzne

Zobacz również

Powiązane artykuły

Linki zewnętrzne