Komedia Przywrócenia odnosi się do rodzaju komediach napisanych i wykonanych od Odnawianie angielskiego (1660), aż do początku XVIII -go wieku . Po zakazie teatru publicznego w ciągu 18 lat narzuconych przez reżim purytańskiej z Cromwell , ponowne otwarcie w kinach w 1660 znaków Odrodzenia angielskiego dramatu. Jeśli początek tego okresu jest doskonale zdefiniowany przez wstąpienie na tron Karola II , to data jego zakończenia jest raczej niejasna. Niemniej jednak wykracza daleko poza śmierć Karola II w 1685 r., Co oznacza ścisły koniec Restauracji i wkracza w panowanie Jakuba II do Wilhelma III, a nawet Anny I re . Uczelnia rzeczywiście wyznaczyła koniec tego okresu, w 1710 r. Na śmierć Bettertona , ówczesnego aktora, w 1714 na śmierć Anny I re , lub nawet w 1722 r. Na powrót do władzy Walpole , ostatecznie w 1737 r., data „ Ustawy licencyjnej ”, która ustanowiła nowy reżim prawny dla teatru. Aby ustanowić swoją antologię teatru Przywrócenia, Womersley, świadomy tej nieokreśloności, powiedział, że wybrał pięćdziesiąt lat, które nastąpiły po restauracji Karola II w 1660 r. Ze względów pragmatycznych: sztuki z tego okresu mają wystarczające podobieństwa, aby utworzyć korpus i wystarczająco dużo różnic, aby móc podkreślić ewolucje i mutacje.
Po wznowieniu spektakli tragedia wraca do swojej poprzedniej formy, heroicznego dramatu zapisanego pustym wierszem , nawet jeśli zmieniają się tematy nowych spektakli. Odzwierciedlając obawy chwili, dominującymi tematami tragedii są odbudowa ( zadzie przez Tatham , The Indian królowej przez Dryden , generall przez hrabiego Orrery , itd.) Lub króla, człowiekiem zasad i rozumu, w ofiarach zdrajców lub osłabiających miłości ( Mustafa i Czarny Książę Orrery, Indyjski cesarz Dryden). Ale duch heroicznego dramatu pozostaje niezmieniony. Bohater jest zawsze monarchą lub zdobywcą, wyznającym arystokratyczne wartości: prawość, honor i odwagę.
I odwrotnie, komedia rozkwitła w ciągu tego półwiecza w zupełnie nowym przełomie. Jednak nawet bardziej niż tragedia, dziedziczy pewną liczbę bogatych tradycji komediowych, głównie komedii humorystycznej i duchowej („ dowcipna komedia ”), które wywodzą się z teatru elżbietańskiego . Wchłania ich, rodząc szeroki repertuar, niezwykle zróżnicowany, pozostając jednocześnie na tyle elastycznym, aby dalej przyswajać nowe elementy, związane z problemami społecznymi i politycznymi, bieżącymi wydarzeniami, a także zapożyczać fragmenty intryg z teatrów współczesnego hiszpańskiego i francuskiego. To jest tak oryginalna żyła - bo nic takiego nie było wyobrazić przed - i liczbie pojedynczej - ponieważ wyłącza się na stałe na początku XVIII -go wieku - to nazwa nadana do niego, aby go wyznaczyć: komedia konserwatorskich.
Kilka elementów przyczyni się do powstania tego nowego rodzaju komedii. Przede wszystkim istnienie tylko dwóch firm teatralnych autoryzowanych w Londynie - podczas gdy przed zamknięciem teatrów było ich około dziesięciu - sponsorowanych przez króla i jego brata, pozwala im i libertyńskiemu dworowi znacznie łatwiej narzucić swoje gusta niż można to zrobić w czasach Szekspira . Z drugiej strony, szczególna i niepowtarzalna architektura nowych sal widowiskowych w Proscenium pozwala na wykorzystanie scenografii i za kulisami, tworząc jednocześnie prywatność niezbędną dla tych komedii. Wreszcie, nowość dla angielskich teatrów publicznych, pojawienie się po raz pierwszy na scenie profesjonalnych aktorek tworzy zmysłową atmosferę, z powodzeniem wykorzystywaną przez dramaturgów. Tę zmysłową atmosferę dodatkowo wzmacnia pojawienie się pierwszych anglojęzycznych dramaturgów, Aphry Behn , Susanna Centlivre , Mary Pix itd.
Komedia Restauracji skupia tak różnorodny zestaw utworów, że trudno jest wskazać główne kwestie, które ją charakteryzują. Jednak wyróżnia się zmysłowością, a czasem nawet seksualnością, szczerze eksponowaną, cechą, do której zachęcają libertyńscy dworzanie i sam Karol II . Ta zmysłowość uniemożliwi wznowienie tych utworów na blisko dwa stulecia i popadną w zapomnienie. Dopiero na początku XX th century , że naukowcy będą ponownie zainteresował, i że niektóre z tych części stopniowo wprowadzić nowoczesny repertuar kina, przedstawiciele pojedynczej kartce teatrze angielskim.
Teatr Przywrócenia poprzedziła teatru elżbietańskiego , „forma teatru publicznego, niepowtarzalny do Anglii w końcu XVI -tego wieku i początku XVII th wieku .” Czasami jest podzielony według panujących władców, Sam (1558 - 1603) teatr elżbietański z Elizabeth I re w Jacobean teatru (1603 - 1625) z Jacques I st i Caroleen Theatre (1625 - 1642) z Karola I st . Ten sposób nazywania różnych teatrów „niesie słowo w słowo, wyraźny ślad złożonej korelacji między teatrem a władzą. […] Powiązanie hierarchiczne i symboliczne ma swoje odzwierciedlenie w konkretach: teatr elżbietański zawdzięcza swoją materialną egzystencję opiece nadanej aktorom ”przez monarchę. Ta więź pozostanie silna również w okresie Restauracji i zostanie ujawniona na przykład podczas zakładania nowych zespołów teatralnych w 1660 r. Poprzez dostarczenie królewskich patentów. Panujący władca pozostaje najwyższym mistrzem działalności teatralnej.
Teatr elżbietański kwitnie, a jego liczni autorzy : Robert Greene (1558-1592), Thomas Kyd (1558-1594), Christopher Marlowe (1564-1593), William Shakespeare (1564-1616), Ben Jonson (1572-1637) , John Fletcher (1579-1625) itp. Ale od urodzenia cierpiał atak purytanów, już skonkretyzowany przez teksty Stephena Gossona , School of Abuse w 1579 r. I Philipa Stubbsa , The Anatomy of Abuses w 1583 r., Którzy chcą tego zabronić. Te ataki pozostają nieskuteczne, o ile równowaga sił sprzyja królewskiej. Ale podczas pierwszej rewolucji angielskiej równowaga ta przesunęła się na korzyść sił parlamentarnych.
Teatry zostały zamknięte zarządzeniem z 2 września 1642 r., Wydanym przez parlament na początku pierwszej wojny domowej , wkrótce po powstaniu przeciwko ul . Króla Karola I. Pod pretekstem niepokojów tego okresu, zarządzenie to stanowi, że „tak jak popularna rozrywka jest nieodpowiednia w czasach publicznej klęski, tak publiczne granie nie przystoi w czasach upokorzenia, [...] w konsekwencji uznano ją za stosowną nakazać zaprzestanie tych publicznych występów i zaniechanie ich ”. Ponieważ zarządzenie to nigdy nie było w pełni przestrzegane, jego surowość została jeszcze bardziej wzmocniona w 1647 i 1648 roku: nowe zarządzenia zagroziły każdemu aktorowi złapanemu w trakcie wykonywania przedstawienia, nie tylko aresztowanym, ale także publicznie biczowanym.
Charles I st jest ścięty30 stycznia 1649. „Teatr zatonął po królewsku”. Cała produkcja teatralna zostaje wstrzymana, a aktorzy i dramatopisarze muszą znaleźć inny zawód. Uciekających dyktaturę wojskową z Cromwell , duża część z panów, jak przyszłego króla Karola II , opuścił Anglię i schronił się w Holandii , Francji i we Włoszech , gdzie prowadzi egzystencję gdyby nie nieszczęśliwy, co najmniej trudne.. Odwiedzając europejskie korty chłoną atmosferę. W teatrze odkrywają nowe rzeczy, we Francji obecność profesjonalnych aktorek na scenie, wykorzystanie scenografii obsługiwanych przez skomplikowane maszyny, pierwsze komedie Moliera we Włoszech, opery z wielkim widowiskiem. Kiedy Panowie wracają do Przywrócenia, szaleńczo cieszą się życiem, a ich cynizm i frywolność częściowo tłumaczy się ich nieszczęśliwą młodością.
Kiedy w 1660 r. Zezwolono na ponowne otwarcie teatrów, po osiemnastoletniej przerwie, w rzeczywistości nie było już teatrów, prawie całkowicie zniszczonych przez purytanów w latach 1642–1644, ani zespołów teatralnych. Nie ma też młodych aktorów, niedawnych sztuk teatralnych i młodych dramaturgów. Pomijając Avenanta i Killigrew , ci, którzy następnie wskakują do biznesu, to młodzi ludzie, którzy nie tylko nigdy nie napisali żadnych sztuk, ale nawet nie byli na przedstawieniach teatralnych. Rzeczywiście, wśród czołowych tak zwanych kanonicznych autorów komedii Restauracji, Dryden miał jedenaście lat, kiedy teatry zostały zamknięte w 1642 roku, Etherege siedem, Wycherley dwa i Congreve i Vanbrugh się nie narodzili . Wszystko pozostaje do zrobienia: odbudować teatry, znaleźć aktorów i założyć firmy, napisać nowe sztuki. „Wraz z restauracją monarchii w 1660 r. Działalność teatralna w Londynie została nie tylko wznowiona, ale także wymyślona na nowo. "
Nowi dramatopisarze nie mają doświadczenia, ale mają długą tradycję wykonawczą sięgającą początków teatru elżbietańskiego. Ich zasługą będzie stworzenie nowego gatunku z poszanowaniem tych tradycji.
Teatr elżbietański należy do teatru barokowego , podobnie jak teatry francuskie, niemieckie i hiszpańskie z tego samego okresu. „Akcja barokowego„ wiersza ”jest eliptyczna, bogata, pełna zwrotów akcji i przebrań. […] Różne gatunki, komiczne, tragiczne, satyryczne, ustalone już w starożytności, mogą współistnieć w tym samym pomieszczeniu. W związku z tym teatr elżbietański ignoruje zasadę trzech jednostek . Jednostka czasu nie jest tam znana, czas intrygi może trwać kilka godzin, czas przedstawienia, a także kilka miesięcy, jak w Nocy królów , gdzie trzy miesiące oddzielają akt I od aktu. V. Jednostka miejsca jest również ignorowana. Rozcięcie na sceny w każdym akcie najczęściej koresponduje ze zmianą miejsca akcji, podczas gdy w klasycznym teatrze to wycięcie sceniczne po prostu koresponduje z przybyciem lub odejściem bohaterów, miejsce akcji pozostaje od początku niezmienne. do końca sztuki. Wreszcie akcja nie jest wyjątkowa: zawsze jest kilka wątków prowadzonych równolegle, każda o różnym stopniu ważności, a czasem traktowanych w różnych tonach. Tak więc w Nocy królów główny wątek dotyczy romantycznego związku księcia Orsino i Violi, drugi wątek, który jest do niego równoległy, rozwija się między Sebastienem i Olivią, a nawet trzeci jest między Sir Tobie i Marie.; wreszcie mistyfikacja, której doznał Malvolio, zostaje potraktowana w tonie farsy .
Teatr elżbietański pozwala sobie również na mieszanie gatunków, ponieważ w przeciwieństwie do francuskiej publiczności angielska publiczność zawsze ceni sobie dużą różnorodność przedstawień teatralnych. Mieszanka komizmu i tragizmu nie tylko go nie irytuje, ale wręcz uwodzi. Tak więc komiczny przerywnik w tragedii, niewyobrażalnej w Corneille , jest powszechny u Szekspira, podobnie jak epizod grabarzy w Hamlecie (akt V scena 1), portier w Makbecie (akt II scena 3) czy szewc w Juliusz Cezar (akt I scena 1). Ta mieszanka może być jeszcze ważniejsza, jak w Romeo i Julii , gdzie przeplatają się sceny komiczne i tragiczne.
Teatr elżbietański ma dwie wielkie tradycje komediowe: komedię humoru , której głównymi przedstawicielami są Benjamin Jonson i George Chapman oraz komedię duchową („ dowcipna komedia ”), uprawianą w szczególności przez Johna Fletchera , Francisa Beaumonta i Roberta Greene'a ( Groatsworth of Wit lub Two sub-spirit ) ( 1592 ). Nastrojowa komedia oparta jest na jednej lub kilku postaciach zdominowanych przez obsesję lub cechę charakteru, co prowadzi ich do sytuacji komediowych. Duchowa komedia opiera się „na fortelach, dzięki którym para dowcipnych ludzi pokonuje przeszkody, jakie stawiają im bezduszne postacie. Na tym prostym diagramie wyartykułowane są inne tematy tej samej inspiracji, w których spryt rywalizuje ze sobą, podczas gdy głupcy próbują prześcignąć się nawzajem w oszustwie ”.
Nowi dramatopisarze podejmują wszystkie te specyfiki, nawet jeśli czasami inaczej doceniają wagę każdego z nich. Dryden , bardziej przychylny dowcipowi , argumentuje w An Essay of Dramatick Poetry ( 1668 ), że najlepsze postacie komiksowe Jonsona to niewiele więcej niż automaty („ Mechanick People ”). Shadwell , ze swej strony przychylny nastrojom, odpowiada mu we wstępie do swojej pierwszej sztuki The Sullen Lovers ( 1668 ), że komedia duchowa jest nie tylko trywialna, ale i niemoralna, w której bardzo często łajdak, pijak i niegrzeczny miejsce młodych , gdzie chłopczyca, zuchwała i źle wychowana, odgrywa rolę kochanka. Jednak obaj łączą te dwie tradycje komediowe w swoich komediach, przyjmując, jak mówi Dryden, " mieszaną drogę ", środkową drogę. Ale nie wystarcza im bycie zwykłymi klonami dawnych mistrzów. Uwzględniają tradycje komediowe, które odziedziczyli, w nowych odmianach, aby sprostać oczekiwaniom i potrzebom odbiorców. Bardzo często zapożyczając z komedii manier fragmentów Moliera lub idei intryg, wprowadzają, dobrowolnie lub nie, komedię obyczajową w komedii Restauracji, która czasami będzie kwalifikowana jako „ komedia obyczajowa ”, w szczególności przez John Palmer i Charles Lamb .
Zainteresowany teatrem, który odkrył głównie we Francji na emigracji, Karol II jest jego aktywnym mecenasem. Wkrótce po wstąpieniu na tron29 maja 1660, przyznaje wyłączne prawa do reprezentacji na podstawie listów patentowych dla King's Company („Oddział Królewski ”) i do Duke's Company („Oddział książęcy ”, w odniesieniu do księcia Yorku , brata króla i przyszłego Jakuba II ) kierowanego przez dwa dramaturgów dojrzały, od czasów Karola i er , Thomas Killigrew i William Davenant .
Ponieważ produkcja teatralna została zawieszona przez osiemnaście lat, zarówno pęd, aby uzyskać prawa reprezentację części poprzedniej generacji, to znaczy, okresy Jacques I st i Charles I er , przewidzianego konieczna dla ich przetrwania finansowego, w oczekiwaniu na piśmie nowe dokumenty. Gramy więc Szekspira , Bena Jonsona , a zwłaszcza Francisa Beaumonta i Johna Fletchera w proporcji, według Drydena, jednej części pierwszej przez dwie sekundy, co dla Beljame dowodzi, że nastąpiła zmiana gustu publicznego. działał na samym początku Restauracji, jeszcze przed napisaniem pierwszych komedii Restauracji: „Preferować Beaumonta i Fletchera od Szekspira, to przedkładać zabawę […] od najszlachetniejszych emocji sztuki dramatycznej”.
Drugim priorytetem obu reżyserów jest budowa nowych i wspaniałych teatrów licencjonowanych , odpowiednio przy Drury Lane i Dorset Garden . Killigrew i Avenant starają się prześcignąć innych we wspaniałości, tworząc nieco podobne teatry, oba zaprojektowane przez Christophera Wrena , oba zoptymalizowane pod kątem muzyki i tańca, a oba wyposażone w ruchome zestawy i wyrafinowaną maszynerię do wytwarzania grzmotów , błyskawic i fal .
W pierwszych dniach Przywrócenia, publiczność nie składa się wyłącznie z arystokratów na dworze , jak to niekiedy przypuszcza. Mimo wszystko ta publiczność jest niewielka i z trudem może wesprzeć dwie firmy. Nie ma też niewykorzystanej rezerwy przypadkowych widzów. Dziesięć kolejnych przedstawień to ogromny sukces, jak zauważył John Downes o sztuce „ Edyp ” Johna Drydena .
Ten zamknięty system zmusza autorów do wyjątkowej wrażliwości na gusta publiczności. Moda w teatrze może zmieniać się prawie z tygodnia na tydzień, a nie z sezonu na sezon, ponieważ każda firma reaguje na wzajemne oferty i zawsze szukają nowych sztuk. The King's Company i Duke's Company rywalizują o względy publiczne, zatrudniając popularnych aktorów, wystawiając nowe programy. W tym gorączkowym klimacie rodzą się lub rozkwitają nowe gatunki teatralne: dramat heroiczny , kobieca tragedia i komedia Restauracji.
Teatr ucierpiał pod względem jakości i ilości, gdy w 1682 roku odnosząca największe sukcesy kompania książęca wchłonęła walczącą z trudnościami King's Company , tworząc jedną firmę, zwaną United Company . Produkcja nowych sztuk gwałtownie spadła w latach osiemdziesiątych XVII wieku , zarówno z powodu monopolu , jaki powstał z połączenia dwóch istniejących firm, jak i sytuacji politycznej (patrz upadek komedii poniżej). Spadają także wpływy i dochody komików. Pod koniec lat osiemdziesiątych XVII wieku drapieżni inwestorzy, „Poszukiwacze przygód”, zstąpili na United Company , a władzę przejął prawnik Christopher Rich . Rich próbuje sfinansować chaos „zarządzania” i powiązanych sponsorów, drastycznie tnąc pensje i, co bardziej niezręczne, usuwając tradycyjne zalety głównych wykonawców, gwiazd, które miały zdolność do walki.
Colley Cibber , ówczesny młody pracownik United Company , pisał: „Właściciele firmy, którzy stworzyli ten monopol teatralny, i którzy w związku z tym zakładali, że mogą narzucić swoim pracownikom wszystko, czego chcą, nie sądzą, że próbowali zniewolić grupę aktorów, których opinia publiczna była gotowa wesprzeć ”. Artyści tacy jak legendarny Thomas Betterton , tragedia Elizabeth Barry i wschodząca młoda gwiazda Anne Bracegirdle mają widzów po swojej stronie i pewni tego wsparcia opuszczają firmę.
Dzięki wsparciu hrabiego Dorset , ówczesnego Lorda Szambelana , aktorzy uzyskali od króla „licencję na granie”25 marca 1695, omijając w ten sposób własność Richa na patentach pierwszych dwóch zespołów w 1660 r. Założyli własny teatr w formie spółdzielni i przenieśli się do starego teatru w Lincoln's Inn Fields w kwietniu 1695 r. Ten oryginalny biznes jest wyposażony w szczegółowe regulacje mające na celu uniknięcie arbitralności zarządzania administracyjnego i zarządzanie udziałami dziesięciu głównych aktorów, warunkami zatrudnienia pracowników i innych podmiotów, a także świadczeniami zdrowotnymi i emeryturami dla wszystkich. Spółdzielnia ma szansę rozpocząć ostatni dzień kwietnia 1695 z pierwszym słynnego dramatu Williama Congreve , miłością na miłość ( miłość do Miłości ). Ma również umiejętności, które pozwolą jej odnieść ogromny sukces kasowy .
Londyn znów ma dwa konkurujące ze sobą teatry. Ich walka o przyciągnięcie publiczności na krótko ożywiła teatr Restoration, ale także postawiła go na fatalnym zboczu. Przede wszystkim szybkie odnowienie przedstawień generuje pośpiech, który prowadzi do zatrudniania przeciętnych aktorów do ważnych ról i powtórzeń do ścisłego minimum. Colley Cibber tak opisuje wynik: „Teatr szybko stał się polem ignorancji i próżności. Szekspir został oszpecony, […] Hamlet i Othello stracili cały zdrowy rozsądek, […] Brutus i Kasjusz stali się wrzeszczącymi bestiami, z pustymi oczami, fałszywymi wyrazami twarzy i bombastyczną mową! ”. Pepys często narzeka również, że aktorzy zapominają o swoich tekstach lub improwizują. Następnie, aby przyciągnąć widzów za wszelką cenę, preferowany jest najniższy gust publiczności. Richa spółka notorycznie oferuje St. Bartholomew Fair stylu atrakcje - zapaśników , żonglerów , lina spacerowiczów , uczyli zwierzęta - podczas aktorów kooperacji, a odwołując się do snobizmu, przedstawiając siebie jako jedynego prawowitego teatralnej spółki Londynu, nie są bez zarzutu albo „recytujcie prologi dzieciom w wieku pięciu lat i deklamujcie epilogi damom na koniach”.
Już w elżbietańskiej ery , więc na długo przed reżimem Puritan z Commonwealth of England , który poprzedzał Restoration , obecność kobiet na scenie było zabronione, a wszystkie kobiece role były utrzymywane przez mężczyzn. Na przykład, w Szekspira A Midsummer Night „s snu widzimy, flet, mieszek naprawiacz odmówić grać rolę młodej dziewczyny, Thisbe, ponieważ jej broda zaczyna rosnąć (Akt I, scena 2). Z powodu tej męskiej wszechobecności Szekspir najwyraźniej bardzo się starał, aby zminimalizować zmysłowe sceny, uściski i pokazy cielesne. W przypadku ról transwestytów , takich jak Viola w Nocy Królów , to chłopcy przebierają się za dziewczyny, które przebierają się za chłopców
Patent królewski przyznany w dniu 21 sierpnia 1660 w obu kinach przepisał plik 25 kwietnia 1662, stanowi, że role kobiece będą odtąd pełnione wyłącznie przez kobiety. Ta teatralna rewolucja, zainspirowana francuskimi zwyczajami, jest bezprecedensowa w Anglii z jednym wyjątkiem: pierwszą angielską aktorką na scenie jest Madame Coleman, która zagrała rolę Ianthe w sztuce D'Avenanta Oblężenie Rodos w 1656 r. mały pokój prywatny, Rutland House , dzięki wyjątkowemu pozwoleniu rządu purytańskiego.
Ta nowa praktyka silnie wpłynęła na komedię Restauracji, pozwalając położyć nacisk na realizm zmysłowy, otwartość seksualną i wykorzystać siłę uwodzenia aktorek. Miłość, małżeństwo, cudzołóstwo można rozgrywać ze szczerością i realizmem niemożliwym do utrzymania, gdyby wszystkie role pełnili mężczyźni. Widzowie lat 60. i 70. XVII wieku , głównie mężczyźni, są zaciekawieni, surowi lub zachwyceni tą nowością. Przedłużające się sceny flirtu, namiętnych pocałunków, a nawet prób gwałtu pozwalają autorce urzekać publiczność młodymi dziewczynami w prowokacyjnych strojach, wymieniając aluzje czy szczere wrzaski z równie olśniewającymi kochankami. Samuel Pepys wielokrotnie zwierza się w swoim dzienniku, jak bardzo lubi chodzić do teatru, aby zobaczyć i ponownie zobaczyć niektóre aktorki grające. Mówi, że po raz pierwszy zobaczył kobiet na scenie podczas pokrywy od Johna Fletchera Beggars' Bush na20 listopada 1660.
Odważne i sugestywne sceny komediowe z udziałem kobiet stają się szczególnie liczne, choć oczywiście aktorki, podobnie jak aktorzy, muszą wiernie odgrywać wszystkie typy postaci i odtwarzać wszystkie nastroje panujące w pomieszczeniach. (Ich rola w rozwoju tragedii Restauracji jest również ważna. Zobacz tragedię kobiet ).
Niemal w tym samym czasie, co przybycie aktorek, zostaje wprowadzona nowa specjalność. Są to role transwestytów , które wymagają od aktorek grania w męskich ubraniach, a męskim standardem są wówczas obcisłe, krótkie majteczki kończące się na kolanach i noszone w pończochach. Widzimy na przykład dowcipną bohaterkę przebierającą się za chłopca, aby się ukryć lub wziąć udział w imprezie zakazanej dziewczętom. Jedna czwarta przedstawień wystawianych w Londynie w latach 1660-1700 zawiera role transwestytów.
Grając przebieranie , kobiety mogą działać ze swobodą, że dotacje społeczeństwa ludzi, a niektóre feministyczne krytycy , jak i Juliet Dusinberre Jacqueline Pearson zobaczyć cross-dressing jako wywrotową tradycyjnych ról płciowych, a dla Katherine M. Quinsey, jako emancypacja kobiet od społeczeństwa. Elizabeth Howe zarzuca, że przebranie mężczyzny, badane w tekstach dramatów, w prologach i epilogach, okazuje się „tylko nowym sposobem przedstawiania aktorek jako obiektów seksualnych męskim widzom”, podkreślając podziękowania do męskiej odzieży, niektórych części ciała, bioder, pośladków i nóg, zwykle ukrytych pod spódnicą.
Wśród odnoszących sukcesy aktorek Restauracji są Nell Gwyn , kochanka Karola II , tragiczna Elżbieta Barry , znana ze swojej zdolności do „rozbudzania namiętności” i wywoływania płaczu w całym pokoju, aktorka Anne Bracegirdle w latach 90. XVII wieku i Susanna Mountfort, aka Susanna Verbruggen , która ma wiele ról transwestytów napisanych specjalnie dla niej w latach osiemdziesiątych i dziewięćdziesiątych XVII wieku. Listy i wspomnienia z tamtych czasów pokazują, jak bardzo widzowie i kobiety doceniają smakowite występy Mountfort, dumne i gotowe do ślubu młode kobiety, ubrane w krótkie spodnie , a tym samym doceniając światową i seksualną wolność, jaką cieszyli się ówcześni libertyni.
To właśnie podczas restauracji aktorzy i aktorki londyńskich scen po raz pierwszy stali się osobistościami publicznymi i celebrytami . Z dokumentów z tamtego okresu wynika, że widowiska pociągały w równym stopniu talenty niektórych aktorów, co sam spektakl, aw każdym razie bardziej niż autor, który wydaje się mieć największą siłę przyciągania. spektakl był promowany przed 1699 r. nazwiskiem autora. Chociaż teatry są zbudowane tak, aby pomieścić dużą widownię (drugi teatr Drury Lane z 1674 r. Ma 2000 miejsc), są zwarte z proscenium wystającym łukiem w kierunku widzów, umożliwiając bardziej intymną komunię aktora i jego publiczność.
Dzięki dwóm firmom konkurującym o swoje usługi od 1660 do 1682 roku, aktorzy gwiazd mogą negocjować kontrakty z gwiazdami, które obejmują oprócz wynagrodzenia, udziały w spółkach i przyjęcia w formie daniny . Ta lukratywna sytuacja zmieniła się, gdy obie firmy połączyły się w 1682 roku, ale sposób, w jaki aktorzy zbuntowali się i przejęli nową firmę w 1695 roku, wyraźnie pokazał status i władzę, którą zdobyli od 1660 roku.
Dominującymi postaciami męskimi King's Company są: Michael Mohun , Charles Hart i John Lacy . Ten ostatni, specjalizujący się w ekscentrycznych rolach, bo umie doskonale przyjmować akcenty wiejskie i zagraniczne, jest jednym z ulubionych aktorów Karola II. Cenił go tak bardzo, że kilkakrotnie go namalował i trzymał je w zamkach Windsor lub Hampton Court . Znamy co najmniej dwa obrazy Johna Michaela Wrighta , które go przedstawiają i które znajdują się obecnie w National Portrait Gallery w Londynie. Najjaśniejsze gwiazdy The Duke's Company to Elizabeth Barry („słynna Madame Barry, która wywołała łzy w oczach swojej publiczności”) i Thomas Betterton , z których obaj aktywnie zorganizowali rewoltę aktorów w 1695 roku i obaj posiadają udziały w nowej spółdzielni. firma.
Od 1660 roku aż do XVIII -tego wieku , Betterton odtwarza wszystkie wiodące role płci męskiej. Po obejrzeniu Hamleta w 1661 roku, Samuel Pepys donosi w swoim dzienniku, że młody rekrut Betterton „odegrał rolę księcia poza wszelką wyobraźnią”. Wydaje się, że ekspresyjne kreacje Bettertona przyciągały widzów równie magnetycznie, jak nowość oglądania kobiet na scenie. Szybko zapewnił sobie jako pierwsza rola Spółki Duke'a i grał Dorimant, główny bohater z nieodpartą libertyn, na premierze modnej Człowiek przez George Etherege w 1676 roku pozycji Betterton pozostał niekwestionowanym podczas latach 1680-tych, zarówno jako wiodącą rolę w firmie oraz jako codzienny menadżer i de facto szef kuchni. Był bardzo ceniony przez Karola II, który wysłał go do Francji, aby studiował nowinki w sztuce teatralnej. To niewątpliwie dzięki tej wyprawie mobilne zestawy zostały wprowadzone na angielskie sceny, co Betterton obserwował w maszynowni Pałacu Tuileries w Luwrze w Paryżu i które zastąpiły gobelinowe zasłony, dziedzictwo teatru elżbietańskiego.
Betterton pozostał lojalny Richowi dłużej niż większość jego kolegów, ale ostatecznie to on doprowadził do odejścia komików w 1695 roku i został dyrektorem artystycznym nowej firmy.
Pod koniec średniowiecza we Francji , Włoszech , Hiszpanii i Anglii teatr tajemnic i cudów znalazł miejsce w miejscu prawdopodobnie okrągłym. Mimo nielicznych rysunków i dokumentów opisowych, historycy teatru tacy jak Henri Rey-Flaud, Sydney Higgins i Anne Surgers potwierdzają tę tezę.
Teatr elżbietański odziedziczył tę charakterystyczną formę, wydrążony w środku cylinder, który w prologu Henryka V Szekspir określa jako O en bois („ drewniane O ”) . Gruba linia O odpowiada okrągłemu budynkowi na trzech poziomach przeznaczonym dla publiczności, ze sceną otwartą na niebo w środku O. Część okrągłego budynku zwana mimorum aedes , dom aktorów, jest przez nich używany do przygotowywania i niewątpliwie przechowywania kostiumów i przedmiotów niezbędnych do pokazu. Również widzowie nie są rozmieszczeni na 360 ° wokół sceny, ale mimo to otaczają aktorów ponad 260 °. Tak więc, jeśli niektórzy widzowie są umieszczeni przed spektaklem, inni widzą go z profilu, a niektórzy nawet z trzech czwartych wstecz. Ta scena, prawie całkowicie otoczona przez widzów, jest charakterystyczna dla teatru elżbietańskiego, bardzo odmiennego od teatru włoskiego, gdzie wszyscy widzowie są zwróceni twarzami do sceny, ustawionej na jednym końcu sali. Na początku XVII -tego wieku , Londyn ma dziesięć teatrów stylu elżbietańskiego, wszystkie zbudowane poza murami miasta, dla populacji 200 000 mieszkańców. Killigrew i D'Avenant, przyszli dyrektorzy oddziału Restoration, grali wyłącznie w tego typu okrągłym pomieszczeniu do 1642 roku.
Pomiędzy 1642 r., Kiedy zamknięto teatry, a 1644 r., Prawie wszystkie teatry elżbietańskie zostały zniszczone przez purytanów. Tak zniknął najstarszy „ Teatr ”, „ The Globe ”, najsłynniejszy teatr Szekspira, ale także „ Róża ”, „ Kurtyna ”, „ Fortuna ” itp. Kilka z nich ucieka przed zniszczeniem, na przykład Red Bull Theatre czy Cockpit Theatre . Jak sugeruje nazwa tego ostatniego, ten został pierwotnie zbudowany w 1616 r. Do walk kogutów i przetrwał podczas Purytańskiego Bezkrólewia , służąc jako sala lekcyjna, a czasami jako sala operowa Killigrew, muzyka nie uważana za aktorską.
Kiedy w 1660 r. Ponownie zezwolono na przedstawienia teatralne, niedobór sal był taki, że dwie rywalizujące ze sobą licencjonowane firmy z Londynu, King's Company i Duke's Company , musiały dzielić Cockpit Theatre przez kilka miesięcy . Jedynymi dostatecznie dużymi pokojami, które były dostępne, były dawne korty tenisowe, King's Company tymczasowo przeniosła się na kort tenisowy Gibbon, znajdujący się na ulicy Vere , podczas gdy Duke's Company przejęła kort tenisowy przy ulicy Lisle . Te pokoje mają wydłużony prostokątny kształt, całkowicie nietypowy dla reżyserów tych zespołów, Killigrew i Davenant, podczas gdy ich opiekunowie, Karol II i książę Yorku, którzy byli bardziej zaznajomieni z teatrem francuskim niż angielskim, widzieli, jak grali utwory Moliera w paryskim gry palmowe , podobne pod względem kształtu i wielkości. Podobnie jak we Francji, scena jest umieszczona na jednym końcu, na jednej z szerokości, co sprawia, że pomieszczenie o dużej głębi jest raczej niewygodne, ponieważ wielu widzów znajduje się daleko od sceny, podczas gdy inni siedzą z profilu w stosunku do sceny. - to.
Ta zmiana kształtu pomieszczeń ma wiele konsekwencji. „Ta głęboka aranżacja zmienia znacząco w porównaniu z teatrem elżbietańskim relacje między widzami a aktorami”. Przede wszystkim modyfikuje grę aktorów: „teatr włoski swoją frontalną konfiguracją doprowadził aktorów do zaniedbania objętości ciała i zapomnienia o plecach, bo tego nie trzeba było widzieć” podczas gdy aktorzy elżbietańscy pracowali nad globalną elokwencją swojego ciała, w tym „elokwencją tyłu”. Ten wydłużony kształt oddala też aktora od widowni i niweluje intymność, jaką tworzy okrągła scena otoczona przez widzów. Z drugiej strony ta prostokątna konfiguracja pozwala na zastosowanie dekoracji składających się z malowanych przesuwnych paneli, łatwo wysuwanych po bokach. Rozmieszczone w kilku sekcjach dają efekt perspektywy lub zgrupowane w środku sceny tworzą np. Gaje nadające się do komedii Shadwella lub niezbędną kryjówkę dla „ scen w szafie ”, gdzie ukryta postać zaskakuje rozmowę lub pewność siebie, wznawiając akcję. Taka konfiguracja pozwala również na stworzenie prawdziwego zaplecza, gdzie dzięki podkładom głosowym scena, która stała się zbyt rozwiązła lub zbyt szokująca, może być kontynuowana z pełną wiedzą o publiczności, ale poza zasięgiem wzroku. Ta możliwość scenograficzna, jedna z cech charakterystycznych komedii Restauracji, jest wielokrotnie wykorzystywana.
Podczas gdy francuski teatr będzie mieścił się w halach tenisowych przez prawie sto lat, dwie licencjonowane londyńskie firmy szybko budują nowe teatry. Stara konfiguracja elżbietańska została porzucona na rzecz teatru w stylu włoskim, aby skorzystać z łatwych do usunięcia scenografii i skomplikowanych maszyn umieszczonych za kulisami lub na wieszakach . Te instalacje są bardziej opłacalne dla tragedii i spektaklu z wielką inscenizacją niż dla komedii. Z drugiej strony, aby ta ostatnia uzyskała potrzebną mu prywatność, pomieszczenie jest płytsze, bardziej zwarte, a przede wszystkim głębokie proscenium o szerokości sceny, posuwającej się łukiem w stronę publiczności. scena, która jest cechą wszystkich teatrów Restauracji i jest unikalna dla Anglii. Niezależnie od wielkości i pojemności teatru, ta przestrzeń zabaw, która jest jednocześnie częścią sceny, blisko publiczności i otoczona lożami dla widzów, przyczynia się do poczucia intymności. „Aktorzy mogli podchodzić do widzów na tyle, na ile chcieli, w celu ustalenia jak najodpowiedniejszej relacji między postacią a widownią”. Jest niejako odpowiednikiem centralnego peronu dawnych elżbietańskich teatrów publicznych lub prywatnych, zwanych wówczas proscenium. To proscenium lub proscenium jest idealne do spektakli, w których każde słowo jest ważne, a utrzymanie tej przestrzeni w salach restauracyjnych oznacza, że nowi autorzy są zachęcani do pisania sztuk, w których tekst przeplatany słowami ducha , monologami , na bokach i zwierzeniach dla publiczności wartość kapitałowa.
Niektórzy reżyserzy teatralni, jak Rich , bardziej zainteresowani opłacalnością teatru niż jakością przedstawienia, czasami skracają to proscenium o kilka metrów, by zyskać kilka rzędów widzów. Aktorzy, jak Colley Cibber , ubolewają nad tym posunięciem, które przeszkadza w przedstawieniu: „Oryginalny kształt pozwolił aktorom stanąć bliżej niż teraz do widowni większej niż trzy metry. […] Gdy aktorzy dysponowali tą dodatkową przestrzenią, pozwalającą im wyjść do przodu, ich głos znajdował się wówczas bardziej na środku sali, co powodowało, że najodleglejsze ucho nie miało najmniejszej trudności w uchwyceniu. Nawet najsłabszy wyraz ” . Ta tendencja do zmniejszania, a nawet eliminowania proscenium z czasem potwierdza się. J. Dulck zauważa, że po 1700 r. Trwa ruch w kierunku czystej włoskiej sceny, przestrzeń przeznaczona na dekorację powiększa się, a proscenium cofa się. W ten sposób zanika teatr Restauracji, który wpłynął na charakter ówczesnej komedii.
Teatr lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych XVII wieku został wzmocniony przez konkurencję między dwoma licencjonowanymi zespołami, utworzoną podczas restauracji, a także osobiste zainteresowanie teatrem Karola II. Komiks autorzy zaspokoić popyt na nowe części, plądrując bezwstydnie współczesnych katalogów francuskie i hiszpańskie, angielskie monety czasy Jacques I st i Charles I er , a nawet tych z starożytnego greckiego teatru i klasycznego rzymskiego teatru , jednocześnie łącząc w fantazyjny sposób subtelne intrygi . Również komedia Restauracji charakteryzuje się dużą różnorodnością, wynikającą z szybkich zmian w modzie. Produkcja jest ogromna. W latach 1660-1710 pracowało co najmniej dwustu dramaturgów, nie wspominając o stu przedstawieniach, które ukazały się anonimowo. Chociaż kurs „Teatr Restauracji”, którego uczą się studenci, jest skondensowany w taki sposób, że wszystkie te sztuki wydają się być napisane w tym samym czasie, sprawiając wrażenie statycznego, gładkiego monolitu, badacze są teraz przekonani, że angielski teatr w ciągu tych pięćdziesięciu lat wiedział o ciągłych zmianach i zrozumiał przyczyny społeczne i polityczne.
Jednak klimat tamtych czasów nie wydawał się sprzyjać rozwojowi komedii. Przywrócenie zaczyna się od polowania na królobójców , a głowy jedenastu z nich są unieruchomione na London Bridge . W latach 1666-1667 Wielka Plaga w Londynie zabiła prawie 100 000 ludzi, a po niej nastąpił wielki pożar, który spustoszył Londyn. Te dwie katastrofy zamknęły teatry na prawie osiemnaście miesięcy. Dysydenci z kościoła anglikańskiego są prześladowani, posłowie skorumpowani, książki są cenzurowane i mogą się ukazywać tylko gazety rządowe. Podczas nalotu na Medway podczas drugiej wojny angielsko-holenderskiej flota holenderska wypłynęła w górę Tamizę w czerwcu 1667 roku, zatapiając angielskie statki i podważając dumę narodową. Do tego trzeba dodać kryzysy finansowe, panikę podczas papistowskich spisków i strach przed wojną domową podczas Rebelii Monmouth , nieślubnego syna Karola II , który próbuje obalić Jakuba II . Jednak w tym niespokojnym okresie komedia Restauracji rozwinęła się i prosperowała.
Komedia Restauracji przeżywała dwa szczyty podczas swojego krótkiego istnienia. Początkowo osiągnęła dramatyczną dojrzałość w połowie lat siedemdziesiątych XVII wieku , a konkretnie w latach 1664-1677, podczas zamieszek arystokratycznych komedii, w tym: Ona by mogła ( gdyby mogła ) do George'a Etherege'a w 1668 r. , Podbój Granady ( Conquest of Granada ) z John Dryden w 1670 roku , próba ( próba ) książę Buckingham w 1671 roku , Country Wife ( prowincjał ) w 1675 i Plain dealer ( Man franc ) w 1676 roku oba William Wycherley , który pozostał człowiekiem of mode ( Man modny ) z George'a Etherege w 1676 roku i wszystko z miłości ( wszystko z miłości ) przez Johna Drydena w 1677 roku .
Po tym krótkim okresie rozkwitu nastąpiło dwadzieścia mniej płodnych lat, podczas których należy odnotować sukces Aphry Behn i niektórych części, takich jak Venice Preserved ( Venice Preserved ) Thomasa Otwaya w 1682 roku .
Około lat 90. XVII wieku , a dokładniej od 1689 do 1710 roku, komedia Restauracji, skierowana do szerszej publiczności, przeżyła drugie, ale krótkie przebudzenie. Możemy nazwać ten okres: Double-Dealer ( Kłamca ) z William Congreve w 1693 roku , nawrotu ( nawrotu lub Virtue Endangered ) w 1696 roku i Znacznej Wife ( Żona oburzony ) w 1697 roku oba John Vanbrugh , Drogi świat ( Pociąg świata ) Williama Congreve w 1700 roku i Beaux 'Stratagem ( przebiegły mały mistrz ) George'a Farquhara w 1707 roku .
John Palmer podsumowuje tę historię w następujący sposób: „Komedia Restauracji rozpoczęła się od Etherege, osiągnęła doskonałość dzięki Congreve, stopniowo zanikała wraz z Vanburghiem i Farquharem i wymarła wraz z Sheridanem i Goldsmithem ”.
Komedie dwóch dobrych czasów bardzo się od siebie różnią. Próba zmiany smaku jest próbą pokazania poniżej w ciągu jednego pokolenia, opisując szczegółowo Wiejską żonę ( Prowincjalną ) 1675 i Prowokowaną żonę ( Oburzona żona ) z 1697. Oba pokoje mają charakterystyczne różnice, podczas gdy hollywoodzki film z lat pięćdziesiątych różni się od innego lata 70 . Te prace nie są jednak przedstawiane jako typowe przykłady ich dekady, bo takich przykładów nie ma. Nawet w bardzo krótkim czasie tych złotych wieków rodzaje komedii nie przestawały mutować i mnożyć się.
Kiedy powstały, obie firmy dzieliły dramatyczne dziedzictwo w nierówny sposób. The King Spółka uzyskuje większość praw. Oprócz monopolu na Jonsona zyskuje część repertuaru Szekspira i najlepszą część Fletchera. Ta niesprawiedliwa dystrybucja zmusza firmy do przyjęcia innej polityki wykorzystywania ich dramatycznych funduszy. The Company Duke , z jego słabej repertuaru, został zmuszony do wprowadzania innowacji, natomiast Kinga Company , grając głównie stary repertuar stał konserwatywny. Ze względu na brak wystarczającej ilości materiału D'Avenant dostosowuje, w znacznym stopniu modyfikując przydzielone mu pomieszczenia. Tak narodziły się adaptacje Measure for Measure w 1662 r. , W których dodano fragmenty Much Ado about Nothing oraz, w 1664 r. , Makbeta , do których dodano rymowane wersety i pieśni. Ta praca, niezbędna na początku do zaoferowania widzom nowych widowisk, będzie trwała przez wiele lat.
W celu wzbogacenia obecnego repertuaru stosowane są inne techniki. Imitacja hiszpańskiej komedii i noweli wnosi do utworów animację i nowość. Z tych wczesnych prób pojawiły się w 1662 Komitet , komedii politycznej przez Roberta Howarda , w którym dwie pary wzorowy royalist odzyskać ich własność została skonfiskowana przez nieuczciwych purytanów i tragikomedii , przygodach pięciu godzin , przystosowanych przez Sir Samuel TUKE od play Los Empeños autorstwa Seisa Horasa , wówczas uważane za napisane przez Calderóna, a dziś przypisywane Antonio Coello . Ten ostatni utwór okazał się wielkim sukcesem i Pepys daje mu entuzjastyczne recenzje w swoim dzienniku , uważając go nawet za lepszy od Othello . Dryden , choć niezbyt utalentowany w komedii, rozpoczął karierę dramatopisarza od The Wild Gallant ( 1663 ), nastrojowej komedii o zagmatwanej fabule, silnie zainspirowanej Jonsonem, której siłą napędową jest poszukiwanie męża przez Isabelli. akcja.
Ale pomimo adaptacji wielu sztuk i intensywnej aktywności teatralnej, tłumy ludzi gromadzących się w kilku teatrach, odkrywających lub odkrywających na nowo tego rodzaju spektakle, nie pojawia się jeszcze nic nowego.
Monarchia opiera się na aksjomacie, że arystokraci mają naturalne prawo do rządzenia, ponieważ są wyżsi z urodzenia. Podczas Restauracji Lordowie wrócili do Anglii, cierpiąc z powodu poważnych niepowodzeń militarnych podczas wojen domowych , kiedy wojna zawsze była ich domeną. Dlatego po powrocie starają się odzyskać legitymację i potwierdzić swoją wyższość. Teatr daje im taką możliwość. Bardzo szybko tragedia wychwalała arystokratyczne cechy bohaterów, królów czy zdobywców. Bohaterski dramat lat sześćdziesiątych XVII wieku był wyraźnie rojalistyczny, a Karol II, wielki wielbiciel teatru Corneille'a , zachęcał do tego gatunku. Z drugiej strony, komedii potrzeba kilku lat, aby pokazać rojalistę, człowieka dowcipnego ( dowcipnego ), wyśmiać chciwych kupców z Miasta ( miast ), prostaka ze wsi ( giermków ), zakochani nowicjusze, którzy najeżdżają piękne dzielnice i obłudnych purytanów, demonstrując w ten sposób swoją wyższość intelektualną.
Komiczna zemstaCi, którzy to początek pierwszego okresu w 1664 roku pod Etherege 's (1664) to pierwsza prawdziwa komedia, La Vengeance comique, ou l'Amour dans un skrzyni ładunkowej ( „ komiczny zemsta, miłość w wannie ”). Przywrócenie . Według Dereka Hughesa, słynna frywolność komedii nowego porządku i oznacza pojawienie się nowej kultury, a nie odrodzenie świata Karola I ul . Edmund Gosse argumentuje: „To, co nadaje La Vengeance comique jego szczególną wartość i nowość, to fakt, że został on napisany przez człowieka, który widział i rozumiał L'Étourdi ( 1653 ), Le Dépit d'amore ( 1658 ) i Les Précieuses ridicules ( 1659). ) i który pośpieszył z powrotem do Anglii z zupełnie nowym pomysłem na to, czym powinna być komedia. "
La Vengeance comique to wielowątkowa komedia, łącząca bohaterską fabułę wersetów, przeciwstawiającą się honorowi i miłości, z kilkoma komiksowymi wątkami prozatorskimi, a także farsą . Etherege przedstawia nową postać, damę z wysoką jakością, która przejmuje inicjatywę w firmach uwodzicielskich i która prawie nie ukrywa swoich seksualnych apetytów, jednocześnie bardzo dbając o swoją reputację. Można ją spotkać w wielu późniejszych komediach Restoration: Lady Touchwood, Lady Plyant i Lady Froth w The Trickster, Lady Cookwood w She would Do It If mogła , Lady Faddle in The Country Wit , Lady Fidget in The Provincial , Lady Gimcrack w The Virtuoso będzie kilka jego wcieleń. Ta kobieca postać Don Juana będzie jednym z obiektów skandalu krytyków kolejnych stuleci. Etherege tworzy komiczny efekt, grając na odwróceniu ról mężczyzny i kobiety w relacji uwodzenia. W akcie II scena 1 tej sztuki przedsiębiorcza i zdeterminowana wdowa Rich, podejrzliwa i nieśmiała, próbuje wprowadzić Sir Fredericka Frollicka do ogrodu:
|
Sir Frederick - Gdzie? Dokąd chcesz mnie zabrać, pani? Jaki masz zamiar? |
Czerpiąc inspirację ze starych pisarzy, takich jak Thomas Middleton , Richard Brome i James Shirley , którzy bezkompromisowo malowali szaleństwa swoich czasów, włączając je w genialne i pomysłowe wątki, nowi dramatopisarze zaczęli znajdować ton nowej komedii Restauracji. Molière , którego kariera rozkwitła w tym samym czasie, również wywarł na nich ogromny wpływ, dostarczając im materiału do intryg i sensu komiksu wywołanego społecznymi aberracjami. Żaden inny dramaturg nie został tak splądrowany przez nowych pisarzy jak on. Kilku historyków lub krytyków, takich jak Joseph Eugène Gillet, Dudley Howe Miles czy Nicoletta Neri, napisało całe książki, próbując zidentyfikować niezliczone zapożyczenia dokonane z Moliera przez autorów Restauracji. Jedyna szkoła mężów ( 1661 ) dostarczyła Flecknoe The Damoiselles à la Mode ( 1668 ), Sedley jego Mulberry Garden ( 1668 ), Wycherley część La Provinciale ( 1675 ), elementy Otway z The Souldier's Fortune ( 1680 ) i Shadwell kilka pomysłów na The Amorous Bigotte ( 1690 ) ”.
Ale publiczność na początku Restauracji nie miała upodobania do dobrze skonstruowanych komedii, o prostej strukturze i wyjątkowej fabule, takiej, jakiej wymagał francuski klasycyzm z zasadą trzech jednostek ; Angielska publiczność domaga się żywych zabaw, z wieloma postaciami, wieloma fabułami i dynamiczną akcją. Etherege potwierdza to za pośrednictwem Courtall w „Zrobiłaby to, gdyby mogła ”: „Pojedyncza historia zakochana jest tak samo nudna, jak pojedyncza historia w teatrze. Pierwsza zdenerwuje kochanka bardziej niż druga publiczność ”. Również wszelkie zapożyczenia z komedii Moliera, Boursaulta czy Dancourta muszą być zmieszane z innymi materiałami, aby zwielokrotnić historie i skomplikować intrygi. „Istotnie, zawsze trzeba było dostosowywać, trzeba powiedzieć naturalizować, teatr francuski, aby był przyjemny dla londyńskiej publiczności: aby urozmaicić intrygi i język, przeorganizować postaci, by je anglicyzować”. W ten sposób La Provincial , zainspirowana L'École des maris i L'École des femmes , przedstawia trzy trójkąty miłosne, z których każdy składa się z dwóch mężczyzn i kobiety: Sir Jaspar-lady Fidget-Horner, Pinchwife-Margery-Horner i wreszcie Sparkish -Alithea-Harcourt, każda rozwija się niezależnie i ma swój własny wynik. Odrobina heroicznego dramatu , potraktowana wierszem, może również towarzyszyć kilku wątkom komiksowym, a dla zadowolenia największej liczby można dodać do całości burleskową pantalonnadę . Z powodu takich nieścisłości, oprócz ropy języka i sytuacjach uznaje niegodny komedia Przywrócenia będzie mało cenione w XVIII th , XIX th i na początku XX th century . Dziś to totalne doświadczenie teatralne po raz kolejny zostaje docenione na scenie, a także przez postmodernistyczną krytykę dramatyczną .
Styl tych wczesnych komediiDwór i sam król mają maniery określane jako libertyńskie lub nawet zdeprawowane i zachęcają do pisania ostrych, cynicznych i niemoralnych komedii, w których złoczyńca niekoniecznie musi zostać ukarany w końcu, podczas gdy jego zepsucie zostało z satysfakcją ujawnione w całej sztuce. i gdzie nieszczęśnicy nie zobaczą, jak ich los się poprawi. Na przykład Horner w La Provinciale nie zostaje zabrany i może kontynuować swoje seksualne drapieżnictwo pośród wyrażających zgodę ofiar, podczas gdy niewinna Margery nie może uciec z nieszczęsnego małżeństwa.
Wielu najbardziej znanych dramaturgów, takich jak Dryden , Sedley , Etherege , Wycherley i Congreve , jest dworzanami lub lordami, jak Buckingham , i są oni zanurzeni w atmosferze seksualnej swobody charakterystycznej dla dworu pierwszych lat. Przywrócenie. Otwierają się z niektórymi kochankami Karola II, które uszlachetnił i zainstalował na dworze, takimi jak Barbara Palmer , mianowana dama dworu królowej, czy Frances Stewart .
Wycherley, Etherege, Henry Killigrew i Villiers są również częścią „ The Merry Gang ”, w skład której nadal wchodzą Henry Jermyn , Charles Sackville , John Sheffield i Sir Charles Sedley . Przez piętnaście lat dali się poznać poprzez eskapady i skandale, nie zawsze bezkarnie. Więc Sedley i Sackville, obaj pijani, muszą zapłacić wysoką grzywnę za popisywanie się nago na balkonie gospody w centrum Londynu przed wściekłym tłumem. Etherege umarłby w Paryżu, upadając, pijany, schodząc po schodach, towarzysząc towarzyszom picia.
„Twarde” komedie Johna Drydena , Williama Wycherleya i George'a Etherege'a , o których mówi się, że są antysentymentalne, oddają atmosferę panującą wówczas na dworze i otwarcie celebrują szowinistyczny styl życia arystokratów, złożony z nieustannych intryg i podbojów. Hrabia Rochester , Libertine , dworzanin i poeta w prawdziwym życiu, jest samozadowoleniem przedstawiana w The Man Mode ( Man modnej ) z Etherege ( 1676 ) w przebraniu Dorimant, arystokratycznej libertyn, dowcipny, inteligentny i seksualnie nieodparty, w " grabie ", wzór dla potomności libertyńskiego uwodziciela Przywrócenia, który jest powracającą postacią w komedii tego czasu. Plain Dealer ( L'Homme franc ) ( 1676 ) przez William Wycherley , wariacja na temat z Moliera Misanthrope , jest powszechnie ceniona za swoją bezkompromisową satyrę, zdobywając Wycherley nazwę „ Plain Dealer ” lub „Manly. Od nazwy głównego bohatera sztuki. Jednocześnie jego sztuka The Country Wife ( La Provinciale ) ( 1675 ) jest jedną z tych, które otrzymują najwięcej obscenicznego epitetu, używanego od czasu do czasu do zakwalifikowania komedii Restauracji.
Niektóre utwory, bardziej odpowiednie z wyglądu, są jednak bardziej wywrotowe, na przykład Careless Lovers ( 1673 ) Edwarda Ravenscrofta . Wydaje się, że dwoje kochanków, Careless i Hillaria, jest na skraju ślubu, ale warunki tradycyjnej „ sceny z klauzulą ” są niezwykłe. Hillaria prosi Careless, aby został ojcem wszystkich jej nienarodzonych dzieci, niezależnie od tego, kto je stworzył. Beztroska oczekuje, że Hillaria będzie opiekunką wszystkich swoich drani i zaprzyjaźniła się ze wszystkimi jej kochankami. Takie zachowanie zagraża prawowitości klasy rządzącej, która usprawiedliwia jej wyższość z urodzenia.
Mimo tonu i bardzo swobodnych sytuacji niewiele spektakli jest naprawdę ocenzurowanych lub wyrzuconych ze sceny, aw tym przypadku najczęściej z powodów politycznych, jak sztuka Edwarda Howarda, brata Roberta Howarda , The Change of Crowns (kwiecień 1667 ), który potępia korupcję sądu i sprzedaż urzędów. Potrzeba skrajnego przypadku, takiego jak Sodoma lub Kwintesencja rozpusty ( 1676 ), przypisywanego hrabiemu Rochester i uważanego za pierwszą sztukę pornograficzną , ze względów moralnych i przyzwoitości, aby uzasadnić zakaz sceniczny.
Przykład: William Wycherley, La Provinciale (1675)Prowincjał ma trzy zazębiające się, ale odrębne intrygi, z których każda rozwija swoją własną atmosferę:
Komedia przeżyła nagły upadek w 1678 roku. Chociaż libertyńska komedia była modna przez prawie piętnaście lat, przeżyła nagłe zaćmienie, kiedy kryzys polityczny nasilił się, na kilka miesięcy przed wielkim strachem przed papistycznym spiskiem . Wiosną 1678 r. Byliśmy świadkami oszałamiającej serii niepowodzeń tego rodzaju spektaklu, ale utwory napisane przez znanych autorów, takie jak The Rambling Justice; lub zazdrosny mąż John Leanerd, jeden z najbardziej agresywnych rodzaju komedii lub Przyjaźń w modzie z Otway , zajmujących porażająco degradacji arystokratycznych kody przyjaźni i małżeńskiej czystości. Następny sezon, 1678/1679, charakteryzuje się prawie brakiem komedii, poza The Feign'd Curtizans ( 1679 ) Aphry Behn , komedii, która patrzy zarówno na przeszłość, jak i przyszłość. Gusta publiczności zmieniają się z komedii na poważny dramat polityczny , odzwierciedlając obawy i podziały wywołane przez papistyczną intrygę (1678) i wywodzącą się z niej ustawę o wykluczeniu (1682).
Libertyńska komedia cierpi z powodu złego wizerunku Karola II w oczach w dużej mierze antypapistowskiej populacji . W 1672 roku ogłosił Deklarację odpustową , która tolerowała katolików i dysydentów religijnych, podczas gdy te czasy były oficjalnie zakazane. Jego brat Jacques przeszedł na katolicyzm iw 1673 roku poślubił katolicką księżniczkę Marie de Modène . Karol II sprzymierzył się z Ludwikiem XIV , królem Francji, katolikiem i absolwentem , by wypowiedzieć niepopularną wojnę z Holandią , krajem protestanckim. Rozpusta dwóch braci jest dobrze znana i na początku Restauracji opinia publiczna znosiła ją, a wszystko to ku radości powrotu monarchii. Prawie dwie dekady później dwaj bracia nadal gromadzą kochanki. Ale jeśli Karol II ma kilku bękartów, w tym pięciu z Barbarą Palmer , nie ma on prawowitych dzieci, a tron może przejść na jego katolickiego brata. Również grabież , nieodparty i cyniczny uwodziciel komedii Restauracji, wcielenie libertyńskiego dworzanina i odbicie monarchy, nie spotyka się już z sympatią publiczności.
Chociaż teatr był do tej pory w dużej mierze apolityczny, kilka wyprodukowanych potem komedii miało tendencję do podkreślania tego tematu, a dramaturg Wig Thomas Shadwell walczył z Johnem Drydenem i Aphrą Behn z partii Torysów . Tym samym sezon 1679/1680 widzi pojawienie się dwóch anty-Whig komediach, politycznych The Revenge przez Behn i na Souldier Fortune przez Thomas Otway , natomiast retorty Shadwella z Czarownice Lancashire , gdzie atrybuty on do kapłana katolickiego usterek że torysi pożyczyć purytanom: osobisty interes, zmienność i elastyczność sumienia.
Kiedy dwa zespoły teatralne połączyły się w 1682 roku i monopol na spektakle opanował londyńską scenę, liczba i różnorodność nowych sztuk dramatycznie spadła. Etherege i Wycherley, dwaj czołowi autorzy pierwszego okresu, mimo niskiej produkcji (trzy sztuki w pierwszym i cztery w drugim), na stałe przestają pisać dla teatru.
W latach 90. XVII wieku , podczas drugiej fali komedii Restoration, „łagodniejsze” komedie (w przeciwieństwie do „twardych” komedii pierwszej fali) Williama Congreve'a i Johna Vanbrugha odzwierciedlały zmianę koncepcji kulturowych i głęboką zmianę w społeczeństwie dwie dekady. Dramaturgowie lat 90. XVII wieku postanowili zaapelować do bardziej zróżnicowanej społecznie publiczności, napływając do niej klas średnich , a także widzów płci żeńskiej, na przykład przenosząc wojnę między płciami z pola spisku na pole małżeńskie. Komedia traci trochę zainteresowania, gdy młodzi kochankowie oszukują starsze pokolenie, aby jakiś czas po ślubie bardziej poświęciły się związkom małżeńskim. „Zamiast kończyć się weselem, fabuła częściej otwiera się ślubem, który właśnie się odbył. Dlatego na pierwszy plan wysuwają się problemy życia małżeńskiego ”.
Pokój ciemny od Thomas Southerne , wymówka złota Cuckolds żony zgłaszających się ( L'wymówka kobiety są same lub Cuckolds ) ( 1691 ) jest nadal bardzo «miękkie», ponieważ pokazuje kobieta niestety żonaty Friendall, A Dandy przyjacielem wszystkich świat, którego głupota i niedyskrecja podważają reputację jego żony, ponieważ ich sława jest połączona. Pani Friendall jest ścigana przez zalotnika, Lovemore, który czyni ją libertynką pozbawioną wszystkich cech, które uczyniły Dorimant czarującym, a przeciętność jej możliwych wyborów uniemożliwia jej działanie i podjęcie decyzji. Cała komedia tej „komedii” tkwi w wątkach pobocznych, próbach uwodzenia i stosunku płciowym, a nie w głównej fabule.
In Love for Love ( Love to Love ) ( 1695 ) i The Way of the World ( The Train World ) ( 1700 ) Williama Congreve , typowe dla komedii lat 70. XVII wieku pojedynki kochanków tracą na znaczeniu. Te przejawy odwagi, będące werbalną wymianą par wciąż testujących wzajemne przyciąganie, zamieniają się w duchowe debaty przedmałżeńskie w przeddzień ślubu, jak w słynnej „scenie warunków” z Train du Monde . Ten szczególny typ sceny („ sceny provisiono ”) byłby, zdaniem Jeana Dulcka, inspirowany „cenną [francuską] literaturą, w której rycerz-sługa narzuca surowe klauzule swojej pani” i zachęcany przez królową Henriette , wielbicielkę L'Astrée . Prowokowana żona ( Żona oburzona ) ( 1697 ) Johna Vanbrugha śladami wymówki żon z Southerne, ale z lekkim akcentem i postaciami bardziej ludzkimi.
Przykład. John Vanbrugh, Oburzona panna młoda (1697)Skandaliczną pannę młodą można uznać za pracę dyplomową . Skoncentrowała się na niższym statusie prawnym zamężnych kobiet oraz na złożoności rozwodu lub separacji, na które zwrócono uwagę w połowie lat dziewięćdziesiątych XVII wieku w kilku słynnych sprawach wniesionych do Izby Lordów .
W sztuce Sir John Brute jest zmęczony małżeństwem. Wraca do domu pijany co noc i jest nieustannie niegrzeczny i obelżywy wobec swojej żony. Jednocześnie kusi ją, by wyruszyć na przygodę z duchową i wierną Stałą. Ani ona, ani sir John nie rozważają obecnie rozwodu. Właśnie powstał rodzaj separacji prawnej, która zapewnia kobiecie alimenty na dziecko , ale przepis ten nie pozwala na ponowne zawarcie małżeństwa. Mimo to Lady Brute rozmyśla w jednej z niezliczonych dyskusji ze swoją siostrzenicą Bellindą: „To piękny czas, kiedy kobieta może mieć zarówno kochanka, jak i alimenty. "
Tymczasem Bellinda jest zrzędliwie zabiegana przez przyjaciela Constanta, Heartfree, który jest zaskoczony i przerażony, gdy okazuje się, że jest zakochany w Bellindzie. Zły przykład brutali jest dla niego ciągłym ostrzeżeniem przed małżeństwem.
The Outrageous Bride to sztuka sprzyjająca dyskusji. Jest mniej zainteresowana scenami miłosnymi, a bardziej wymianą między dwiema kobietami (Lady Brute i Bellinda) a dwiema przyjaciółkami (Constant i Heartfree). Te wywiady, pomimo wielu żartów, które je przerywają, ukazują refleksję przerywaną melancholią i frustracją.
Po ostatnim zwrotem akcji spowodowanym sfałszowanym listem, sztuka kończy się małżeństwem między Heartfree i Bellindą oraz status quo między Brutami. Constant nadal zabiega o względy Lady Brute, która wciąż się waha.
Pod koniec XVII -tego wieku , tolerancja komedii Odrodzenia, nawet w swej formie łagodniejszej, zanika. Opinia publiczna zmierza w kierunku większej powagi i szacunku, nawet szybciej niż autorzy. Przyczyny tej zmiany gustu publicznego są wielorakie i współzależne: zmiany demograficzne , chwalebna rewolucja z 1688 r., Niechęć Williama i Marie do teatru oraz pozwy wniesione przeciwko dramaturgom przez „ Towarzystwo Reformacji Obyczajów”. ”(„ Towarzystwo na rzecz reformy obyczajów ”), założone w 1692 r. Kiedy Jeremy Collier zaatakował Congreve i Vanbrugh w swoim Krótkim spojrzeniu na niemoralność i wulgaryzmy sceny angielskiej ( oczy na niemoralność teatru angielskiego ) w 1698 r. , Potwierdza, że zmiana gustu publicznego została już wcześniej ustalona. Na długo oczekiwanej premierze Le Train du Monde , najnowszej komedii Congreve od pięciu lat, publiczność wykazała jedynie umiarkowany entuzjazm dla tego subtelnego i niemal melancholijnego dzieła. Komedia duchowa i erotyczna ma zostać zastąpiona przez dramat, z wyraźnym sentymentem i wzorową moralnością.
Natarcia jest cynicznym libertyn, częściowo inspirowany postaciami Don Juan de Moliera i Rosimond , kawałków wykonanych po raz pierwszy w 1665 i 1666 r . Ta nazwa to skrót od „ rakehell ”, oznaczający rozpustę, łajdaka lub łajdaka. Grabie należący do wyższej klasy społecznej, zazwyczaj do szlachty i szlachty . Uwodzicielski i samolubny, żyje tylko dla zaspokojenia swojej przyjemności i jest gotowy na wszelkie sztuczki, wszelkie kłamstwa i odważne wszelkie zakazy, aby osiągnąć swoje cele. Wyraźnie stwierdza to Don John w Libertine Shadwella ( 1675 ) , sztuce inspirowanej legendą Don Juana : „Zależy mi tylko na przyjemności. Jest to cel, do którego nieustannie dążę, nie martwiąc się o środki niezbędne do jego osiągnięcia. Nie ma ani dobra, ani zła, tylko to, co prowadzi lub nie do mojej przyjemności. ”. Te postacie nazywane są Dorimant ( L'Homme à la mode ), Wildish ( The Mulberry Garden ), Horner ( La Provinciale ), Ramble ( The Country Wit ), The Duke of Nemours ( The Princess of Cleve by Nathaniel Lee ), Don John ( The Libertine ), dziwnie określani jako Worthy ( The Relapse ), Lovemore ( The Wives 'Excuse ) itp. Wszyscy są niebezpieczni, ponieważ używają i nadużywają konwencji społecznych, wątpiąc, czy są one przydatne dla spójności społeczeństwa i cynicznie się z tego wyłączają. Visconti in Love in the Dark; lub The Man of Business ( 1675 ) Sir Francis Fane zastanawia się:
Dlaczego ludzkość miałaby kierować się prawem i miarą,
skoro wszystkie jej zalety wynikają z przyjemności?
Grabie mogą czasem uzasadnić jego konieczność zaspokojenia osobistych pragnień nieograniczony apetyt na przyjemności, że według Hobbesa , człowiek w stanie natury wiedziałby. Grabie faktycznie odtwarza oryginalne stanie dzikim w salonach i sypialniach cywilizowanego społeczeństwa. Tak potwierdza Ramble w Akcie II The Country Wit ( 1675 ) Johna Crowne'a, grając na polisemii porządku słów: „Porządek natury? Porządek natury polega na podążaniu za moim apetytem. ", Dodając dalej:" Świat jest domem przyjemności zbudowanym przez Naturę, gdzie jego gospodarze, ludzie ducha, są wolni od reguł i ograniczeń. "
Dążenie do libertynizmu grabieży przybiera czasem formę podziwu dla seksualnej wolności zwierząt. Biorąc pod uwagę słowa Hobbesa, grabie zazdrości zwierzętom szczęścia, które polega po prostu na cieszeniu się ich jedzeniem, swobodą i seksualnością na co dzień, nie martwiąc się o następny dzień. Jak „energiczny byk, który wędruje po łące, wybiera samicę ze stada, cieszy się nią i porzuca, jak chce”, Polydore w The Orphan or the Unhappy Marriage ( 1680 ) Otway pragnie rzucić się na Monimię w wirze miłości , aby cieszyć się chwilą, bez pamięci i wierności, bez martwienia się o przeszłość i przyszłość.
Grabie to cykliczne charakterystyczną postać komedii Odzyskania pierwszego okresu (1660 - 1680). Jego sceny uwodzenia, czasem nawet seksualnych igraszek, są pisane, aby rozśmieszyć publiczność, czasem z piskliwym śmiechem, kosztem uwiedzionych naiwnych ofiar lub oszukanych mężów, a także samego uwodziciela, uwikłanego w coraz bardziej złożone sytuacje. Bohater grabieży może być okrutny i cyniczny, jak Dorimant w scenie zerwania z panią Loveit:
|
Pani Loveit : - Pomyśl o swoich przysięgach, ślubach, obietnicach, krzywoprzysięstwie. |
W drugim okresie (1690-1714) grabie nie zniknęła całkowicie, ale jej znaczenie zmalało i traktowano go albo jako zmarginalizowaną jednostkę antyspołeczną, albo w złagodzonej, bardziej ludzkiej i mniej cynicznej postaci. Tak więc w The Recruiting Officer George'a Farquhara ( 1706 ) kapitan Plume jest opisywany kilkakrotnie jako grabież , ale jest przede wszystkim przyjaznym, atrakcyjnym i dowcipnym młodym mężczyzną, który lubi biegać w halce. Jeśli zapładnia młodą dziewczynę, naprawia na swój sposób: rozpoznaje dziecko, a jego sierżant Kite, który stał się poligamiczny przez tę praktykę, poślubia ją. Pod koniec sztuki Plume poddaje się urokowi bohaterki Sylwii.
Czasami spotykamy tego typu postać w tragedii, na przykład w Otway, ale on jest wtedy bardziej selektywny w wyborze swojej ofiary, że prowadzi do rozpaczy.
FOP , zwany także „ Beau ”, jest, w dosłownym tego słowa znaczeniu, a dandysa , to znaczy człowiek, który dba o jego ubrania i jego pojawienie się w przesadny sposób, myśląc w ten sposób być przekazywane do a. człowiek ducha, „ dowcipny ”. Ale trzyma się elegancji ubioru i wyglądu, nie próbując osiągnąć prawdziwej elegancji lub wytworności ducha, która pozostaje celem prawdziwego „ dowcipu ”. Myląca sukienka z dowcipem, nawet z odwagą, Powieściowy, bezczelny i oszczerczy głupiec Franków z Wycherley, potwierdza bohaterowi Manly'emu, nieustraszony kapitan, który niedawno wrócił z morza: „Pozwólcie, że powiem panu, że to przez jego sposób ubieranie się bardziej niż cokolwiek innego, aby człowiek wykazał się dowcipem, oceną, a nawet powiedziałbym, odwagą ”. Słowo „ fop ” wywodzi się według La Revue anglaise de 1860 od francuskiego „tłuszczu”.
Początkowy FOP należy do szlachty , ponieważ musi on posiadać środki wystarczające do zaspokojenia jego sartorial gusta. Zgodnie z tradycją komedii humorystycznej , która ma nazywać bohaterów zgodnie z ich przewagą, imię fopa często przypomina jego dandyzm albo przez trzy litery FOP występujące w jego nazwie (Sir Fopling Flutter of the Man of Mode Etheredge) albo przez jego zainteresowanie Moda (Sir Novelty Moda z Miłości ostatniej zmiany przez Cibber) lub przez jego powierzchownej stronie (Sir Timothy Tawdrey z The Town-FOP przez Aphra Behn ). Jego pozycja społeczna wzrosła jeszcze później, stając się lordem Foppingtonem ( La Relapse ou la Vertu en niebezpieczeństwa Vanbrugha i Beztroski mąż Cibbera ). Archer i Aimwell, „piękności” Farquhara The Beaux 'Stratagem , to dwaj panowie, którzy roztrwonili swoją fortunę i którzy, aby odzyskać siły, szukają bogatych dziedziczek do poślubienia. Na każdym postoju miasta, oni na przemian przejąć rolę eleganckiego i bogatego pana, na FOP , druga, że od kamerdynera.
Sir Fopling Flutter jest tak samo pewien swojej doskonałej jakości, jak pijak jest przekonany o powadze swojego wyglądu; obaj są również całkowicie nieświadomi, że obraz, który przedstawiają, jest dokładnym przeciwieństwem tego, w co wierzą. Kwalifikacja fopa nie jest pochlebna i tak w Le Train du monde Sir Witfull woła swojego przyrodniego brata Witwouda: „Moda to szaleństwo, a ty jesteś„ frajerem ”, mój drogi bracie! ”.
W następnym stuleciu Richard Steele ponownie przyjmie tę postać, tym razem czyniąc ją domową (Tom, sługa Bevil Jr, w The Conscious Lovers ). W duchu swoich poprzednich modeli Tom próbuje naśladować swoich przełożonych lub mistrzów, naśladując ich sposoby mówienia, ubierania się, stania i zachowania. Jego niezdarne lub absurdalne próby mają rozśmieszyć publiczność.
„ Dowcip ” oznacza zarówno dowcip, jak i dowcip. Według TS Eliota udany dowcip musi łączyć zarówno grę słów, jak i grę myślową „ Gra słów na poziomach Słowa i Myśli ” . Zatem gra słów , która gra tylko na słowach, jest fałszywym dowcipem. Dla Johna Locke'a dowcip polega głównie na szybkim i różnorodnym zestawianiu pomysłów, które na pierwszy rzut oka wydają się odmienne lub nieprzystające, w celu wytworzenia przyjemnych obrazów, których piękno jest od razu widoczne, bez konieczności odwoływania się po drugiej myśli.
Jeśli chodzi o ducha, Thomas H. Fujimura klasyfikuje postacie w trzech kategoriach: „ prawdziwy świadek ”, prawdziwie piękny duch, „ bezmyślny ”, głupiec i „ witwoud ”, ten, który chciałby mieć ducha. Ponieważ umysł jest uważany za wskaźnik intelektualnej wyższości, normalne jest, że „ prawdziwym świadkom ” zawsze udaje się osiągnąć swoje cele, szczęśliwe zakończenia Courtall i Gatty ( Ona by to zrobiła, gdyby mogła ) lub Dorimant i Harriet ( Człowiek Mody ) podczas gdy Horner, „ prawdziwie świadomy ” rozwiązły z La Provinciale , nadal bezkarnie uwodził zamężne kobiety. Z drugiej strony „ bezmyślni ”, jak Sir Jasper i Pinchwife w tej samej sztuce, zostaną zdradzeni, a Sparkish, „ witwoud ”, straci swoją narzeczoną.
Kilka przykładów dowcipu :
|
Courtall zostaje złapana na krzywoprzysięstwie przez dwie siostry, Gatty i Arię. Jest narażony na ich szyderstwa. |
|
Pani Millamant : - Nienawidzę listów. Nikt nie wie, jak je napisać, a kiedy je otrzymasz, nie wiesz, co z nimi zrobić. Do włosów używam loków. |
W XVII -tego wieku , otoczony zielenią angielskiego, dziedzic jest zazwyczaj szef wioski. Należący do szlachty , jest właścicielem większości ziemi i mieszka w największym domu we wsi. W komedii Przywrócenia jest przedstawiany jako wiejski dżentelmen mało obeznany ze zwyczajami miasta, o którym niewiele lub wcale. W książce Farquhara The Beaux 'Stratagem ( 1707 ) Bonniface, właściciel zajazdu, podsumowuje Squire Sullen: „To człowiek, który mało mówi, myśli jeszcze mniej i nic nie robi. Ale to człowiek wysokiej rangi, który nikogo nie szanuje. ”. Rustykalny, nieświadomi, rude, stały pijący The Squire to cel idealny z miejskich „ rozum ”, który będzie oszukać go do wielkiej radości widzów. Tam albo straci pieniądze, jak sir Mannerly Shallow, albo jego narzeczona, jak Sparkish zastąpiony przez sympatyczną Harcourt Alitheą, albo czasami zostanie oszukany, jak Pinchwife, która przyjechała jako para do Londynu na ślub swojej siostry.
Znaki te są często znaleziono: Softhead, jak głupi, że jest bogaty w niemych Bożej przez Johna Lacy (drukowane w 1672 ), Jerry Blackacre w L'Homme franka de Wycherley ( 1676 ), Sir Joseph Wittol w The Old Bachelor przez Congreve ( 1693 ), Sir Tunbelly Clumsy w Vanbrugh's La Rechute ou la Vertu en danger ( 1696 ), Sir John Brute w Outrageous Wife Vanbrugha ( 1697 ), Sir Willful Witwoud w Congreve's World Train ( 1700 ), Starszy Clerimont w Beau pokonany przez Mary Pix ( 1700 ).
„ Cit ”, czyli obywatel , jest mieszkańcem Miasta . Należąc ogólnie do klasy kupieckiej i wygodnej finansowo, reprezentuje wartości burżuazyjne, uważane za przestarzałe przez kupców , grabie i cenne. To właśnie wyjaśnia odbicie Sługi Flippanda w akcie I sceny 2 The Confederancy z Vanbrugh : „Nie często zobaczyć naszą młodą damę. Jego ojciec, który jest obywatelem od stóp do głów, rzadko pozwala mu rozmawiać ze swoją teściową i ze mną, bojąc się, że nauczymy go dobrych ludzi. », Albo odpowiedź tej samej Flippandy do swojej kochanki Clarissy:
|
Clarissa : - Wiesz, że jestem niewrażliwa na zazdrość. |
Podczas wojny domowej miasta w przeważającej większości stanęły po stronie parlamentarzystów, którzy brali udział w klęsce obozu rojalistów. W komedii z pierwszego okresu piękne arystokratyczne duchy mszczą się, uwodząc kobiety z miast . Jak Bramble, zwariowany sługa Sir Twilighta, mówi w Leanerd's The Rambling Justice ( 1678 ): miasta uzyskały „dziedziczne prawo”, że bezkarnie i bezkarnie stają się rogaczami, zwracając uwagę na rodzaj uogólnionego prawa cuissage , pozwolił arystokratom ze szkodą dla wszystkich miast .
„ Cit ”, choć nie ma żadnego tytułu szlacheckiego i nie zawsze jest skłonny do rezygnacji ze swoich wartości, aspiruje do tego, by stać się lub co najmniej być uważanym za dżentelmena. To pragnienie awansu społecznego jest bardzo podobne do pragnienia pana Jourdain de Molière . W czasach Steele dążenie do społecznego uznania cit nadal jest realne, jak powiedziała Mireille Ozoux.
Podczas XVIII E i XIX E wieków Frank seksualność komedii Przywrócenia uniemożliwia producentom z teatru inscenizacji go całkowicie. Wolą odzyskać część lub znacznie ją zmodyfikować. Dziś komedia Restauracji po raz kolejny cieszy się uznaniem na scenie. Klasyki, takie jak La Provinciale i L'Homme Frank firmy Wycherley's, L'Homme à la mode firmy Etherege oraz L'Amour pour l'Amour i Le Train du monde firmy Congreve, konkurują nie tylko z La Rechute czy The Virtue in Danger i Oburzeni Bride przez Vanbrugh, ale także z ciemnych i smutnych komediach jak excuse żon przez Thomas Southerne użytkownika . Aphra Behn, niegdyś uważana za niegrywalną, została całkowicie zrehabilitowana dzięki The Rover ( The Skimmer ), który stał się jednym z ulubionych utworów w repertuarze.
Z powodu wstrętu do seksualnych nieprawidłowości komedia Restauracji została nie tylko na długo usunięta ze sceny, ale także krytyka literacka zamknęła ją w swojej szafce z trucizną. Krytycy epoki wiktoriańskiej , tacy jak William Hazlitt , doceniając energię i siłę językową pisarzy „kanonicznych”, Etherege, Wycherley i Congreve, nadal uważają, że konieczne jest złagodzenie ich estetycznej pochwały stanowczym potępieniem moralnym. Thomas Babington Macaulay jest jeszcze surowszy, pisząc o Wycherleyu: „nieprzyzwoitość Wycherleya naprawdę chroni go przed krytyką, ponieważ tchórz jest odporny na myśliwych”. Nie grozi mu żadne niebezpieczeństwo, ponieważ jest zbyt obrzydliwy, by sobie z nim poradzić, a nawet zbyt paskudny, by się do niego zbliżyć. Aphra Behn z kolei otrzymuje jej potępienie bez pochwał, ponieważ jawnie erotyczne komedie są uważane za szczególnie szokujące, gdy są napisane przez kobietę.
Francuskie krytycy XIX XX wieku nie były wyjątkiem. Mówiąc tak o Dance Master ( The Gentleman Dancing Master ) z Wycherley, Larousse napisał w artykule „Master” w swoim encyklopedycznym słowniku: „ Mistrz tańca odzwierciedla dokładnie moralność autora. Można znaleźć tylko cudzołóstwo, pijaństwo, dwulicowość, nikczemne występki, złą wiarę, przemoc. Bezwstyd tamtejszych kobiet jest taki, że współczesna scena, która nie jest czarująca, nie mogła znieść takiej wystawy ”. Brytyjski Revue od 1860 roku, opublikowane w Paryżu, pisze o Aphra Behn „Aphra Behn posiada wszystkie odważny i prowokujący niedbałości, z chełpliwość bezczelną, ten bezwstyd dowcipny o przywrócenie Stuartów”, dodając dwadzieścia stron dalej: „W Mieście Fop , skrajna licencja przeradza się w chamstwo ”.
Na przełomie XIX i XX wieku zaczyna się pojawiać aktywna mniejszość naukowców, wielbicieli komedii Restauracyjnej. Na przykład ważny wydawca Montague Summers zapewnia, że Aphra Behn jest zawsze publikowana. Ale wielu naukowców nadal wykazuje ostrożną rezerwę. W 1948 roku George Sherburne i Donald Bond w swojej czterotomowej Historii literackiej Anglii w ten sposób zakończyli prezentację komedii Restauracji: „Dziś dobrze jest żałować szorstkości sytuacji i dialogów w tych komediach, i próbując uchwycić delikatność i precyzję protokołu społecznego, co sprawia radość każdemu odchyleniu ”.
„Krytycy pozostają zdumiewająco powściągliwi, jeśli chodzi o arcydzieła tego okresu” - napisał Robert D. Hume w 1976 roku. Dopiero w ostatnich dziesięcioleciach to stwierdzenie przestało istnieć. Uzasadnione, ponieważ komedia Restauracji okazała się być zadowalający temat dla uczonych, a „ Prowincjał Wycherleya”, od dawna nazywany najbardziej obscenicznym dziełem literatury angielskiej, stał się swego rodzaju ulubionym tematem wśród naukowców. Uwagę zwracają też „drugorzędni” twórcy komiksów, zwłaszcza pokolenie dramaturgów pojawiające się po Aphrze Behn na przełomie XVIII i XVIII wieku : Delarivier Manley , Mary Pix , Catharine Trotter i Susanna Centlivre . Komedie Restoration, które nigdy nie były przedrukowywane, można teraz szeroko studiować za pośrednictwem Internetu (wyłącznie dla abonentów) w ich pierwszych wydaniach w British Library .
| Chronologia od 1660 do 1687 roku | Chronologia od 1688 do 1715 roku | |||||||
| Lata | Komedie | Autorski | Wydarzenia | Lata | Komedie | Autorski | Wydarzenia | |
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| 1660 | Adwent Karola II | 1688 | ||||||
| 1661 | 1689 | Bury Fair | Shadwell | Nadejście Wilhelma III | ||||
| 1662 | 1690 | Sir Anthony Love | Southerne | |||||
| 1663 | 1691 | Wymówka żon | Southerne | |||||
| 1664 | Komiczna zemsta | Etherege | 1692 | |||||
| 1665 | Wielka plaga Londynu | 1693 | Stary kawaler | Congreve | ||||
| 1666 | Wielki pożar Londynu | 1694 | ||||||
| 1667 | Damoiselles à la Mode | Flecknoe | Nalot na Medway | 1695 | Miłość za miłość | Congreve | ||
| 1668 | Zrobiłaby to, gdyby mogła | Etherege | 1696 | Nawrót | Vanbrugh | |||
| 1669 | 1697 | Oburzona Oblubienica | Vanbrugh | |||||
| 1670 | Miłosna wdowa | Betterton | 1698 | Miłość i butelka | Farquhar | Naszyjnik broszura | ||
| 1671 | Próba | Buckingham | 1699 | Stała Para | Farquhar | |||
| 1672 | Modne małżeństwo | Dryden | 1700 | Pociąg świata | Congreve | |||
| 1673 | Holenderski kochanek | Aphra behn | 1701 | Sir Harry Wildair | Farquhar | |||
| 1674 | Błędny mąż | Anonimowy | 1702 | Pojedynek Beau | Centlivre | Pojawienie Anne I re | ||
| 1675 | Prowincjał | Wycherley | 1703 | |||||
| 1676 | Franków | Wycherley | 1704 | Nieostrożny mąż | Ciber | |||
| 1677 | Skimmer | Aphra behn | 1705 | Stół Basset | Centlivre | |||
| 1678 | Spisek papistowski | 1706 | Oficer rekrutacyjny | Farquhar | ||||
| 1679 | Rachunek za wykluczenie | 1707 | The Beaux 'Stratagem | Farquhar | ||||
| 1680 | Rachunek za wykluczenie | 1708 | ||||||
| 1681 | Roundheads | Aphra behn | Rachunek za wykluczenie | 1709 | Zajęte ciało | Centlivre | ||
| 1682 | 1710 | |||||||
| 1683 | 1711 | |||||||
| 1684 | 1712 | |||||||
| 1685 | Nadejście Jakuba II | 1713 | ||||||
| 1686 | Bunt Monmouth | 1714 | Adwent Jerzego I św | |||||
| 1687 | Bellamira | Sedley | 1715 | |||||
Różne kolory tła podkreślają panowanie różnych władców. Dwa beżowe pionowe paski na latach wyznaczają dwa odrębne okresy komedii Restauracji.
Ta sekcja zawiera listę najważniejszych krytycznych opracowań dotyczących komedii Restauracji.