Rynek sztuki to zbiór transakcji dotyczących obiektów sztuki i dzieł sztuki , dokonywanych pomiędzy różnymi podmiotami handlu sztuką, takimi jak artyści , handlarze i antykwariaty , galerie lub maklerzy , kolekcjonerzy i amatorzy.
Pojawiła się na początku XVI E wieku, handel ten nie przestanie się rozwija, jest ona podzielona na segmenty według ustawodawstwa kraju, i za pomocą różnych konwencjonalnych kategoriach lecz postępuj chronologię historii przedstawień artystycznych i ludzkich produkcjach.
Globalny rynek waży obecnie pod względem znanych wolumenów transakcji ponad 50 miliardów dolarów .
Określenie „rynek sztuki” obejmuje różne i sprzeczne rzeczywistości, ponieważ przedmioty i dzieła sztuki są sprzedawane albo poprzez galerie (transakcja pozagiełdowa ), rynek prywatny, którego obroty nie są dokładnie znane, albo poprzez aukcje, których liczby i wyniki są znane.
Globalnie wolumen znanych transakcji szacowany jest przez targi w Bazylei i bank UBS na blisko 51,3 mld euro w 2018 roku . 14 000 domów aukcyjnych notowanych na świecie osiąga obroty w wysokości 28,5 miliarda dolarów, z których pięć osiąga 50% tej wartości, przy czym pierwsze dwa domy to Sotheby's i Christie's . Obroty galerii i marszandów szacowane są na 33,7 mld .
W latach 1997-2017 globalne obroty na rynku sztuki wzrosły o 456%: ten bardzo silny wzrost wynika głównie z pojawienia się nowych graczy geograficznych, takich jak Chiny. Według Thierry'ego Ehrmanna liczba krajów aktywnych na rynku sztuki wzrosła w tym okresie z 34 do 59.
Rynek światowy podzielony jest na kategorie, które obejmują różne realia sztuki i w zależności od kontekstu są bardzo zróżnicowane. Obecnie rynek jest w dużej mierze zdominowany przez anglosaską wiedzę ekspercką, z historycznych względów finansowych, od 1945 roku. Jednak z korzyścią dla nowych graczy, takich jak kupcy chińscy, indyjscy, bliskowschodni i rosyjscy, kategorie ewoluują, podobnie jak historia sztuka nie jest utrwalona w reprezentacji skoncentrowanej na kulturze, pojawiają się nisze, które wymagają zarówno lokalnej, jak i lepszej wiedzy.
Pierwszym kryterium jest randkowanie. Podział wielkich epok konwencjonalnie po chronologii nałożone przez Zachód: Poszukiwanie antyków, sztuki średniowiecznej, klasyczne sztuki , sztuki nowoczesnej ( secesja , art deco ...) sztuka współczesna . Odzwierciedla to również w nurtach artystycznych, dla bardziej historyzującego podejścia, wymienione okresy tworzenia i sprzedaży: prymitywizm flamandzki , sztuka klasyczna od 1600 do 1840, akademizm, współczesność od 1840 do 1940 (ale Brytyjczycy uważają rok 1900 za termin modernizm), strażacy, impresjonizm , powojenny (po 1945 r.), współczesny, ten ostatni ewoluuje w miarę upływu czasu w reklasyfikacje lub bardziej precyzyjną kategoryzację. Wpływ polityczny odgrywa główną rolę: jest przed i po wielkich rewolucyjnych okresach lub wojnach.
Drugi to pochodzenie według sektora geograficznego, ponieważ z jednej strony ewolucja historii sztuki nie ogranicza się do Zachodu, a z drugiej strony przepisy podatkowe, definicje dzieła sztuki, prawa różnią się w zależności od kraju do kraju. Znajdujemy więc takie sektory, jak sztuka prymitywna lub prymitywna (Afryka, Ameryki prekolumbijskie , Oceania itp.), sztuka chińska, sztuka japońska, sztuka islamu itp.
Ale rynek jest również podzielony lokalnie: w kraju, na przykład we Francji, rynki regionalne istnieją wokół dużych miast regionalnych ( Lyon , Tuluza itp.) lub w Stanach Zjednoczonych, w innym stanie itp. Znajdziemy na rynku ogromna sztuka obiektów podziałów, bardzo konkretne kategorie, jak „automaty i zegarki produkowane w Jurze w XVI th century”, że „książki drukowanej przed 1500 w Wenecji,” lub „wybite monety w warsztacie w sercu doliny w Czechach przed 1600 ”, itp.
W zależności od kraju, niektóre obiekty mają określony system podatkowy. Sprzedaż niektórych dzieł może być zabroniona, ponieważ są one uznawane za skarb narodowy o dużym znaczeniu dla dziedzictwa kulturowego. W takim przypadku władze publiczne mogą skorzystać z prawa pierwokupu .
Ponadto, zdaniem Raymonde Moulin, analiza wyników sprzedaży publicznej „wymaga subtelnej znajomości rynku zarezerwowanej dla stałych bywalców, by nie powiedzieć dla wtajemniczonych”.
W skali globalnej zidentyfikowano następujących graczy na rynku sztuki:
W 2018 roku Stany Zjednoczone posiadają 35% rynku, Chiny 31%.
Według miastWedług raportu opublikowanego przez Artprice z 2017 r. dotyczącego samego tylko sektora sztuki współczesnej, Nowy Jork stanowi 43% sprzedaży w porównaniu z 22% dla Londynu , 10% dla Hongkongu i 8% dla Pekinu .
W 2017 roku w przypadku sprzedaży dzieł sztuki klasycznej Nowy Jork stanowił 31%, Londyn 19%, Hongkong 7%, a Pekin 16%.
Upadek paryskiego placuMiejsce Paryża stanowiło w 1950 r. 80% światowego rynku sztuki, w 1990 r. nadal stanowiło 40%, następnie w 2010 r. mniej niż 5%, a w 2016 r. spadł do 3%. Aby dać rząd wielkości, w 1999 r. na samym placu paryskim historyk Raymonde Moulin oszacował rynek aukcji i sprzedaży prywatnej na około 3 miliardy euro.
W 2013 roku raport francuskiego Ministerstwa Kultury oszacował wkład ekonomiczny handlarzy dziełami sztuki (sprzedaż prywatna i publiczna) na 2,7 miliarda euro w sektorze podlegającym delokalizacji. W 2015 roku francuskie obroty ze sprzedaży publicznej spadły do mniej niż 500 milionów euro. Załamanie to tłumaczy się głównie globalizacją rynku, która dotyczy wszystkich form sztuki, z ponownym pojawieniem się na przełomie lat 90. aktorów, którzy zeszli ze sceny – np. Chiny, a to od 1939 r. – czyli afirmacja Place de Londres - który rozpoczął deregulację od 1978 roku - obroty Place de Paris stale rosły od pięćdziesięciu lat.
Oto 10 najlepszych domów aukcyjnych sztuki uszeregowanych według przychodów w miliardach dolarów amerykańskich (2017):
| Ranga | Społeczeństwo | Obrót 2017 |
|---|---|---|
| 1 | Christie | 4.45 |
| 2 | Sotheby's | 3.38 |
| 3 | Aukcja poli | 1,03 |
| 4 | Chiński Strażnik (pl) | 0,82 |
| 5 | Phillips | 0,47 |
| 6 | Międzynarodowe Aukcje Rady | 0,42 |
| 7 | Aukcja Rombon Pekin | 0,24 |
| 8 | Aukcja Xiling Yinshe | 0,18 |
| 9 | Bonhams | 0,16 |
| 10 | Międzynarodowa aukcja Guangzhou Holly | 0,13 |
W ciągu ostatnich trzydziestu lat w różnych badaniach starano się wykazać opłacalność rynku sztuki. W zależności od wybranych konfiguracji rentowność byłaby niższa niż rentowność akcji (przy rentowności poniżej 1%), inne badania pokazują coś przeciwnego z około 6 do 7%. Podczas pękania baniek spekulacyjnych powstał biegun przyciągania sztuki jako wartości ostoi dziedzictwa.
Indeksy takie jak Art Sale Index generalnie wykluczają ze swoich obliczeń wyniki sprzedaży poniżej dwóch tysięcy euro.
W raporcie francuskiego Senatu poświęconym rynkowi sztuki pod przewodnictwem senatora Yanna Gaillarda dotyczącym spekulacji dziełami sztuki w latach 80. i 90. analizuje się „mityczne” warunki wysokich cen rynkowych. media, które opierają się na „wyborze najsłynniejszych malarzy świata, z którego intuicyjnie rozumiemy, że polega on jedynie na zatrzymaniu w celu obliczenia zwrotu z zakładu na gonitwy, który konie postawiły w momencie przyjazdu”. Podkreśla również niedocenianą rolę kupców i pośredników. „Inwestowanie w dzieła sztuki to loteria, której opłacalności nie da się zaspokoić, biorąc pod uwagę tylko zwycięskie losy: przytoczmy przypadek pracy Davida Hockneya kupionego za 200 dolarów w 1961 roku i sprzedanego. 2,5 miliona dolarów w 1995 roku, ma niewiele większe znaczenie niż przywołanie przypadku gracza, który wygrał trifectę; należy wziąć pod uwagę wszystkie wydatki poniesione przez zwycięzcę - koszt wszystkich biletów zakupionych przez wszystkich graczy ”.
W 2014 roku sprzedaż na aukcjach dzieł sztuki wzrosła o 26% rok do roku do 15,2 miliarda dolarów, w tym 1679 aukcji przekroczyło milion dolarów. Według Artprice rynek ten w 2015 roku oferuje roczne zwroty od + 10 do 15% dla dzieł sztuki powyżej 100 000 USD.
Krytycy donoszą o nadużyciach i podejrzewają, że jest to sprzedaż fikcyjna lub montowana w celu zniekształcenia cytatów, praktyk zabronionych lub tolerowanych przez Stany Zjednoczone, a także nieopłacania co trzeciego dzieła, np. w Chinach.
W pierwszej połowie 2016 r. rynek sztuki utknął w martwym punkcie, a obserwatorzy zauważyli, że podaż nie zaspokaja już popytu.
Rok 2018 to rok wzrostu dla większości głównych miejsc sprzedaży z wyjątkiem Francji i Chin . Dokonano 539 tys. sprzedaży (rekord od zakończenia II wojny światowej ) o wartości ponad 15,5 mld USD. Stany Zjednoczone, Chiny i Wielka Brytania skoncentrowały w tym roku 85% rynku.
We Francji w 2019 roku Sotheby's przejęła wczerwiec 2019autorstwa Patricka Drahi , dominuje na francuskim rynku od 2018 roku z obrotem 354,4 miliona euro, który wzrósł o 41% dzięki kolekcji Claude i François-Xavier Lalanne, która pozwoliła mu wyprzedzić Christie's . Drouot , ze swoimi sześćdziesięcioma domami aukcyjnymi, wykazuje spadek w porównaniu z 2018 r. o 371 mln euro, spadek spowodowany bankructwem dwóch jego udziałowców. Kolekcja François Pinault wzrosła o 9,5% z bilansem 256,7 mln euro. Dom Arkturial jest na trzecim miejscu z 203,1 mln euro. Po pewnym dystansie Aguttes z 66 mln euro, Millon z 47,5 mln euro, Tajan z 40,8 mln euro i Piasa z 31,5 mln euro.
Najdroższe starożytne dzieło roku, La Dérision du Christ autorstwa Cimabue, sprzedane dalej27 października 2019 r.Actéon na kwotę 24 mln euro. Sklasyfikowany jako skarb narodowy, wejdzie do kolekcji Alany nabywcy Álvaro Saieha w Newark (Delaware) tylko wtedy, gdy Luwr nie będzie w stanie zebrać funduszy pozwalających mu na pierwokupu w ciągu trzydziestu miesięcy. Dom aukcyjny Courtot de Dijon zakończył30 listopada 2019 r.6 mln euro sprzedaży Madonna z Dzieciątkiem w tronie od mistrza Hohenfurth przyznany Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku . Gabinet Éric Turquin dokonał oceny tych dwóch dzieł, a także sprzedanego dzieła Caravaggia de Toulouse25 czerwca 2019 r.do J. Tomilson Hill i wywiezione do Nowego Jorku pod koniec okresu zakazu opuszczania terytorium kraju.
Inne rekordy zostały dokonane w 2019 roku, jak na przykład sprzedaż obrazu Pierre'a Soulagesa przez Maison Trajan za kwotę 9,6 mln euro, ponad 400 000 euro osiągnięte przez Christie's w 2018 roku, sprzedaż w Christie's obrazu Nicolasa de Staëla za ponad 20 mln euro lub dzieło Sama Szafrana za 876 500 euro w Sotheby's.
We Francji dzieła sztuki są uważane przez kodeks cywilny za meble , w odróżnieniu od „mebli”, których jedynym przeznaczeniem jest umeblowanie mieszkania (krzesło, stół itp.) jako przedmioty kolekcjonerskie. W prawie francuskim określane są jako dzieła sztuki: dywany i gobeliny, wykonane z tektury artysty i przez niego sprawdzone, obrazy, obrazy i rysunki wykonane w całości ręcznie przez artystę, oryginalne ryciny i druki, oryginalne posągi i rzeźby wykonane przez artystę. ręka artysty, ceramika i emalie na miedzi sygnowane ręką artysty, fotografie ograniczone do mniej niż trzydziestu egzemplarzy, instalacje i prace cyfrowe do dwunastu egzemplarzy. Przedmioty kolekcjonerskie, takie jak książki kolekcjonerskie, pojazdy kolekcjonerskie, meble, przedmioty dekoracyjne (jeśli mają ponad sto lat), podlegają podobnemu reżimowi, ale ich podatek VAT może być inny.
We Francji sztuka nie jest uważana za zwykłą „wartość inwestycyjną”, ale zgodnie z prawem Sapin , należy do „pośrednictwa w dobrach różnych”.
Rynek opiera się na identyfikacji dzieł i artystów, ekspertyzie i stanie prac. Faktura jest autentyczna. Artysta dokonujący sprzedaży bez pośrednika musi również przedstawić fakturę. Wartość certyfikatów autentyczności jest niepewna, ponieważ ekspertyza nie jest regulowana.
W uzasadnionych katalogi lub uzasadnione książki są zapasy dziełach artysty napisana przez specjalistę lub eksperta . Dlatego są poszukiwanymi narzędziami do identyfikacji. Z prawnego punktu widzenia są one jednak traktowane jako dzieło rozumu, w związku z czym uzasadnione katalogi nie mają żadnej wartości prawnej, gdyż podlegają całkowitej wolności wypowiedzi i opinii ich autorów.
Profesjonalny Komitet Galerii Sztuki (CPGA) publikuje kodeks etyczny określający stosowane praktyki zawodowe i odnoszący się do ustawodawstwa, orzecznictwa i przepisów.
Narodowy Związek Zawodowy Galerii Sztuki Starożytności, Używanej, Nowoczesnej i Współczesnej (SNCAO-GA) wydaje znak Francja-Europe Antiquités Qualité i jest zarejestrowany w Narodowym Instytucie Własności Przemysłowej (INPI) i Światowej Organizacji Własności Intelektualnej (WIPO). ) w Genewie . Pozwoliło to oznaczyć 52 wydarzenia w Europie .
We Francji zawody antykwariuszy i antykwariatów są wolnymi zawodami deklarowanymi władzom prefektury, a tytuł eksperta w dziedzinie sztuki nie jest regulowany. Nie należy go mylić z ekspertem prawnym od dzieł sztuki przed sądami apelacyjnymi.
We Francji, prawo n ° 2000-642 z dnia10 lipca 2000 r.zlikwidował monopol licytatorów i zliberalizował do pewnego stopnia rynek aukcji publicznych . Mówi się, że ceny młotkowe ogłaszane przez licytatorów na sali są „bez opłat”. Dodaj koszty rozstrzygnięcia (podatki i opłaty), aby znaleźć cenę zapłaconą przez kupującego i odejmij podatki i opłaty, aby znaleźć zysk sprzedającego. Dodatkowo do opłat licytatora wnoszonych przez sprzedającego i kupującego (ok. 10% prowizji dla sprzedającego, 28% dla kupującego) można również doliczyć prawo odsprzedaży w wysokości 4% lub 5,5% podatek importowy, jeśli praca została przywieziona do sprzedaży we Francji przez sprzedającego. Opłaty podlegają opodatkowaniu podatkiem VAT (20,6%) a sprzedaż opodatkowana jest podatkiem od zysków kapitałowych, zryczałtowanym podatkiem w wysokości 5% dla sprzedającego. Dodatkowo, jeśli sprzedaż nie osiągnie ceny minimalnej, sprzedający będzie musiał zapłacić 3% osiągniętej ceny licytatorowi, klauzula ta nazywana jest „odkupieniem”. Również niektórzy licytatorzy oferują sprzedającemu gwarancję wyceny (a tym samym sprzedaży) dodatkowo w wysokości 1,5% ceny aukcji. W rzeczywistości sprzedający otrzymuje około 2/3 ceny aukcyjnej „bez kosztów”, kupujący płaci 28% do ceny aukcji „bez kosztów”, aukcjoner otrzymuje około jednej trzeciej ceny „bez kosztów” wszystkie podatki stanowią około 11% ceny aukcji „z kosztami”.
Firmy mogą nabywać dzieła od żyjących artystów, których wartość zakupu podlega odliczeniu od ich dochodu podlegającego opodatkowaniu, jeżeli dzieła są dostępne dla ich pracowników i ich klientów w granicach 5 ⁰/ oo obrotu.
Francuski rynek sztuki korzysta ze specjalnego opodatkowania: nabyte dzieła sztuki nie są na przykład objęte podstawą opodatkowania ISF w 2017 r.
Sprzedaż dzieł sztuki podlega władzy krzyżowej Ministerstwa Kultury, Finansów i Ceł: wywóz dzieł może być zakazany przez automatyczną klasyfikację, Kodeks Dziedzictwa . Cenia , co z kolei pozwala na dziedzica podatków płatnej nieruchomości lub płacić prawo pañstwa pierwokupu.
We Francji w 2010 r. średnia cena aukcji wynosiła około stu euro, podczas gdy aukcja z wyższej półki mieściła się w średnim przedziale od jedenastu tysięcy euro do 33 500 euro.
Konwencja językowa stosowana do opisu dzieł odróżniających te o określonym pochodzeniu od tych uznawanych za niepewne.
GwarancjaZgodnie z art 1 st dekretu3 marca 1981, sprzedawcy w publicznej lub prywatnej sprzedaży dzieł sztuki muszą wystawić fakturę, paragon lub zaświadczenie określające charakter dzieła sztuki zgodnie z terminologią.
Rozróżnienie pomiędzy rzeźbą z „oryginalnego brązu” a rzeźbą z „brązu artystycznego” można znaleźć w artykule Bronze d'art (przepisy francuskie).
W 2017 r. 10 największych operatorów w sektorze „sztuki i przedmiotów kolekcjonerskich” odnotowało wolumen aukcji w wysokości 477,4 mln euro, co stanowi wzrost o 9% w stosunku do roku finansowego 2017-2018. Wolumen aukcji to suma przychodów z aukcji (PA). Według danych Dobrowolnej Rady Sprzedaży (2017) aukcje „sztuki i przedmiotów kolekcjonerskich” stanowią prawie 15% całkowitego wolumenu aukcji we Francji, których łączny wolumen wynosi 3,089 mld.
| Ranga | Społeczeństwo | PA 2016 | PA 2017 | Postęp |
|---|---|---|---|---|
| 1 | Sotheby's | 96 | 127 | + 32,3% |
| 2 | Artcurial | 93,1 | 118 | + 26,7% |
| 3 | Christie | 136,6 | 99,7 | - 27% |
| 4 | Aguttes | 26 | 45,1 | + 79,6% |
| 5 | Pierre Bergé i współpracownicy | 21 | 26,6 | + 21% |
| 6 | Ader-Nordmann | 25 | ||
| 7 | Millon | 20,3 | 23,4 | + 15,3% |
| 8 | Tajan | 20,4 | 19,8 | - 2,9% |
| 9 | Cornette de Saint-Cyr | 12 | 17,5 | + 45,8% |
| 10 | Piasa | 17 | 15,3 | - 10% |
| 11 | Osenat | 13,7 | 13,7 | |
| HC | Drouot | 202,7 | 195,3 | - 3,7% |
Towary zrabowane podczas II wojny światowej są zakazane w sprzedaży międzynarodowej i muszą zostać zwrócone ich właścicielom lub beneficjentom.
Również w ramach „Konwencji o ochronie dóbr kultury na wypadek konfliktu zbrojnego” z 1954 r. W 2015 r. w ramach walki z finansowaniem terroryzmu Rada Bezpieczeństwa ONZ przyjęła rezolucję 2199 zakazującą handlu towarami „nielegalnie usunięty z Iraku od6 sierpnia 1990 i Syrii od 15 marca 2011 », a Komisja Europejska od lipca 2017 roku chce narzucić nowy system licencjonowania .
Dzieła sztuki nie mogą „swobodnie krążyć” w przestrzeni europejskiej i nie mogą być eksportowane bez zezwolenia celnego i Ministerstwa Kultury. Przedmioty skradzione – i zgłoszone jako takie – w bazach danych, takich jak Centralne Biuro ds. Zwalczania Handlu Dóbrami Kultury , również są zakazane w sprzedaży.
Ukrywanie skradzionych dzieł sztuki odbywa się bez ograniczeń czasowych, ponieważ prawo 30 listopada 1987 r..
Przedmioty sztuki wykonane z zagrożonych zwierząt zgodnie z Konwencją Waszyngtońską z 1973 r. znaną jako CITES (Konwencja o Międzynarodowym Handlu Gatunkami Zagrożonymi Wyginięciem) są również zakazane w sprzedaży i transporcie .
Od stycznia 2020 r. Unia Europejska stosuje przepisy AMLD5. W państwach członkowskich mają one na celu zwalczanie praktyk prania pieniędzy na korzyść terroryzmu. Rynek dzieł sztuki jest jednym z sektorów objętych tymi przepisami, z obowiązkiem jasności i przejrzystości w odniesieniu do tożsamości kupujących, sprzedających i różnych uczestników transakcji.
Aby móc zachować dzieła i przedmioty kolekcjonerskie bez konieczności ich zgłaszania (organom podatkowym, celnym), a tym samym uniknąć płacenia podatków importowych, VAT itp. za każdą transakcję lub ruch, niektórzy główni kolekcjonerzy korzystają z „wolnych portów ” , takich jak Genewa , Luksemburg czy Singapur . Mówi się, że w wolnym porcie w Genewie przechowywanych jest prawie milion dzieł sztuki.
W 2015 roku w wolnym porcie w Genewie (stworzonym 125 lat temu) wybuchł skandal między rosyjskim kolekcjonerem a właścicielem wolnego portu pełniącym funkcję spedytora, dotyczący sprzedaży dzieł, w tym dzieła Léonarda de Vinci , Salvatora. Mundi , jeden autorstwa Modiglianiego ( Akt na niebieskiej poduszce ) i Rothko.
UK jest krajem, który zwyczajowo nie posiada kodu handlowego regulujących aukcje publiczne, więc definicja dzieła sztuki jest prostsza.
Aukcja jest umową prawa zwyczajowego zawartą między kupującym, prowadzącym aukcje (prowadzącym aukcje) i sprzedającym na temat jakości sprzedanego przedmiotu.
Licytatorzy są podzieleni na dwa związki zawodowe. Zawód jest wolny bez specjalnego przeszkolenia. Opłaty prowizyjne są równoważne, od 10 do 20%. Ponadto dziesięcioletnia gwarancja nie istnieje, jakość przedmiotu musi zostać zakwestionowana przy odbiorze przedmiotu. Jednak Christie's lub Sotheby's oferują pięcioletnią gwarancję, jeśli przedmiot jest fałszywy. Ponadto sprzedający zostanie opodatkowany od różnicy między 6.000 GBP a ceną sprzedaży w skali 10%, 20% lub 40%. Od1 st styczeń 2010, artyści mieszkający w Anglii korzystają z „droit de suite”.
Ponadto domy aukcyjne w Stanach Zjednoczonych i Anglii mogą zagwarantować sprzedającemu ceny sprzedaży, a kupującemu opłacalność zakupu na okres x lat, pożyczyć lub zorganizować pożyczkę strony ceny zakupu, gwarantując tym samym dokonanej inwestycji. Firmy prowadzące licytację mogą w ten sposób prowadzić działalność bankową. Mogą być również notowane na giełdzie.
W Stanach Zjednoczonych muzea mogą sprzedawać lub odsprzedawać wszystkie lub część swoich kolekcji, aby wspierać swoje muzea. Jedynie dzieła uznane za „niezbywalne” przez muzea narodowe nie nadają się do sprzedaży i są rzadkie. Posunięcie prowadzącego aukcję i aukcja optymalizuje następnie przepływy finansowe tworzone zarówno dla sprzedającego, jak i kupującego, ponieważ w tym przypadku kupno i sprzedaż są odroczone od podatku.
W Stanach Zjednoczonych definicję dzieła sztuki ustanowiono w 1928 r. w procesie wygranym przez rzeźbiarza Brancusiego przeciwko amerykańskim zwyczajom, które chciały mocno opodatkować jego stalową rzeźbę Ptaka jako wytworzony przedmiot i odmówił postrzegania jej jako sztuki.
Gwarancja strony trzeciej i finansjalizacjaSpecyfika sprzedaży w Nowym Jorku, tak zwana gwarancja ceny „strony trzeciej” stanowi, że albo strona trzecia ustala minimalną, stałą i znaną cenę przed sprzedażą, albo że przed podpisaniem sprzedaży tajna i nieujawniona umowa między licytatorem a stronie trzeciej poprzez nieodwołalne zamówienie zakupu, wiążącą sprzedaż po danej cenie powyżej niskiego oszacowania. Ta osoba trzecia może następnie uczestniczyć anonimowo w aukcji poza gwarantowaną ceną i korzystać z wszelkich prowizji wstecznych. Uzyskana cena nie odzwierciedla już adekwatności między podażą a popytem, ale ustanowienie kontraktu finansowego na daną wartość. Opłaty kupującego są wtedy bardzo różne w zależności od tego, czy kupujący jest gwarantem, czy innym oferentem. Rada Dobrowolnej Sprzedaży (Francja) podkreśla, że „finansjalizacja produktów z najwyższej półki prawdopodobnie podważy przejrzystość cen” . Dzięki tym zobowiązaniom handlowym cena niektórych dzieł sztuki współczesnej wzrasta mechanicznie od 53 233 do 47 milionów dolarów, ale w rzeczywistości stanowi to tylko 5% aukcji sztuki współczesnej z lat 2017-2018, z których 95% ma niższy wynik na poziomie $ 53 233.
W lipiec 2015, niemiecki rząd proponuje „ograniczyć” rynek sztuki zakazem wyjazdu z kraju (pod pewnymi warunkami) dla dzieł powyżej 50 roku życia lub o wartości powyżej 150 tys. euro. Ta propozycja wywołała skandal, malarze Georg Baselitz i Gerhard Richter wycofali swoje obrazy do depozytu w niemieckich muzeach i zadeklarowali chęć wyjazdu. Wlipiec 2016uchwala się ustawę o dziedzictwie ze zmianami. Ustala „progi dla eksportu dzieł sztuki do Europy i uzależnia wywóz dóbr kultury od uzyskania paszportu. Dlatego obiekt archeologiczny może być sprzedany tylko wtedy, gdy towarzyszy mu świadectwo wywozowe z kraju pochodzenia” , oprócz paszportu niemieckiego. Chociaż odbyła się demonstracja4 lipca 2016 z ponad 48 000 osób broniących prawa do prywatnej kolekcji, przyjęto ustawę z zakazem opuszczania kraju dla wszystkich dzieł powyżej 75 lat i dla wszystkich powyżej 300 000 euro.
Podwyższono „VAT” na dzieła sztuki do 19%, a podatek socjalny płacony przez kupców na ubezpieczenie społeczne artystów od 2014 roku wynosi 5,2%.
Fotografia nie jest uważana za dzieło sztuki dla prawa szwajcarskiego.
Duża część obecnego obrotu na rynku rosyjskim odbywa się w gotówce. Istnieje duża liczba podmiotów, które odmawiają zawierania umów prawnych. Wydaje się, że nikt nie ufał, że państwo przechowuje dane osobowe, aby nie zostały ponownie wykorzystane do podejrzanych celów. Katalogowanie zbiorów publicznych jest wciąż niekompletne. Nawet jeśli nastąpi wzrost poziomu wiedzy niektórych graczy, rynek rosyjski pozostaje podatny na oszustwa.
W XV th century, humanizm , prawdziwy ideał, wygrał elita, a następnie rozpraszane i pojęcia gustu, ciekawość, i lepszego zrozumienia minionych epok kształtować umysły koneserów i miłośników: jesteśmy świadkami takich na polowanie na dawnych obiektach , a terytorium tego ruchu stają się Włochy; zapotrzebowanie jest takie, że kopie mnożą się, odsprzedawane jako oryginały. Przechodzimy od pojęcia „skarb” (na przykład zinwentaryzowanego Karola V ) do pojęcia kolekcji. Gabinet osobliwości , studiolo , prywatne przestrzenie wypełnione przedmiotami, stają się wizytówkami, odwiedzanymi przez uprzywilejowane osoby, które będą świadkami nagromadzonego tu i ówdzie bogactwa. Podczas drugiej połowie XV -go wieku, zarówno we Włoszech i Flandrii, punktem zwrotnym występuje, gdy tabele, którzy są podniesione do godności kolekcje. Rola ksiąg i rycin repertuarowych stanie się wówczas fundamentalna: umożliwiają one odtworzenie i rozpowszechnienie poprzez opis i obraz tego, co pozostaje zamknięte. Gwałtowne wydarzenia polityczne, takie jak splądrowanie Rzymu przez wojska Karola V w 1527 roku, które miały miejsce podczas wojen we Włoszech , spowodowały ruch dzieł sztuki z południa na północ. Ponadto złoto hiszpańskich podbojów spowodowało napływ płynności w Europie, co pozwoliło między innymi na nabywanie dzieł sztuki.
Pojawiający się w okresie renesansu rynek sztuki od dawna był rynkiem podzielonym między miasta Europy Północnej, Antwerpię i Brugię oraz miasta południa, Florencję i Wenecję , gdzie dominuje model związany z porządkiem: kościelny lub książęcy. Wielkie kolekcje są wówczas dziełem książąt lub biskupów w Mantui , Rzymie , Paryżu czy Londynie . Na przykład w latach 1580-1680 sprzedano od 4,5 do 5,3 miliona dzieł sztuki w Holandii, gdzie duża burżuazja kupiecka wyłoniła się chętna do kolekcjonowania w celu ukazania swojej symbolicznej siły: ten rozmach generuje silną konkurencję, modę, a zatem zwiększone zapotrzebowanie na przedmioty.
W XVII th century pojawiają domy aukcyjne, które pozwalają handlowcom pozbycia się ich niesprzedanych i było w Londynie, że aukcje są regulowane po raz pierwszy. Największe prywatne kolekcje tego czasu, np tych Karola I st Anglii , Mazarin , w Gonzaga lub Everhard Jabach , rozerwanie. Takie ruchy pozostawiają ślady na ówczesnych transakcjach, modyfikują wielkość oferty, budzą ciekawość, budzą powołania. Niektórzy kolekcjonerzy, zwłaszcza we Flandrii, zlecają malarzom przedstawienie ich „gabinetu artystycznego”, pokoju o ścianach pokrytych płótnami i wypełnionego rzeźbami, świadectwo, które teraz pozwala badaczom ocenić jakość, objętość i pochodzenie niektórych obrazów i obiektów .
W XVIII -tego wieku, urodzony w sprzedaży domów nadal aktywny aukcję jako Dorotheum , założona w Wiedniu w 1707 roku, Sotheby , założona w Londynie w 1744 roku, a Christie w 1766 roku Po ukazaniu sprzedaży Londynie, krupier Edme-Francois Gersaint wprowadzony praktyka aukcji w Paryżu. W swoim Salonie z 1767 r. Denis Diderot nie ubolewa nad miażdżącym monopolem państwowym reprezentowanym przez odbywającą się co dwa lata Oficjalną Wystawę w Paryżu, chwali walory takiego systemu w imię przyszłego położenia obrazu. spadkobiercy. Kontynuuje swoją analizę pokazując, że Salon jest dla nabywcy gwarancją, artystą dążącym do produkowania jak najlepiej, a wystawa działa jak filtr. Było to na krótko przed pojawieniem się pierwszych krytyków sztuki, a kłótnie między ekspertami toczyły się o broszury. Od tego czasu byliśmy również zaskoczeni powodem takiej ceny, ewolucją kursów, ucieczką na niektórych stołach. Rozmaici aktorzy rynku sztuki, jakie znamy dzisiaj, tworzą się. Diderot też pozostało ze swoim przyjacielem Melchior Grimm , w centrum jednej z największych ofert w XVIII -tego wieku: nabycie przez Katarzynę II Rosji w kolekcji Crozat (1771) do Ermitażu .
Christie's niewątpliwie inauguruje pierwszą poważną transakcję wyznaczającą punkt zwrotny epoki, wstrząsanej kryzysem gospodarczym i rewolucją francuską: w 1798 r. londyński dom działa wokół pozostałości obrazów z ogromnej kolekcji domu orleańskiego .
Tymczasem handel sztuką i jego praktykę aukcyjną kwestionują filozofowie tacy jak Adam Smith w swoim eseju Badania nad naturą i przyczynami bogactwa narodów (1776). Zastanawia się, dlaczego gobelin jest wart mniej niż obraz, skoro zabierał o wiele więcej godzin pracy? dlaczego szlachta chce nabyć ten rodzaj malarstwa, a nie inny odpowiednik? Konkluduje, że wartość dzieła sztuki nie jest nieodłączną częścią dzieła, ale reprezentacją władzy tego, kto je kupuje.
XIX th century pokazuje uniwersalne piły duże zbiory, utworzone z funduszy znacjonalizowanych, muzea , takie jak Luwr w Paryżu ( „Arts Museum Central African Republic”, w 1793 roku), w Alte Pinakothek w Monachium oraz w National Gallery w Londynie (1824). Te duże kolekcje kupują dziedzictwo europejskie od antykwariatów lub pośredników, jeśli nie gromadzą owoców konfiskat polityczno-gospodarczych lub wojen (które mogły doprowadzić do restytucji). W połowie XIX -go wieku, system wielkich międzynarodowych galerii reprezentujących artystów pojawiają się wyłącznie z kupców jak Colnaghi , Adolphe Goupil , Charles Sedelmeyer , Roland Knoedler , Thomas Agnew i Paul Durand-Ruel , który będzie bronił impresjonistów .
Od końca XIX -tego wieku, Paryż stał się ośrodkiem handlu trójkątnego kontynentalnej sztuce europejskiej pomiędzy Nowym Jorku i Londynie, ale Berlin odgrywa znaczącą rolę. To kupiec Joseph Duveen w latach 1906-1930 stworzył największą sieć między bogatymi amerykańskimi kupcami a europejskimi sprzedawcami. We Francji prace są sprzedawane w galeriach , w hotelach Drouot lub wywożone ze sklepów na pchle targi w Saint-Ouen . Paryż pozostał nieunikniony aż do lat 70., kiedy Nowy Jork stał się głównym miejscem handlu międzynarodowego.
Historia sztuki opiera się na planie historiograficzny środek XIX th wieku, aby próbować katalogu identyfikacji, złożyć oryginalne dzieła nabyte lub oferowane do sprzedaży, przez rekonstrukcję życia artystów i ich dzieł, poprzez tworzenie szkół, takich jak Luwr szkolnych lub wyspecjalizowanych wydziałów na głównych amerykańskich uniwersytetach, które następnie będą kupować archiwa dealerów lub artystów.
Z rozprzestrzenianiem bogactwa po drugiej rewolucji przemysłowej, mieszczański i następujący protokół w okresie muzeów konstytucji -XVIII th century, rynek stopniowo demokratyzacji we wszystkich krajach zachodnich. Jest jednak bardzo podzielony według produktów i stylów. Jego rodzaj uznania, czy to konwencjonalnego (akademickiego), czy nie, wiąże się z istnieniem uznanych za takie Sztuk Pięknych .
Historia rynku sztuki wiąże się z wielkimi zbiorami „wielkich kolekcjonerów” antyków i malarstwa renesansowego. Zmieniających się na przestrzeni wieków, przez złote wieki, w Holandii w XVII th century Paryż w XX th century, lub okresy diety, pojęcie rynku sztuki było i jest szeroko komentowane w filozofii, że poglądy, że sztuka jest aktem politycznym oraz reprezentację polityczną w socjologii, w historii sztuki .
Dziś bardzo nagłośniony ze względu na te rekordy cenowe, międzynarodowy rynek sztuki opiera się na setce znanych artystów i znanych dealerów, takich jak Christie's , Gagosian i Sotheby's , w głównych stolicach, takich jak Bazylea , Londyn , Nowy Jork i Szanghaj . Rynek jest zatem wysoce oligopolistyczny , to znaczy skoncentrowany pomiędzy bardzo nielicznymi aktorami-sprzedawcami. Gwiezdnym obiektem jest malarstwo, ale rozwijają się inne dziedziny, takie jak stare zegarmistrzostwo, biżuteria itp.
Od 2000 r. ceny na rynku sztuki (w szczególności malarstwa) nadal rosły. Wyjaśnia to kombinacja czynników: wzrost liczby miliarderów (w samym 2014 r. jest ich 2325, co oznacza wzrost o 7% w ciągu roku); kurczenie się podaży (dzieła nabywane przez muzea znikają z rynku, generalnie definitywnie), podczas gdy popyt eksploduje wraz z przemysłem muzealnym, który stał się realnym sektorem gospodarki (zwielokrotnienie liczby muzeów i centrów sztuki, publicznych lub prywatnych w świat); gwarancja sprzedaży przez domy aukcyjne (nawet jeśli oznacza to wypłacenie różnicy z własnej kieszeni); bezpieczna przystań rola sztuki w niepewnym świecie finansów.
Jeśli jednak przeanalizujemy według obszaru, tylko dla malarstwa, ewolucja cen w każdym okresie, między 1998 a 2015 rokiem, ujawnia niejednolite trendy: starzy mistrzowie , stabilna, ale rzadka oferta; XIX th century, w spadku; sztuka współczesna , schyłkowa; powojenna tendencja spadkowa; sztuka współczesna , trend wzrostowy. Ogólnie rzecz biorąc, najpopularniejszym współczesnym artystą w tym segmencie rynku jest dziś Pablo Picasso , jak pokazują poniższe statystyki.
Rynek sztuki nowoczesnej i współczesnej przed kryzysem 2007-2008Globalnie, podobnie jak w poprzednich dekadach, rynek sztuki nadal koncentruje się w kilku krajach. W 2000 r. Stany Zjednoczone stanowiły 49,8% rynku, wobec 28,75% w Wielkiej Brytanii i 5,6% we Francji. Jest to w sumie rynek, który Komisja Europejska szacuje na 8 mld euro, podczas gdy francuski senator Yann Gaillard szacuje go na 2,29 mld euro na same obrazy i rysunki.
Według danych Artprice z 2004 r. Stany Zjednoczone stanowią 46,3% całego rynku, Wielka Brytania 26,9%, Francja 7,2%, Włochy 3,7%, Niemcy 2,9%, a Hongkong 1,9%. W tym samym roku 2004, rekordy aukcyjne zostały ustawione przez Pabla Picassa z Chłopiec z rurą , sprzedawane na5 Majaza 93 miliony dolarów Paul Gauguin dla Macierzyństwa (II) sprzedał4 listopadaza 35 milionów dolarów i Amedeo Modigliani dla Jeanne Hébuterne przed sprzedanymi drzwiami4 listopada za 28 milionów dolarów.
W 2006 roku skumulowana wielkość sprzedaży dzieł artysty wykazała wyraźną dominację współczesnych i współczesnych, w tym Pabla Picassa (399 mln USD), a następnie Andy'ego Warhola (199 mln USD), Gustava Klimta (175 mln USD) i Willema de Kooninga ( 107 mln USD), czterech artystów, którzy przekroczyli 100 mln USD, a następnie Amedeo Modigliani (91 mln USD), Marc Chagall (89 mln USD), Egon Schiele (79 mln USD), Paul Gauguin (62 mln USD), Henri Matisse (60 mln USD) i Roy Lichtenstein (60 mln USD).
Pod koniec 2007 roku na rynku sztuki wystąpiły pewne zawirowania, które Artprice powiązał z kryzysem subprime , ale potwierdziła się tendencja wzrostowa obserwowana od kilku lat na rynku sztuki współczesnej. W tym samym roku, najdroższy obraz świata byłby No. 5, 1948 do Jacksona Pollocka , sprzedał 140 mln $, bijąc poprzedni rekord z $ 135 milionów dla Portret Adele Bloch-Bauer I przez Gustava Klimta .
Od 2010Od 2004 roku rynek zawsze zdominowany był przez sztandarowy produkt, farbę, a nowy gracz, Chiny, wszedł na rynek światowy, stając się liderem i znacząco zmieniając sytuację. W 2010 roku według Artprice Chiny (wraz z Hongkongiem) stanowiły 33% rynku aukcyjnego, Stany Zjednoczone 30%, Wielka Brytania 19%, a Francja 5%. W tym roku artystą o najwyższych obrotach ze sprzedaży publicznej był Qi Baishi , wyprzedzając Zhang Daqiana , Xu Beihong i Fu Baoshi . W rankingu dziesięciu współczesnych artystów posiadających najważniejsze tomy aukcyjne, sześciu to chińscy artyści, a mianowicie Zeng Fanzhi , Chen Yifei , Wang Yidong , Zhang Xiaogang , Liu Xiaodong i Liu Ye przeciwko trzem Amerykanom: Jean-Michel Basquiat , Jeff Koons i Richarda Prince'a . Również w 2010 roku artyści, którzy dotarli do dziesięciu najważniejszych aukcji na jedno dzieło, to Pablo Picasso (95 mln USD), Alberto Giacometti (92,5 mln USD), Amedeo Modigliani (61,5 mln USD), Andy Warhol (56,5 mln USD), Wen Zong (44,8 mln USD), Henri Matisse ( 43,5 mln USD ), JMW Turner (40,2 mln USD), Gustav Klimt (38,2 mln USD), Roy Lichtenstein (38 mln USD) i Lawrence Alma-Tadema (32 mln USD).
W 2014 roku artyści, dla których skumulowany wolumen transakcji jest najwyższy, to w milionach dolarów: Pablo Picasso (345,8 mln $), Andy Warhol (299,2 mln $), Francis Bacon (236,5 mln $), Claude Monet ( 176,6 mln USD), Qi Bashi (168,9 mln USD), Gerhard Richter (159,2 mln USD), Mark Rothko (146,4 mln USD), Jean-Michel Basquiat (131, 9 mln USD), Alberto Giacometti (116.7 mln USD) i Zhang Daqian (118,5 mln USD). Wyniki te pokazują, że Picasso i Warhol nadal dominują w czołówce rankingu od 2006 roku.
W 2015 r. za pojedynczy obraz Picassa pobito poprzedni rekord z 179 milionami dolarów (z opłatami) za Les Femmes d'Alger , wersja „O” (wyprzedaż Christies , Nowy Jork,maj 2015). Czy w przypadku sprzedaży pozagiełdowej osiągamy 300 milionów dolarów dla Nafea Faa Ipoipo? przez Paul Gauguin (przejęta przez muzeów Kataru,luty 2015).
15 listopada 2017 r., zostaje sprzedany najdroższy do tej pory obraz na świecie, Salvator Mundi przypisywany Leonardo da Vinci , za 450,3 mln dolarów (wyprzedaż Christie's New York).
Sektor został poważnie dotknięty kryzysem zdrowotnym związanym z koronawirusem w 2020 roku.
Od końca 2000 roku i początku 2010 roku rynek sztuki online przeżywał silny wzrost. W 2013 r. reprezentował 1,37 mld USD, w 2014 r. 2,64 mld USD; szacuje się, że w 2019 r. osiągnie 6,3 miliarda.
Istnieją dwie formy sprzedaży: sprzedaż całkowicie zdematerializowana, rozłożona na kilka dni z licytacją asynchroniczną, bez połączenia z salą aukcyjną oraz sprzedaż w czasie rzeczywistym połączona z trwającą w sali aukcyjną operacją. Te pierwsze nie pozwalają na fizyczne zobaczenie i zrozumienie przedmiotu, tylko obrazy są dostępne dla kupującego, co oczywiście jest sprzeczne z jakąkolwiek formą zdrowego rozsądku.
Istnieje kilka rodzajów inicjatyw, w tym:
The Observatory of the Social Web in Contemporary Art opublikowało w 2016 roku badanie zatytułowane „The Art Market and Social Web in 2016” opisujące zacofanie Francji we współczesnej sztuce w sieciach społecznościowych. Należy jednak pamiętać, że uruchomiona w 1997 roku strona Artprice jest rozwijana przez francuskiego gracza na rynku.
Sprzedaż we Francji w sektorze „sztuki i przedmiotów kolekcjonerskich” wzrosła z 14 do 20 milionów euro w latach 2015-2017, na rynku strukturalnie zdominowanym przez wino rocznikowe.
W 2019 roku dom aukcyjny Christie's zdecydował się opublikować wyniki swoich aukcji w Internecie, a brak przejrzystości w sprzedaży internetowej uznano za przeszkodę w rozwoju sektora.
W 2020 roku kryzys zdrowotny koronawirusa przyspieszy cyfryzację rynku sztuki. Sprzedaż Christie's , Sotheby's i Phillips wzrosła o 436% w pierwszej połowie 2020 r. w porównaniu z tym samym okresem w 2019 r.
Od czasu powstania sieci społecznościowych i coraz częściej z biegiem lat powstał równoległy rynek sztuki. Coraz więcej artystów będzie teraz sprzedawać bezpośrednio ze swoich stron na Twitterze, Facebooku lub Instagramie. Ten ostatni jest najbardziej poszukiwany przez miłośników sztuki.
Historia podróbek w sztuce jest tak stara jak sama sztuka. W 2012 roku FBI ujawniło przypadek fałszywych obrazów współczesnych malarzy amerykańskich, w których brała udział jedna z najbardziej prestiżowych galerii sztuki, Knoedler (Nowy Jork). Kwota oszustwa sięga 80 milionów dolarów i skłania galerię do zamknięcia swoich drzwi.
W wrzesień 2016, rozbija aferę „ fałszywego obrazu Cranacha ” podczas Biennale des Antiquaires de Paris.
W tym samym roku, również we Francji, wybuchy firma o nazwie „false meble XVIII th century Marie Antoinette ” i „projektantów”. W pierwszej uczestniczą różni eksperci, domy aukcyjne, galerie, antykwariusze i kuratorzy muzeów. Kilka fałszywych mebli wykonanych z pomocą eksperta Billa Pallota zostało sprzedanych do Pałacu Wersalskiego jako oryginały, a kuratorzy nie rozpoznali podróbki. Wmaj 2018, dziennikarz Vincent Noce ujawnia w Le Quotidien de l'art akt oskarżenia od czasu11 stycznia 2018„pół tuzina profesjonalistów z branży meblarskiej i artystycznej”, w tym handlarzy antykami i eksperci już zaangażowani w aferę „fałszywych mebli Marii Antoniny”. To odbicie ma na celu około dwudziestu fałszywych mebli Boulle , w tym dwie szafki sprzedane za około 30 milionów euro firmie AXA za salon Grand Hôtel de La Vaupalière .
Tym różnorodnym skandalom towarzyszą regularne plotki, podkopujące rynek i dotyczące podrabianych mebli przez współczesnych projektantów z lat 30. i 50., produkowanych od 2000 roku.
Należy zauważyć, że techniki analizy (tutaj dendrochronologii ) wytwarzania i datowania drewna stosowane w meblarstwie poczyniły postępy, wiele mebli jest odtajnionych. W Szwajcarii laboratorium naukowe twierdziło nawet, że od 2014 r. 70 do 90% dzieł, które musi przeanalizować, to podróbki i że połowa rynku sztuki to podróbki.
W listopad 2018, prasa specjalistyczna ujawnia, że 80% produkowanej obecnie i przeznaczonej na rynek sztuki aborygeńskiej sztuki nie daje żadnej gwarancji autentyczności.
W grudzień 2018Hiszpańska gazeta El Pais pokazuje, że 99% z kawałkami antyki pre-Latynosi lub sztuki prekolumbijskich sprzedawane w Hiszpanii, są podróbki produkowane od połowy XIX e wieku i to bez przerwy, aż do dzisiaj.
Schemat PonziegoPewne inwestycje finansowe w dzieła sztuki, fotografie czy rękopisy obiecujące niesamowite zwroty w rzeczywistości ukrywają schematy Ponziego : afera Aristophil (2015), potem Artecosa / Signatures (2018), co jest emanacją pierwszej, o czym świadczą, skrzywdził ponad 35 000 osób. W 2014 roku firma Marble Art Invest została potępiona przez organy nadzoru rynku: oferowała inwestycje finansowe ze zwrotem 16% rocznie na dzieła sztuki, które okazały się fałszywymi obrazami wykonanymi w Rumunii, raniąc 350 osób.
Papiery PanamskieW kwiecień 2016, rewelacje prasowe znane jako „ Panama Papers ” pokazują, że w Panamie różne podmioty ze świata sztuki (kolekcjonerów, spadkobierców, galerie i dom aukcyjny) wykorzystują firmy nieprzejrzyste i offshore .
Te rewelacje o nieuczciwych transakcjach dotyczą m.in. grabieży i ukrywania skradzionych dzieł oraz różnych zapisów.
Afery Drouota z „czerwonym kołnierzykiem”6 września 2016The Union of Commissionaires Hotelu Sprzedaży (UCHV) w Hôtel Drouot w Paryżu jest osądzony i skazany za kradzież i ukrywanie przez zorganizowanego gangu. „Czerwone obroże”, zgodnie z przydomkiem nadanym prowadzącym pracującym w sali aukcyjnej, przyjęli zwyczaj odkładania na bok przedmiotów i partii, które sprzedawali we własnym interesie, przy współudziale niektórych licytatorów. UCHV zostaje rozwiązany.
W sektorze rynku sztuki nie ma określonej matury . W przypadku zawodu aukcjonera trzeba mieć podwójny dyplom, jeden prawniczy, a drugi z historii sztuki , w zależności od upodobań, specjalności w sztukach użytkowych, archeologii lub plastyce artystycznej. Do wykonywania zawodu antykwariusz nie jest wymagany dyplom . Istnieje jednak wielu licencjatów i magistrów specjalizujących się w handlu sztuką i szkołach, takich jak Institut d'études supérieure des arts , światowy pionier otwarty w 1985 roku, czy École du Louvre , która oferuje na przykład kursy historii. okres i dyscyplina, ale także dostosowane kursy zarządzania. Jeśli chodzi o jakość eksperta w dziedzinie sztuki, to istnieją grupy profesjonalistów, które wydają certyfikaty poświadczające profesjonalizm, które opierają się na stopniu zdobytego doświadczenia, a także na umiejętności obcowania z naukowcami, pozwalającej stać się „ekspertem uznanym”. : w Europie tytuł eksperta nie ma jeszcze precyzyjnych ram prawnych. Transakcje związane z funduszami inwestycyjnymi wymagają silnych umiejętności finansowych .
Jeśli chodzi o branże związane z instytucjami muzealnymi, egzaminy konkursowe na nabór kuratorów zabytków są organizowane przez Narodowy Instytut Dziedzictwa w imieniu państwa, miasta Paryża i władz lokalnych.
W Stanach Zjednoczonych nie ma do tej pory żadnego konkretnego szkolenia MBA na rynku sztuki. Każdego roku cała tkanka edukacyjna jest oceniana i oceniana zgodnie z potrzebami rynku i oferowanymi specjalnościami, student lub profesjonalista może następnie zorientować się zgodnie z potencjałem wykazanym przez każdą instytucję. Całkowicie prywatny i oderwany od uniwersyteckiego programu nauczania, Sotheby's Institute of Art, organizacja założona w 1969 roku przez Sotheby's , ma trzy filie, Nowy Jork, Los Angeles i Londyn, i oferuje specjalistyczne jednosemestralne kursy szkoleniowe. Od 1932 całkowicie prywatny Courtauld Institute w Londynie kształci nowe pokolenia kuratorów, właścicieli galerii, krytyków i mediatorów.