Narodziny |
22 września 1930![]() |
---|---|
Śmierć |
22 lipca 1998Cuenca ( Kastylia-La Mancha )![]() |
Imię urodzenia | Antonio Saura Atarés |
Narodowość | hiszpański |
Czynność | Malarz , rysownik , rzeźbiarz , pisarz |
Trening | Samouk |
Ruch | Surrealizm , abstrakcja liryczna , ekspresjonizm abstrakcyjny |
Rodzeństwo | Carlos Saura |
Różnica | Nagroda Tomása Francisco Prieto (1996) |
Pies Goi , Ukrzyżowania , Panie , Autoportrety , Tłumy |
Antonio Saura to urodzony w Hiszpanii malarz i pisarz 22 września 1930w Huesca (Hiszpania) i zmarł dnia22 lipca 1998 w Cuenca .
Najpierw naznaczony surrealizmem , odszedł od tego, kierując się w stronę malarstwa abstrakcyjnego, a następnie w kierunku bardziej fizycznego stylu, jak wyjaśnia w Le Monde du8 sierpnia 1994w artykule Harry'ego Belleta : „Kiedy odszedłem od surrealizmu, dałem sobie temat - kobiece ciało - jako matrycę dla malarskich konstrukcji w czerni i bieli. Stopniowo zaczęto z nim kojarzyć inne tematy. "
Aby uwolnić się z kajdan społeczeństwa frankistowskiego, założył grupę El Paso z Manolo Millaresem , Rafaelem Canogarem i Luisem Feito.
Słaby organizm, często nękany chorobami (gruźlicą), pozostał malarzem wywrotowym i osobowością w świecie sztuki. W 1981 r. Został rycerzem sztuki i literatury , w 1995 r. Otrzymał Grand Prix Miasta Paryża.
Oprócz scenografii do Carmen (opera) , potem do sztuki Woyzeck, zilustrował dzieła George'a Orwella i Franza Kafki . Wyprodukował także kilka dzieł byków w Sauromaquia (1958) i oleje na płótnie na przedmiot byka i torreador .
Fundacja Antonio Saura Archives została założona w 2006 roku przez posiadłość Antonio Saura w Genewie w celu ujawnienia twórczości artysty, publikacji wszystkich jego prac, a także uzasadnionych katalogów jego grafik i prac malarskich.
Bardzo wcześnie spotkał się z przemocą. W chwili pierwszego bombardowania Madrytu przez armię Franco miał 6 lat. W następnym roku (1937) Legion Condor zrównał z ziemią Guernicę . Ojciec pokazuje mu wycięte z prasy zdjęcia z masakry. Ledwo osiadła w Barcelonie, rodzina Saura zobaczyła, jak budynek naprzeciwko zawalił się pod bombami. Wkrótce potem dziecko jest świadkiem trudnej sceny: seria karabinów maszynowych kosi mężczyznę i odcina mu głowę. Malarz Saura nie zapomina o żadnym z tych potworów, które później przełoży w swoim malarstwie potworami , gargulcami, ukrzyżowaniami.
Saura pochodzi z zamożnej i kulturalnej rodziny. Jego ojciec jest prawnikiem, jego matka pianistką, jego brat Carlos Saura zostanie utalentowanym reżyserem. Jednak Antonio nie uczęszczał do żadnej szkoły artystycznej, pojmował sztukę jako samouka, sam eksperymentując z pisaniem, rysunkiem, malarstwem, zwłaszcza od roku 1943, kiedy to dotknęła go `` gruźlica kości, która zmusza go do pozostania w bezruchu ''.
Nastolatek przeżywa okres wielkiej samotności, podczas którego próbuje zabić czas wycinając i wklejając zdjęcia z magazynu Signal, przedstawiającego zdegenerowaną sztukę mistrzów, których podziwia: Pablo Picasso , Maxa Ernsta , Marca Chagalla , Paula Klee , Piet Mondriana . Pisze również teksty i prowadzi badania kaligraficzne. Rok 1947 jest rokiem przełomowym, ponieważ zaczyna praktykować według własnych słów: „pewne formy interwencji w rzeczywistość w sposób znacznie bardziej świadomy”, porzucając rozdzieranie, sklejony papier, nakładanie się obrazów swoich początków.
Pierwsza wystawa jego prac, zrodzona z pierwszych eksperymentów, odbywa się w księgarni Libros w Saragossie , zorganizowanej przez profesora Federico Torralbę, który wprowadza go do francuskich czasopism: Cahiers d'art i Minotaure . Wystawione tam prace są prawie wszystkie zniszczone. O tej wystawie Saura powiedział w 1952 roku: „Chciałem zebrać prace, które najlepiej oddają wszystko, co zrobiłem do tej pory. Niepodobny działa, jeśli chcesz, ale łączy go chęć znalezienia nowego horyzontu. "
Z lat 1948-1950 Saura konserwuje głównie: Konstelacje (olej na papierze 1948 , 25 × 35 cm , 1950 , olej na papierze 34,5 × 49 cm , (olej 1950 na tekturze, 26 × 33 cm .
Bardzo szybko Saura określił siebie jako surrealistę . Od swojej drugiej wystawy w Madrycie w galerii Buchholz w 1951 roku zatytułował wszystkie eksponowane obrazy Pinturas surrealistes autorstwa Antonio Saury . Dla niego, podobnie jak dla większości hiszpańskich artystów okresu powojennego, surrealizmowi wciąż udaje się przedrzeć przez sieci kontrolowanej ekspresji. Uosabia libertariańską zdolność wyzwania, intelektualnego sprzeciwu wobec wszelkich represji.
W 1953 roku sam malarz zorganizował wystawę pod tytułem Arte fantástico w „Clan Gallery” w Madrycie. Ze swoimi pracami Ptaki raju, które są namalowanymi kamieniami: Max Ernst , Joan Miró , Alexander Calder , Antoni Tàpies , zdjęcia swojego brata Carlosa Saury , odlew dłoni wykorzystany w filmie Un Chien Andalou autorstwa Luis Buñuel . Mówi tam o wystawie „całkowicie surrealistycznej”, która będzie pierwszą w Hiszpanii od czasów wojny.
W 1953 r. „Pusta, smutna, okropna i przygnębiająca atmosfera Hiszpanii” skłoniła Saurę do wyjazdu do Paryża . Tam szuka spotkania z André Bretonem i całą surrealistyczną grupą. Jego rozczarowanie jest wielkie: grupa sama żyje w formalizmie porzuconym już przez jego rodaka Joana Miró, w którym odnajduje pierwotną czystość surrealizmu. Lirycznej abstrakcji kapitana i że wśród młodych Amerykanów spełnione go więcej. To dzięki jego przyjaźni z malarzem Simonem Hantaï oraz pisarzem i kolekcjonerem Michelem Tapié malarstwo Saury będzie ewoluowało w kierunku bardziej spontanicznych form ekspresyjnych.
Używa różnych nowych technik: scratching, overloading, redaction. Ogromne znaczenie nabiera język gestów. Biorąc udział w kilku wystawach grupy Phases , podjął się eksperymentów z automatyzmem, „konwulsyjnym pięknem”, które zastąpiło dla niego tradycyjną koncepcję piękna.
Saura po raz pierwszy odwiedził Paryż w 1952 roku i regularnie tam wracał. W 1953 roku poznał tam Madeleine Augot, którą poślubił w 1954 roku w Madrycie. Osiedlają się w Paryżu. Jego pierwsza wystawa w Paryżu odbyła się w galerii Stadler dopiero w 1957 roku. Następnie Stadler przedstawił artystę Pierre'owi Matisse'owi , który następnie wystawiał go w Nowym Jorku od lat 60. XX wieku.
Pod koniec 1955 r. Wrócił do Madrytu, aw 1956 r. Jego malarstwo gestów zostało wystawione w Bibliotece Narodowej Hiszpanii w Madrycie, gdzie pokazał swoje pierwsze czarno-białe obrazy. Malarstwo abstrakcyjne, gwałtowne. Katalog, poprzedzony przez Szweda Erica Bomana, mówi o klimacie skamieniałej zaciekłości . Ale pod plątaniną farby pojawiają się już znaki graficzne, przywołujące głównie kobiece ciało. Prezentuje między innymi olej i farbę syntetyczną Black Lady na papierze ( 1954 , 51 × 37 cm i Red Lady (1954, olej i tusz na papierze, 56 × 38 cm)
W 1961 roku Saura po raz pierwszy wystawiała się w Pierre Matisse Gallery w Nowym Jorku . Rozpoczął już serię ukrzyżowań , całunów , kolaży, „ pań , pierwsze akty i pejzaże, a także wyimaginowane portrety . W 1960 roku wykonał kilka rzeźb.
W 1965 roku Saura zniszczył sto swoich obrazów w Cuenca. W następnym roku wyjechał na Kubę i osiadł w Paryżu w 1967 roku, co nie przeszkodziło mu w powrocie każdego lata do Cuenca. Po wzięciu udziału w Hawanie w kongresie kulturalnym w 1968 r., Przez część roku osiadł na Kubie od 1970 r., Ale zachował swój paryski warsztat, który został zniszczony w 1974 r. W 1976 r. Dołączył do pierwszego pawilonu demokratycznej Hiszpanii na Biennale w Wenecji .
Działacz intelektualny, brał udział w wielu wydarzeniach: documenta w Kassel w 1977, aw 1978 w pierwszych krytykach i artystach Ibero-américaune. W 1977 roku Rolf Lauter i Antonio Saura spotkali się po raz pierwszy w paryskiej galerii Rodolphe'a Stadlera i rozpoczęli dialog i wieloletnią przyjaźń. W 1979 roku współpraca zaowocowała pierwszą dużą retrospektywą w Galerii Margarete Lauter Mannheim z ponad 50 obrazami i rysunkami, a następnie licznymi innymi prezentacjami.
W 1985 roku został także profesorem sztuk plastycznych w Circle of Fine Arts w Madrycie, a rok później prowadził seminarium Sztuka i zło na UIMP w Sewilli, a następnie w 1987 roku kolejne seminarium: Reencuentro con El Paso (nowe spotkania z grupą malarzy El Paso) na UIMP w Cuenca, a kolejny w 1988 roku w Sewilli na tej samej uczelni na temacie Seks i sztuka .
Od 1982 do 1985 roku Saura zbierał wyróżnienia i osiągnięcia, w tym Złoty Medal za zasługi w dziedzinie sztuk pięknych przyznany przez Ministerstwo Edukacji, Kultury i Sportu, a później, w 1999 roku, Złoty Medal Círculo de Bellas Artes . Po dramatycznym wypadku, który spowodował śmierć jego córki Eleny, malarz nie zna minuty odpoczynku. Po serii obrazów Dora Maar visitada rozpoczął scenografię do Carmen , baletu, który jego brat Carlos wystawił w Théâtre de Paris z Antonio Gadesem. Antonio jest w piecu i w młynie. Jest także przewodniczącym komitetu organizacji Artyści świata przeciwko apartheidowi w Paryżu.
Po powrocie do Hiszpanii Saura będzie zajmował się tematami w seriach i w kolejnych okresach. Są Panie , że crucifixions , że twarze , te tłumy, te wyimaginowane portrety , wśród których są bardzo duże liczby urojone portrety Goya i wreszcie walki byków, który pojawia się w postaci litografii przez Arte de Birlibirloque ( "The Art of Birlibirloque ”) José Bergamína i oleje na płótnie: Sauromaquie gwałtownego ekspresjonizmu.
Obraz Saury staje się zatem bardzo trudny do odczytania i dostępnych jest niewiele analiz dotyczących jego dziwnych wyborów, nie zawsze rozumianych, ale często podziwianych. Saura malował bardzo często z dokumentacji fotograficznej gromadzonej od młodości. Są aktorki filmowe, książęta. Jej obrazy odpowiadają jej definicji malarstwa hiszpańskiego: „Wiem o niej tylko tyle, że wymyśliła bardzo niewiele nowych koncepcji malarskich, ale wiedziała, jak zabierać modele z zagranicy i że je przewyższyła (…) Sztuka hiszpańska jest wszystkim jeśli chodzi o nieciągłość i wyjątki, jest nierówny i przeplatany, jak Hiszpania, kraj bardzo marginalny, fanatyczny, odizolowany w Europie i bardzo mieszany. Podobnie jak historia Hiszpanii, strasznie brutalna. "
W pierwszej serii Dames Saura całkowicie kwestionuje surrealistyczny automatyzm i odwraca się od abstrakcji, aby zbliżyć się do figuratywnej wariacji, z obrazami ludzkich ciał i twarzy, kobiet lub mężczyzn. Ruchy ramienia, ręki w dużej mierze wpisują się w kompozycję tkanin tego czasu. Malowanie jest według Saury nieznośną formą przymusu. Francisco Calvo Serraller cytuje wypowiedź malarza, który wyobraża sobie płótno jako miejsce ofiary (jest przybite do ramy), a decydującym działaniem artysty jest ocena odległości „jak torreador twarzą do bestii, aby wejście obrazu na jego podłożu jest poprawny, a nadmiar nie prowadzi do nadmiernych zmian. »Malowanie staje się wówczas ćwiczeniem fizycznym na równi z gimnastyką czy baletem, a akcja malarska przeważa nad narracją.
Portrety Saury to „portrety portretowe”. Styl ma tendencję do łączenia obrazów, które pozostały w jego pamięci, takich jak Dora Maar Picassa, ale także do redukcji liczby kolorów (Saura powiedział, że użył tylko czterech: ochry, żółtej, ciemnej sjeny, czerni i bieli). Te portrety to migawki (fotografie-prześwietlenia) dla malarza. Są to uwikłania, w których Saura nie stara się skomponować obrazu, ale wyjść poza to, „naśladuje nieszczęsnego Frenhofera z Nieznanego Arcydzieła , który tworzy obraz, który tylko on może rozszyfrować”. Pierwsza Dama to olej na papierze: 49,7 × 35,4 cm , ale Saura maluje również wiele olejów na płótnach wielkoformatowych, z których prawie wszystkie noszą imię kobiety w roku 1956: Sandra (162 × 130 cm ), Listia (162 × 130 cm ), Virpi (162 × 130 cm ), Astrid (162 × 130 cm ). Cykl trwa przez lata 1957 i 1958, 1959, 1960 i do 1963 roku z mniej więcej tymi samymi formatami, z wyjątkiem płótna zatytułowanego Palma (1960, 250 × 195 cm ), które jest obecnie przechowywane w Fundacji Santillana w Madrycie . Ada (1962, 162 × 130 cm ) jest przechowywana w Stedelijk Museum w Amsterdamie . Niektóre kopie są widoczne w Internecie, w tym Marianne .
Aby wyjaśnić te udręczone obrazy , zainspirowane czystym cierpieniem, Guy Scarpetta przypomina, że Saura chciał skonfrontować się z dziełami wybitnych poprzedników: Giotto , Masaccio , Piero della Francesca , a także zainspirowały go prawosławne ikony i ukrzyżowania kościołów romańskich.
Aby przedstawić to cierpienie, Saura ucieka się do niefiguracji, która nie jest tak naprawdę abstrakcją, ale raczej „niefiguracją”.
Jeśli chodzi o pojęcie cierpienia, Scarpetta cytuje tekst, który Georges Bataille napisał o obozach zagłady: „Nie możemy być ludźmi, nie dostrzegając w nas możliwości cierpienia, także poniżenia. Ale my jesteśmy nie tylko możliwymi ofiarami katów: kaci to nasi bliźni. Nadal musimy zadać sobie pytanie: czy w naszej naturze nie ma nic, co uniemożliwiałoby taki horror? I rzeczywiście musimy sobie odpowiedzieć: nic (…). „ Dla Saury ten brutalny obraz jest sposobem przekraczania granic, ale także symbolicznego odpierania prawdziwej przemocy. ” Starałem się, pisze Saura, stworzyć konwulsyjny obraz, przekształcić go w burzę protestu. „ To, co Georges Bataille nazywa„ krwawymi książkami z obrazkami ”w swoim artykule„ sztuka, okrucieństwo ”.
Pierwsze daty Ukrzyżowania z 1959 (olej na płótnie, 162 x 130 cm ), to jest w Erzbischofliches Diözesanmuseum (Diocesano) w Kolonia , Niemcy . Jeszcze większy rozmiar (olej na płótnie 195,6 × 325,7 cm ) znajduje się w Hirshhorn Museum and Sculpture Garden w Waszyngtonie , a ukrzyżowanie z 1959 roku znajduje się w Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou w Paryżu (olej na płótnie 200 × 250 cm ).
Wiele z nich jest wykonanych w odcieniach czerni, niebieskawo-szarego i niebieskiego. Niektóre ukrzyżowania z lat 1960–1963 wyróżniają się na tle innych, ponieważ malarz wprowadził różowawo-czerwony, z krwawymi kroplami , przypominający flaki, flaki, wypatroszyć na sposób Francisa Bacona . Jeden znajduje się w Muzeum Sztuki i Historii w Genewie (olej na płótnie 130 × 162 cm ), drugi w Muzeum Boijmans Van Beuningen w Rotterdamie (olej na płótnie 130 × 162 cm ).
Temat twarzy pojawia się w pracach Saury około 1956 roku , najpierw w postaci czarno-białych rys. Następnie w postaci masek około 1957 roku, bo artysta kupił za pierwsze pieniądze wygrał maski meksykańskie, eskimoskie i indiańskie. Według Marcela Cohena , którego tekst został opublikowany w katalogu Muzeum Sztuki i Historii w Genewie w 1989 roku : „Im bardziej te maski nadużywają ludzkiego wizerunku, tym szczęśliwsza jest Saura. "
W rzeczywistości jego twarze to głównie maski. Saura nieustannie przypomina sobie epizod, w którym na jej oczach ścięto głowę z karabinem maszynowym. Jako nastolatek zbiera oznaki przerażenia dzięki wycinkom z gazet, które regularnie dostarcza mu ojciec. Poprzez te nieznośne obrazy zapisuje nieustanną przemoc. „Okropne twarze, które nie należą już do rozsądnego malarstwa, szukające bardziej namacalnego pokrewieństwa obok maski egzorcysty. "
Artysta ma obsesję na punkcie autoportretów Rembrandta . Jego pokrewieństwo z Rembrandtem i Goą oraz ich nieustępliwość w „popisywaniu się pozorami” są oczywiste. Stąd inspiracja jego autoportretów: jeden w 1956 roku (olej na płótnie, 60 × 73 cm ), drugi w 1959 roku, olej na płótnie tej samej wielkości, a kolejny w 1962 roku, gdzie `` notujemy za po raz pierwszy pojawienie się koloru.
W 1960 roku w tym samym formacie namalował portret Marcela Duchampa .
Według Santiago Amóna, krytycy sztuki na ogół odnosili tłumy Saury do nurtów malarskich , które nie mają związku z rzeczywistością jego twórczości: nieformalizm , action painting , gestyzm, ekspresjonizm , tachizm . Wszystkie te prądy mają wspólną jedyną szybkość wykonania, podczas gdy Antonio Saura sprzeciwia się temu przez długi czas . „Pomysł, który buduje moje tłumy, stwarza bardzo różne problemy. Chodzi tutaj o zjednoczenie na jednej powierzchni kilku przybliżeń twarzy bez ciał, dynamicznie koordynujących się zbiorów antiformów (…). "
Saura to ekspresjonista , nieco szczególny, daleki od pierwotnego nurtu. To ekspresjonizm innego porządku, który ożywia materiały. Historyk sztuki Henry Geldzahler, kurator sztuki nowoczesnej i współczesnej, głównie w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku , powiedział o tłumach Saury: „Płótno bardziej przypomina arenę do działania niż jest.” Do przestrzeni, w której byłaby to kwestia reprodukcji, rysowania lub uzewnętrzniania przedmiotu rzeczywistego lub wyimaginowanego (…) ” . Dzięki surrealistycznemu doświadczeniu Saura zachowuje styl zbliżony do André Massona (malarza) czy Maxa Ernsta , chociaż nie zachował żadnego związku z grupą surrealistycznych, nieformalnych, ekspresjonistów.
Jej rzesze to aglomeraty, wspólnoty, których członkowie nie mają innego związku niż świadomość zbiorowego poczucia i przynależności do wspólnego projektu.
Kilka prac z 1959 roku ma ten sam rozmiar: 62 × 90 cm , wykorzystuje te same materiały: olej i tusz indyjski na czarno-białym papierze i nosi ten sam tytuł: „Tłum”.
Bardzo duży format 1959 (162 × 390 cm ) to olej na płótnie na beżowym tle z czarnym rozjaśnieniem. Jest przechowywany w Biblioteca Museu Víctor Balaguer w Vilanova i la Geltrú . Inny duży format, w którym niebieskawe linie są wstawione w sieć bardzo ciasnych figur (220 × 515 cm ) z 1963 r., Zatytułowany „The Great Crowd”, znajduje się w Museo de Arte Moderno w Madrycie . Olej na płótnie z lat 1978-1979, w którym pojawia się kolor, nosi tytuł „Diada” (195 × 324 cm ). Znajduje się w Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou w Paryżu
Według wypowiedzi Severo Sarduya wyimaginowane portrety Saury są „ bazgrołami genetycznymi” odnoszącymi się bardziej do zewnętrznego znaku „istota ludzka” (…) niż do fizjonomii podmiotu. Jakby portret był widziany w zniekształconym lustrze: każdy blok atramentu zamienia się w oczy, jakakolwiek okrągła kreska ma nas pożreć.
Głowy Saury są częścią dialektyki przerażenia, czasami z żarłocznymi oczami, czasami z rozszerzonymi ustami. Niemal zawsze malowany na czarno i biało-niebieskawo. Jednym z bardziej spektakularnych portretów jest Brigitte Bardot (1958, olej na płótnie, 162 × 130 cm ) w Colección de Arte Siglo XX w Museo de La Asegurada w Alicante . Głowa postaci jest skonstruowana jako potworna maska. Inny portret z serii Bardot z 1963 roku, bliżej głowy, choć zniekształcony, znajduje się w Museo Nacional de Bellas Artes w Buenos Aires w Argentynie
Kolejny portret kobiety bardzo często reprodukowany: portret Dory Maar, bardzo wyraźnie inspirowany Picassem, do którego odnosi się sam tytuł. Ta seria wygląda jak hołd dla mistrza: Dora Maar visitada (1983, olej i farba syntetyczna, 130 × 97 cm ).
Portret Goi i jego psa graniczy z figuracją. Goya zajmuje miejsce zwierzęcia i odwrotnie. To jest metafora wskazująca, że jesteśmy niczym (psami).
Imaginary Portait Goya (1960, 250 x 200 cm ) jest utrzymywana na Menil Collection w Houston , Texas , jest ona podobna do innej serii w tym samym duchu: The Dog Goya , gdzie człowiek i zwierzę ma praktycznie nic, co odróżnia je od. Szczególnie reprezentatywne dla tej serii są dwie prace, na temat których sam Saura napisał liczne teksty: Le Portrait imaginaire de Goya (technika mieszana na papierze, 70 × 100 cm , 1982) i Le Chien de Goya (ta sama technika, 75 × 105 cm , 1992) mają wspólny owalny kształt ciężko obrobionego kamyka.
Interpretacja świata byków przez Saurę została zdefiniowana przez krytyka sztuki Alexandre Cirici Pelligera jako „kontrast między przemocą a wstrzemięźliwością , gdzie abstynencja ma najgorszą część. "
Od 1957 roku malarz tworzył dzieła o gwałtownym ekspresjonizmie: Sauromaquias (1958, olej i tusz indyjski na papierze, 61 × 88,5 cm ), Taureau-femme , Torero-taureau (1957) dla większości kolaży. Saura wyjaśnia w 1983 r. Swoje stanowisko estetyczne:
„Fotograficzny obraz walki byków , uprzywilejowując tylko chwilę złożonego przebiegu w czasie i przestrzeni, przekształca się w paradę o innej obsceniczności iz pewnością sugestywnej, ale niewątpliwie odleglejszej od obrazu, który powiększa lub rozmywa pamięć. "
Antonio Saura w byków praca osiągnęła swój szczyt z 1980 roku z dziesięciu litografii ilustrujących José Bergamín za esej : The Art of Bilibirloque . Saura w pełni zgadza się z analizą Bergamína, która odrzuca malowniczy blask lidii i blasku:
„Hiszpańszczyzna kostiumowa zepsuła moje rasy byków, tak samo jak teatr, literaturę, malarstwo, architekturę, muzykę, katolicyzm i politykę, z których wszystkie poddał subhiszpańczykom. Ale nic nie jest mniej typowo hiszpańskie niż walka byków na arenie, jeśli jest wykonywana idealnie. "
Antonio Saura przedstawia bardzo antytradycyjną interpretację idei Bergamína, który bronił sztuki Joselito , w przeciwieństwie do twórczości Juana Belmonte , tak jak robił to Hemingway . To rozdarta wizja Lidii, która nie bierze pod uwagę różnic w stylach czy szkołach. W tych ostatnich Sauromaquiasach przedstawia człowieka i bestię bez piękna, jak szmaty: tragiczna wizja walk byków w rodowodzie Francisco de Goya .
W 1989 roku Saura podjął temat walk byków za pomocą farb akrylowych i chińskich atramentów nałożonych na zdjęcia Jeana Bescósa. W ten sposób odkrywa na nowo technikę, którą zainaugurował w 1957 roku. Praca składa się z trzydziestu czterech tekstów Marcela Cohena, które towarzyszą trzydziestu czterem grafikom Saury i czterdziestu sześciu fotografiom Jeana Bescósa.
Jego praca związana z walkami byków była częścią zbiorowej wystawy Sztuka i walki byków, od Goya do Barceló od28 czerwca w 12 października 2014w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Céret .
Już w 1959 roku Saura był autorem ważnego dzieła drukowanego. Sam pisze wiele tekstów o swojej twórczości, zwłaszcza przy okazji wystaw. Często poprzedza katalogi, takie jak w galerii Stadler, w 1974 r. Superpositions przedmowa Saury nosi tytuł „El Mural de la vida”.
Wyprodukował niezliczone eseje, w tym El Perro de Goya (Pies Goi) w katalogu Saura na Wystawie Światowej w Saragossie w 1992 roku. Większość jego esejów jest wynikiem prowadzonych przez niego kolokwiów. Jest ich około dwudziestu.
Na temat walk byków prowadził seminarium La Estampa taurina y la invención de las Tauromaquias (Walki byków i wynalezienie walki byków) w Fundación de estudios taurinos de Seville w 1989 r., Które zostało zamieszczone w katalogu Sauromaquia-Bescomachie w bibliotece multimedialnej Arles w 1990 r. .
Napisał także eseje na temat innych malarzy, w tym jeden o Jacksonie Pollocku ( Hamburg 1963), zamieszczony w katalogu Jacksona Pollocka w Centre Pompidou w Paryżu w 1992 r. Inny o Picassie w przedmowie do katalogu Picassa Toros Y Toreros , Muzeum Picassa ( Paryż) , 1993, Muzeum Picassa (Barcelona) , 1993.
On ilustruje wiele prac w tym Don Kichota przez Cervantesa opublikowanych w Barcelonie w 1987 roku przez Círculo de Lectores , Barcelona , 1984 przez George'a Orwella , Pinokio w adaptacji przez Christine Nöstlinger, Tagebücher przez Franza Kafki , Trois wizje de Quevedo , i wiele innych.
Wystawa jego ilustracji odbyła się w Abattoirs de Toulouse , muzeum sztuki współczesnej, od 26 września do30 listopada 2008