| Narodziny |
1964 Buenos Aires |
|---|---|
| Narodowości |
Argentyński hiszpański |
| Zajęcia | Reżyser , dramaturg |
| Pole | Performing Arts |
|---|---|
| Gatunki artystyczne | Dramaturgia , teatr |
Rodrigo García ( Buenos Aires , 1964) jest pisarzem , reżyserem o teatrze współczesnym, dramaturg i scenograf Hispano-argentyńskie. Od 1986 roku mieszka w Hiszpanii , gdzie rozpoczęła się jego kariera teatralna. Założył firmę La Carnicería Teatro w 1989 roku w Madrycie . Współpracował w szczególności z Centro Dramático Nacional (Hiszpania), Festival d'Avignon i La Biennale de Venise . W 2009 roku otrzymał Nagrodę Europy dla teatru New Reality.
Rodrigo García urodził się w 1964 roku w Buenos Aires w rodzinie rzeźnika i matki handlarza warzywami, oboje hiszpańscy imigranci. Dorastał w biednych dzielnicach na obrzeżach Buenos Aires. W wieku siedmiu lat Rodrigo Garcia po raz pierwszy poszedł do teatru. Rodzice zabierają go na spektakl Federico Garcíi Lorki w reżyserii Victora Garcíi: Yerma . Całkowicie zwariowana inscenizacja Victora Garcii wyzwoli jego pasję i ambicje teatralne.
Jednak jego rodzice odmówili mu studiowania sztuki, dziedziny, w której uważali, że nie ma przyszłości. Następnie zaczął studiować komunikację reklamową, dziedzinę, w której celował i szybko znalazł pracę. Odkrywa wpływ haseł reklamowych i krótkich zdań na odbiorców. Jej dochody pozwalają jej pobierać lekcje aktorstwa równolegle ze studiami. Uczył się dramaturgii i reżyserii w szkole Nuovo Teatro pod kierunkiem Davida Amitina, ale metoda Stanisławskiego, której się uczył, nie odpowiadała mu, a Rodrigo Garcia wolał przerwać lekcje, obiecując, że nigdy więcej nie będzie studiował teatru.
Od 17 do 20 lat staje się wielkim konsumentem teatru, oglądając dużą liczbę sztuk i dzieł kinematograficznych, odkrywa tam wielkie nazwiska teatru absurdu, takie jak Beckett , Ionesco czy Pinter . Odwiedza dzielnice San Telmo , Cinemateca Hebraica, kino Leopoldo Lugones i Cosmos 70. Ogląda przedstawienie Kantora Wielepole-Wielepole i odkrywa inny teatr, taki, jaki chce. Odzyskał zamiłowanie do tej dyscypliny i był pod wpływem innych artystów, takich jak Inda Ledesma , Eduardo Pavlovsky .
W 1986 r. Opłakana sytuacja polityczna w Argentynie zmusiła go do wyjazdu do Hiszpanii , aby spróbować kontynuować karierę jako reżyser i dramaturg. W Madrycie spotyka się z konserwatywnym punktem widzenia. Jego propozycje inscenizacji dzieł Pawłowskiego nie zostały dobrze przyjęte.
Później poznał Carlosa Marquerie, który stał się jego najbardziej lojalnym współpracownikiem. To z nim zbudował przestrzeń do interdyscyplinarnej kreacji w Teatro Pradrillo. Dążąc do skrzyżowania sztuk wizualnych , muzyki , teatru i tańca, ich projekt ma na celu nawiązanie wymiany z teatrami europejskimi. Marquerie udaje się zorganizować i wyprodukować radykalny i utopijny program teatralny. Kiedy Marquerie opuścił Teatro Pradillo w 1996 r., Aby założyć firmę Lucasa Cranacha, był jedynym mieszkańcem Madrytu w mieście Ercilla, który z zadowoleniem przyjął propozycje Garcíi. Rodrigo García zbudował swój teatr w Hiszpanii pod wpływem Heinera Müllera . W 1989 roku stworzył swój zespół: La Carniceria Teatro ( Teatr Rzeźnika ), mise en play o konwencjonalnej dramaturgii. Nazwa firmy bezpośrednio nawiązuje do rodzinnego sklepu mięsnego, w którym dorastał.
W latach 90. jego twórczość silnie współgra ze współczesnym krajobrazem artystycznym: instalacjami, wideo i performansami. Podkreśla także swoje wpływy: Samuela Becketta , Thomasa Bernharda , Luisa Buñuela . García stara się pokazać wolność, z której korzystają artyści plastycy, i wyjść poza formy tradycyjnego teatru. W 1993 roku stworzył Los tres cerditos, aw 1996 El dinero, które są dziś bardzo aktualne. Używają sieci tekstowych, aby pozostawić widza zdezorientowanego i dotkniętego. Rodrigo García dystansuje się od tych bardzo komercyjnych praktyk wykorzystywanych jako pole bitwy. Pracuje jak w laboratorium, eksperymentuje i poszukuje nowych form inscenizacji, jego twórczość stopniowo odnajduje mocne piętno. W latach 90. twórczość Rodrigo Garcíi ewoluuje w kierunku bardziej bezpośredniej komunikacji scenicznej, wyraźniejszej w odniesieniach społecznych, a także bardziej fizycznej. Stopień fizycznego zaangażowania aktorów należy porównać ze stopniem zaangażowania społecznego, które widać w jego twórczości. Aktorzy poszukują relacji twarzą w twarz z publicznością i społeczeństwem . Praca wyraża postawę konfrontacyjną i bezczelną. Scena sprawia, że społeczeństwo konsumpcyjne staje się moralistyczne i obłudne.
Okres ten nawiązuje do jego najsłynniejszych dzieł, które otworzyły drzwi do europejskiego teatru publicznego i międzynarodowych festiwali. Po tym, jak Sun (2000) osiągnął trzysta przedstawień i kupiłem łopatę w Ikéa, aby wykopać mój grób (2002) również był wielkim sukcesem. Historia Ronalda, klauna McDonalda (2002), jest nadal zaplanowana sześć lat po pierwszym przedstawieniu. Ci, którzy już opuścili Hiszpanię, jak Jardineria humana i Agamemnon (kiedy wróciłem z supermarketu, kopnąłem syna), obaj w 2003 roku, kiedy García doszedł do końca swojego języka scenicznego.
Organicznych nie ma ograniczeń. To samo dotyczy Davida Lyncha czy Cindy Sherman , García używa tego, co nędzne, z zamiarem wejścia do tego, co nazywamy „wszechświatem zła”. Dla tych artystów wolność , chaos, nieporządek i seksualność budzą lęk i podziw widzów.
Według Cornago, po tym okresie przyspieszenia, Rodrigo García na chwilę refleksji, w której kontynuuje swoje spektakle, ale wstrzymuje kreację. W 2004 roku używa prostych propozycji do przedstawienia tekstów w formie monologów, Borgesa i Goi .
W roku 2009 , UNESCO przyznało mu XI th Europejskiej Nagrody dla teatru z innymi artystami: Belgii Guy Cassiers , włoski Pippo Delbono , węgierskie Árpád Schilling i francuski François Tanguy i jego Théâtre du radeau. Pomimo wagi tego wydarzenia, w hiszpańskiej opinii publicznej pozostaje ono praktycznie niezauważone.
Dzięki śmierci i reinkarnacji jako Cowboy (2009) lub Daisy (2013), zobowiązuje się on bardziej abstrakcyjne eksplorację świata, który oferuje niepokojące i świadome metafory. Konfrontuje publiczność z własnymi tajemnicami, swoimi lękami czy fantazjami, czasem nie bez kontrowersji, jak w przypadku Accidens (2005) i Golgota Picnic (2011).
Od 1 st styczeń 2014, jest dyrektorem Narodowego Centrum Dramatu (CDN) w Montpellier, Théâtre des Treize vents , które nazwał „Human too human” wwrzesień 2014. Tworzy wlistopad 2015show 4 , jego pierwsza gra jako dyrektora CDN. Postanawia w 2016 r. Nie odnowić swojego mandatu, który kończy się wstyczeń 2018. Swoją decyzję tłumaczy brakiem środków finansowych i słabym wsparciem Aglomeracji .
Według Bruno Tackelsa Rodrigo García jest jednym z czterech współczesnych scenarzystów. Definiuje pojęcie „piszącego na płaskowyżu” jako pojęcie, którego nie można przyrównać do żadnej doktryny czy dogmatu . Nie ma to nic wspólnego z treścią estetyczną. To „sposób bycia”. Implikuje ścisły związek między wierszem a aktorem, między pismem a sceną. Bliskość sceny ożywia tekst teatralny. Bruno Tackels przywołuje podejście nie skoncentrowane na tekście. Istnieje współistnienie form i praktyk. Teatr wita odmienność . Praca zaczyna się dopiero, gdy jesteś na planie. Tekst opuszcza księgę, by poddać się siłom i porządkowi właściwemu dla płaskowyżu. To właśnie dzieło sceniczne daje kryteria wyboru niektórych z tych już napisanych tekstów. Wykonane teksty mogą w zależności od aktorów stwarzać na planie różne sytuacje i opowiadać różne historie. Pozwala to na bardzo różne inscenizacje tego samego tekstu. Jest to wzmocnione przez fakt, że Rodrigo García odmawia didaskaliów.
Według Tackels, pojawienie się koncepcji reżysera w XX th century, znacznie zmarginalizowana pracę dramaturgów. Inscenizacja staje się sztuką samą w sobie, ponieważ umieszcza tekst w centrum teatralnego środka, a scena w służbie tekstowego znaczenia. Przeciwstawia tę koncepcję nowemu teatrowi, teatru scenariuszy, teatru, który powstaje po teatrze, a nie dla teatru i który całą swoją energię czerpie ze sceny. Pismo, które znika, gdy tylko się materializuje. Posuwa się nawet do stwierdzenia, że koncepcja reżysera zaczyna się stopniowo dezaktualizować i trzeba znaleźć nowy język dla nowego pokolenia artystów. Stąd pojawienie się w 2005 roku na festiwalu w Awinionie kłótni na ten temat. Ponieważ u scenarzysty słowa są częścią konstrukcji zasadniczo dojrzewającej w przestrzeni i czasie sceny. Interesuje się także sceną i bardziej ludźmi niż postaciami. W tych ostatnich spektaklach praca jest zaangażowana z aktorami. To oni poprzez swoje ciała przejmują kontrolę nad przemocą społeczeństwa.
Są one związane z tym, co zwykle służy człowiekowi: żywność, dobra konsumpcyjne. Nie zajmuje już środkowej części tablicy na środku tekstu. Ta dezercja może być dezorientująca, ponieważ jej obecność i jej moc świadczenia dla ludzkości jest sercem pracy na płaskowyżu.
Scenarzyści tworzą nie-dramatyczny tekst skonstruowany na scenę i ze sceny. Rodrigo García pojawia się jako jedna z emblematycznych postaci tej postawy. Pisma te modyfikują postać i pracę aktora. Wszystko musi wypływać z sakralizującej powagi, wszystko, co mamy do powiedzenia, musi pochodzić z języka teatru teatralnego. U Garcii scenę czasami osłabia fakt, że nie chroni jej maska wyraźnej fikcji . Fascynujące i niepokojące, hojne i mrożące krew w żyłach, działające na podstawie sprzecznych impulsów, które można znaleźć w bardzo kontrastowym odbiorze jego spektakli. Podobnie jak w przypadku innych scenografów, prace Rodrigo Garcíi trwają w umysłach każdego widza.
Jego doświadczenie w świecie reklamy ma ogromny wpływ na Rodrigo Garcíę na jego estetyczne wybory. Dlatego swoją estetykę rozwija w pierwszej części swojej twórczości. W ten sposób Rodrigo García aktualizuje agitator rekwizytów, jednak używa go do obecnych form kulturowych. Obecność wyimaginowany reklamy i wspólnych odniesień do różnych świadczą o tym. Epicki teatr przyczynia się również do rozwoju jego estetyki związane z reklamą, ponieważ nie działa na użalanie się nad sobą, ani współczucia . Ta znajomość wewnętrznego świata reklamy przyczyni się do opracowania technik wykorzystywanych do potępiania zjawisk społecznych.
Jego teatr wywodzi się z tej estetyki dekonstrukcji zainspirowanej przez Heinera Müllera i wykorzystanej w formie reklamowej. Rodrigo García bada wszystkie możliwości przeprowadzenia tej dekonstrukcji. Jego pisanie na scenie przyczynia się do tego, że pisze bez żadnej świętości w tekście. Nie ma z nim żadnego świętego związku z tekstem. Jeśli jakiś fragment tekstu go nie zadowala, usuwa go bez żadnego dyskomfortu. Posługuje się tekstem jako materiałem i narzędziem służącym celowi budowanemu na scenie, którego głównym i podstawowym materiałem jest aktor. Dlatego García ucieka się do wydajności. Jego historia nigdy nie przestaje żywić się wielkimi żyłami historii literatury i historii plastycznej: wielkiej tradycji literackiej i filozoficznej, tradycji Oliwki , Ajschylosa , Szekspira .
Jego twórczość burzy tradycyjne kody przestrzeni teatralnej. Dlatego odmawia obecności wszelkich didaskaliów, które dyktowałyby prawa sceny. Teksty muszą mówić same za siebie i znaleźć własne, sceniczne tłumaczenie. W swojej estetyce kieruje się zasadą, która ma odnosić się do kultury, ale mówić poza nią. Wynika to z faktu, że dzisiejszy świat to nic innego jak ta luka. Jest nie tylko dramatopisarzem , ale także filmowcem . Co posłuży mu w kilku jego pracach. Odwróci się od dramatycznej narracji, pogłębiając nurt krytyki konsumenckiej . García jest absolutnie dosłowna. Jest nawet krytykowany za to, że nie jest poetą. Dlatego posługuje się dosłowną prozą i powstrzymuje się od wszelkich tabu.
Rodrigo Garcia nie inscenizuje konfliktów, a jedynie ich skutki. Ten rodzaj praktyki jest porównywalny z praktyką Brechta . W istocie ta estetyka skłania widza do refleksji nad własnym stanem poprzez zjawisko dystansowania się . Wszystkie oferowane elementy wymagają od widza czegoś o różnym poziomie wymagań. Rodrigo García prowokuje swoją estetyką i stara się być wywrotowy . Można dostrzec wagę tytułów jego dramatów, które są jednoznaczne i wykraczają poza rejestr baśni, bohaterstwa każdej dramatycznej narracji.
Jego kariera artystyczna przebiega w dwóch etapach: pierwszy koncentruje się głównie na estetyce , drugi na polityce . W pewnym momencie jego dzieło zmienia się, naznaczone świadomością , „przeniesioną na niemal ulotny poziom”, zauważa Tackels. Ale w całej swojej karierze jego twórczość „nigdy nie przestała mówić, że możemy żyć w jeden sposób, a nawet myśleć, że możemy żyć w inny sposób”. Jeden jest zatem w sposób dorozumiany polityczny, a drugi jest wyraźnie zaangażowany politycznie. Od tego momentu García „nie waha się stanąć twarzą w twarz w sposób bezpośredni, nie omijając metafory”: „Tam teatr naprawdę może stać się teatrem walki” - mówi Rodrigo García. Jej teatr jest nastawiony głównie na kwestionowanie standardów, według których firma nas wyróżnia i wzoruje: wojna zaczyna się od osadzenia na talerzu naszego stylu życia na Zachodzie , stąd obecność kulminacyjnego punktu temat: nasz związek z jedzeniem .
„Chodzi mi o to, że jesteśmy tym, co połykamy. A to, co połykamy (ustami, oczami i uszami), co ciekawe, nalegam, zawsze czyni nas bardziej przezroczystymi, półprzezroczystymi i osłabia. Pierwsza część świata stara się zapanować nad nadwagą. O dziwo, im więcej kilogramów tłuszczu, tym istota mniej gęsta ”. Konferencja w Rennes , kolokwium „inscenizacja świata”, 2004
Idea, że człowiek zostaje pochłonięty „przez”, przyczyniając się „do” społeczeństwa konsumpcyjnego i staje się przezroczysty, jest głównym potępieniem . Ale ten teatr prowadzi również wojnę, która potępia środki masowego przekazu, „tele-śmieci”, związki z naturą i zwierzętami , powiększanie seksualności , przemoc polityczną, demokrację w rozkładzie , utratę wartości ( religii , tradycji ), dzieciństwo i pokolenia, system edukacji: tematy tabu, z których część nigdy nie była widziana w teatrze.
Skąd frontalny teatr, który "w każdej chwili ponosi odpowiedzialność za katastrofę światową, która dotyczy dokładnie całego świata" , i który implikuje publiczność dokładnie wskazaną, gdzie powolne zabijanie ciał tworzy się w otchłani naszego świata na planie ciał na katodowej arenie konsumpcji . Przemoc wyrażona na planie jest przez Garcíę uzasadniana jako jedyny sposób, by sprostać swoim wyobrażeniom w obliczu świata: przemoc jest tam wywoływana jako paradoksalna, ciała walczą ze sprzecznymi impulsami. Przemoc, która wywołuje relację sumienia z publicznością: im więcej przemocy narasta na scenie, tym bardziej sprawia wrażenie, że to widz ją prowokuje. Teatr Rodrigo Garcíi utrzymuje brechtowski związek w kilku kwestiach. Zjawisko dystansowania się jest utożsamiane ze zdarzeniem przez obecność dziecka. Stara się iść dalej w pracy. W konsekwencji wokół jego twórczości wybuchły wielkie kontrowersje . W przypadku Brechta, podobnie jak w przypadku Garcíi, nie można oddzielić procesu od efektu. Jest też fakt, że widzowie muszą zakończyć swoją refleksję po przedstawieniu różnych fragmentarycznych tekstów, które pojawiają się na scenie.
W ciągu zaledwie dziesięciu lat od powstania Carniceria teatro Rodrigo García zdołał ugruntować swoją pozycję jako jedna z głównych postaci odnowy na europejskiej scenie teatralnej. Oznacza to silny odbiór tych prac przez publiczność, niosący zalążek żywego teatru. Jednak w jego wczesnych latach odbiór publiczny pozostawał bardzo silny w mniejszości w jego kraju, Hiszpanii , znanej jako bardzo konserwatywna na poziomie teatralnym. Krytyka jest wtedy pejoratywna, nie traktując jego twórczości jako „prawdziwego teatru”.
To jego spotkanie z Francją , a zwłaszcza w Bretanii w Théâtre National w Rennes , a później na Festiwalu w Awinionie , zmieniło krytyczną sytuację. Gdy jego utwory są bardziej akceptowane, może wtedy w pełni rozwinąć swoją twórczość. Odbiór społeczny jest bardzo płodny, ponieważ budzi kontrowersje. Poruszane tematy są szokujące, podobnie jak sposób ich inscenizacji. Dają natychmiastowe i zawsze bardzo sprzeczne efekty: entuzjazm lub złość , zauroczenie lub nieufność: jego scena sprawia, że ludzie mówią.
Oto kilka uwag krytycznych:
Dodajmy, że publiczność zapełniająca teatry jest młoda, więc nie jest zwyczajna. Podczas Colloquium Put in scene , zorganizowanego przez teatr narodowy Bretanii w listopadzie 2004 r. , W którym przemawiał Rodrigo Garcia, były skrajne reakcje do tego stopnia, że jeden z nich powiedział dyrektorowi teatru: „Już nie chcemy zobaczyć tego faceta w domu. „ Dziś odnosi duże sukcesy, ponieważ jego programy są opuszczone w powijakach. Dziś jej europejski wpływ staje się globalny.