Film muzyczny to gatunek filmowy, który zawiera muzykę , piosenki lub taniec . Można go pomylić z musicalem , który jest jego teatralnym alter ego, do którego dodano muzykę, piosenki i taniec.
Obecny od początku mówienia kina, w szczególności Le Chanteur de jazz (1927) uważany za pierwszy film mówiący, gatunek ten był szczególnie popularny w latach 1940-1960 z pierwszym złotym wiekiem. Dopiero w 2014 roku ukazały się dwa kawałki na Broadwayu: Jersey Boys i Into the Woods: Spacerujemy po lesie, ale przede wszystkim fenomen La La Land (2016) rozpoczął nowy złoty wiek tego rodzaju.
Od pierwszych filmów problem rejestracji dźwięku wydobywającego się z filmowanej sceny był głównym przedmiotem troski wynalazców kina, Amerykanina Thomasa Edisona i jego asystenta, francusko-brytyjskiego Williama Kennedy'ego Laurie Dicksona . Thomas Edison opracował już fonograf w 1877 roku , urządzenie, które nie tylko rejestrowało dźwięki na stalowym cylindrze pokrytym folią cynową , ale było w stanie je wyraźnie odtworzyć, w przeciwieństwie do eksperymentów, które przeprowadzali inni płodni wynalazcy, np. Francuz. Karola Krzyża . Edison w młodości ogłuchł i pracuje nad nim marzenie: połączyć dźwięk głosu z obrazem śpiewającego lub przemawiającego artysty. „Mogliśmy więc uczestniczyć w koncercie Metropolitan Opera pięćdziesiąt lat później, kiedy wszyscy wykonawcy już dawno zniknęliby. Ostrzegawczy sen kina dźwiękowego.
Marzenie Edisona opiera się na opracowaniu w 1889 roku w jego laboratoriach maszyny, która wydaje się odpowiadać jego badaniom. Jest to rejestrator fonograficzny, którego pozioma oś obrotu jest rozciągnięta wewnątrz komory fotograficznej . Ta oś otrzymuje warstwę emulsji fotograficznej na szklanym cylindrze. Ciemni soczewka jest stale otwarty podczas strzelania, ale obracanie migawki regularnie przerywa wiązkę światła, podczas gdy cylinder obraca się i przesuwa się w bok tak jak nagrywarki samego dźwięku. Wspólna oś powinna w zasadzie zapewniać doskonałą synchronizację obrazu i dźwięku. Pierwsze testy przeprowadzane są bez przetwornika dźwięku, a rezultatem jest to, co Edison i jego inżynierowie nazywają Monkeyshines nr 1, 2 i 3 . Warstwa na szkle jest najpierw wywoływana jako film negatywowy – cylinder jest zanurzany bezpośrednio w kąpielach – a następnie rysowana na papierze światłoczułym, który daje w ten sposób pozytyw, który jest cięty jak skórka pomarańczy, tworząc wstęgę. Różnorodne fotografie, będące tak wieloma pośrednimi pozycjami gestów wykonywanych przez filmowanych bohaterów – pracowników laboratorium – są wyraźnie widoczne gołym okiem, ale ich kruche i nieprzejrzyste podparcie nie pozwala w żaden sposób ich zobaczyć w ruchu. to byłby. Z drugiej strony ilość strzałów potrzebnych do uzyskania jednej sekundy strzału jest ogromna i przekonuje Edisona, że nie będzie mógł spełnić swojego marzenia: wystarczy cylinder, aby nagrać dźwięk, np. piosenkę. ale światłoczuły bęben jest niewystarczające, aby zaimponować niezbędną ilością klatek, która wymaga robienia zdjęć w tempie co najmniej kilkunastu klatek na sekundę.
Wynalezienie w 1888 r. przez Amerykanina Johna Carbutta elastycznej i przezroczystej taśmy z azotanu celulozy pozwoli Edisonowi sfinalizować pierwszą kamerę kinową za pomocą kliszy napędzanej mechanizmem przerywanym dzięki perforacji umieszczonej na jej krawędziach: Kinetograf, który w 1891 r. rejestruje pierwszy film kinowy (to Edison zaadoptował angielskie słowo film na określenie pod wrażeniem szpul): Dickson Greeting . Filmy Edisona w formacie 35 mm z opatentowanymi perforacjami Edisona są oglądane za pomocą osobistego urządzenia do oglądania Kinetoscope. Po tym sukcesie Edison uparł się, aby znaleźć właściwe rozwiązanie połączenia obrazu i dźwięku. „Edison odmówił publicznego pokazu swoich filmów, sądząc, że gęś, która złożyła złote jaja , zostanie zabita , ponieważ według niego publiczność nie miała szans na zainteresowanie niemym kinem. " W ten sposób zaniedbane, mimo pilnej porady Dickson, opracować urządzenie do rzucania projekcję swoich filmów. Do braci Lumière , którzy mają tylko zrobić badania dźwiękowe, będą kraść pierwszy i chwały tej znacznej poprawy.
Jednak te prognozy nie są pierwsze. Rzeczywiście, Francuz Émile Reynaud, który rysuje i maluje bezpośrednio na filmie o szerokości 70 mm , złożonym z kwadratów żelatyny, jak wiele obrazów, wyświetla od 1892 roku w ramach swojego Teatru Optycznego , pierwsze kreskówki , jego świetliste pantomimy, które trwają do pięciu minut. Reynaud instynktownie zrozumiał, że towarzysząca mu muzyka zwiększy emocjonalny wpływ sceny. W ten sposób zamawia oryginalną muzykę u Gastona Paulina, który podczas każdej sesji wykonuje je sam na fortepianie. Tak więc już w 1892 roku mariaż ruchomych obrazów i muzyki był już przypieczętowany. Ale filmy z pierwszych trzydziestu pięciu lat kina, które później nazwano by filmami niemymi , często były udźwiękowione za pomocą skleconych środków: piosenkarza ukrytego za ekranem podczas projekcji, pianisty, orkiestry czy płyty granej przez fonograf. itp.
Od kręcenia pierwszych filmów (1891) do pierwszego systemu rejestracji dźwięku na samym filmie w procesie fotograficznym (1927), sporadycznie pojawiają się poważniejsze testy. Najbardziej godne uwagi są pierwsze phonoscène od Léon Gaumont , zainicjowany przez pierwszego dyrektora filmu, Alice Guy , który nadal pozwala dzisiaj zobaczyć i usłyszeć całe utwory wykonywane przez artystów z końca XIX th wieku przed Chronophone przez Georges Demenÿ . Do tego dochodzą prawdziwe testy - częściowo udane - Vitaphone , opracowanego na zlecenie małej amerykańskiej firmy produkcyjnej Warner Bros. przez firmę Western Electric i Bell Telephone Laboratories , systemu synchronizacji dźwięku wykorzystującego proces grawerowania płyty. Thomas Edison próbował bez powodzenia w 1895 roku. „Tym razem inżynierowie Western Electric wyposażyli aparat projekcyjny i gramofon w synchroniczne silniki elektryczne, które napędzają obie maszyny z tą samą prędkością. W tamtym czasie, ze względów bezpieczeństwa i wygody, wszystkie filmy były wyświetlane w dziesięciominutowych tortach. Aby nie przerywać seansu, kabiny kin wyposażone są w podwójną stację projektorów, które pracują naprzemiennie. System Vitaphone proponuje sprzężenie każdej płyty filmowej z dziesięciominutową płytą oraz użycie dwóch fonografów. Ponieważ płyty gramofonowe na rynku obracają się z prędkością 78 obrotów na minutę i trwają od 4 do 6 minut, aby uzyskać wymagany czas trwania dziesięciu minut, bez zwiększania średnicy dysków, co by je osłabiło, prędkość obrotu wynosi l 'nagrywanie jak podczas odtwarzania, zmniejsza się z 78 obr./min do 33 obr./min 1/3 na minutę. „ Taka metoda została zastosowana w 1926 roku przy pierwszym filmie dźwiękowym , właściwie śpiewając prawie trzygodzinny film Don Juan (film, 1926) w reżyserii Alana Croslanda , z gwiazdą Johnem Barrymore , który od wielu miesięcy odnosi sukcesy na plakacie w Nowym Jorku. Następnie w 1927 roku słynny wokalista jazzowy , również w reżyserii Alana Croslanda, z Alem Jolsonem . Film nadal wykorzystuje napisy z niemego kina. Żadne dialogi nie są nagrywane. Tylko piosenki są, jak również rzadkie interwencje mówione Ala Jolsona w tych piosenkach.
„W tym samym roku firma Fox Film Corporation uruchomiła proces Movietone , który umożliwił sfotografowanie dźwięku na filmie kinowym i dodanie go do taśmy wraz z kadrami z filmu… Minusem tego procesu jest to, że dźwięk jest zmienia się wraz ze zużyciem kopii. Radio Corporation of America (RCA) wypuściło rok później dźwięk Photophone ... Ten proces ma tę zaletę, że nie ulega zmianie. Narodził się tor optyczny, dźwięk i fotogramy pojawiają się teraz na tym samym nośniku, doskonale zjednoczone. "
Za kilka lat nagłośnienie stanie się niezbędne w światowym kinie, a wraz z nim piosenka. Nie mówiąc już o pierwszych nakręconych musicalach, operetkach i operach , filmy z lat 30. często zawierają jedną lub dwie piosenki, ujawniając mimochodem talent wielu aktorów-śpiewaków: Jeana Gabina ( Pépé le Moko , Coeur de lilas ), Danielle Darrieux ( Kryzys się skończył , moje serce woła cię , niegrzeczny chłopiec ), na przykład Maurice Chevalier i Claudette Colbert ( La Chanson de Paris ) czy Marlène Dietrich ( L'Ange bleu ). Artyści z sali muzycznej lub kawiarnio-koncertu zyskają lub odzyskają popularność dzięki kinu: Fréhel ( Pépé le Moko , Cœur de lilas ), Joséphine Baker ( Princesse Tam Tam , Zouzou ) i Bing Crosby . Niektórzy nie opuszczają 7 th sztukę jako Fernandel . Przemysł nagraniowy i filmowy łączą się, uzupełniając się wzajemnie, filmy są wykorzystywane do sprzedaży płyt i odwrotnie, czasem w sztuczny sposób, jak wtedy, gdy Gaumont modyfikuje montaż L'Atalante ( Jean Vigo ), by dodać piosenkę Le Barge pass przez Lys Gauty .
Filmy powstają nawet ku chwale artystów wokalnych, których „wszechświat” często zajmuje miejsce scenariusza: Charles Trenet ( La Route enchantée , Romance de Paris ), Irène de Trébert ( Mademoiselle Swing ), jak później Elvis Presley , The Beatles , Johnny Hallyday , Spice Girls , Mariah Carey , Eminem i setki innych. Gatunek ten nie zawsze jest traktowany w sposób najemny i może wynikać z silnego wyboru artystycznego: film John McCabe , zbudowany wokół piosenek Leonarda Cohena, które go zainspirowały, wyreżyserował Robert Altman .
Do filmów „z piosenkami” szybko dołącza nakręcony musical.
Niektóre filmy to ekranizacje kinowych musicali wystawianych na Broadwayu . Pierwsze filmy z tego gatunku, wszystko wydany w 1929 roku, są Desert piosenki , przez Roy Del Ruth , The Cocoanuts , przez Robert Florey i Joseph Santley wystąpili z braci Marx , Paryżu , przez Clarence G. Badger po Cole Portera , a zwłaszcza Pokaż Łódź — Harry A. Pollard .
Lata 30. to lata całej ekstrawagancji, jeśli chodzi o sfilmowane musicale, a wielu historyków twierdzi, że gatunek ten nigdy od tego czasu nie widział takiej witalności. Piosenki, tańce, wystawne scenografie, musicale oferują publiczności Wielkiego Kryzysu marzenie i ucieczkę, której potrzebują: filmy Mervyna LeRoya ( Golddiggers, 1933 , 1935) i Lloyda Bacona ( 42th Street , 1933, Wonder bar , 1934, À Calliente , 1935), są bardzo naznaczone kalejdoskopowym stylem choreografa Busby'ego Berkeleya, który zostaje współreżyserem, a następnie reżyserem.
W 1935 roku wraz z Le Danseur du haut reżyser Mark Sandrich podarował musicalowi swoją pierwszą legendarną parę: Freda Astaire i Ginger Rogers .
Pod koniec dekady nastał kolor. Czarnoksiężnik z krainy Oz , przez Victor Fleming , wydany w 1939 roku , był w tym czasie najdroższy film wyprodukowany przez Metro-Goldwyn-Mayer . Jej sukces publiczny jest fenomenalny. Został Przeminęło z wiatrem , jednak , przez tego samego Victor Fleming, który ukradł Oscara za najlepszy film z nim w 1939 roku .
Po II wojnie światowej Metro-Goldwyn-Mayer panowało nad produkcją musicali i zawarło kontrakty z Judy Garland , Fredem Astaire , Gene Kelly , Frankiem Sinatrą , Vincente Minnelli , Cyd Charisse , Esther Williams , Debbie Reynolds , Mickey Rooney , Jane Powella , Howarda Keela , Kathryn Grayson , Ann Miller , itp. za klasyczne filmy wyprodukowane przez Arthura Freeda , takie jak Ziegfeld Follies , Amerykanin w Paryżu , Śpiewając w deszczu , Pewnego dnia w Nowym Jorku , Pieśń o Missouri czy Tous en scena . Ten drugi „złoty wiek” komedii muzycznej zakończył się pod koniec lat 50. filmami takimi jak Gigi , inspirowanymi powieścią Colette o tym samym tytule, w których pojawili się Leslie Caron , Maurice Chevalier i Louis Jourdan . Ostatnim filmem wyprodukowanym przez Samuela Godwyna jest Porgy and Bess w reżyserii Otto Premingera z 1959 roku. Beneficjenci George'a Gershwina uzyskają w 1974 roku, że film nie jest już zaprogramowany: uważają go za zbyt „muzyczny” i za mało „operowy”. ”. Ten odcinek pokazuje, jeśli to konieczne, problematyczną reputację, na którą czasami cierpi film muzyczny.
Na próżno konkurenci MGM próbowali naprawdę przebić się na polu filmu muzycznego, ale mimo wszystko możemy przytoczyć kilka sukcesów artystycznych lub komercyjnych, takich jak La Glorieuse Parade ( Yankee Doodle Dandy ) (1942) i narodził się Une étoiles ( 1954) w Warner Bros. , Mężczyźni wolą blondynki (1953), Carmen Jones (1954) i The King and Me (1956) z Fox , Holiday Inn (1942), Blue Skies (1946) i Funny Face (1957) z Paramount Pictures i Oklahoma! (1955) przez RKO Pictures .
Od lat 60. , po erze MGM, Hollywood przestało wydawać filmy muzyczne. Wielkie hity, często adaptowane z Broadwayu, są bardziej rozproszone, ale nie mniej uderzające: West Side Story (1961), My Fair Lady (1964), La Mélodie du bonheur (1965), Funny Girl (1968), Jesus Christ Superstar (1971), Cabaret (1972), Grease (1978), Let the Show Begin (1979), Popeye (1980), Annie (1982), Chorus Line (1985), La petite boutique des horreurs (1986), Chicago (2002 ) czy filmy Australijczyka Baza Luhrmanna : Taniec towarzyski (1992), Romeo + Julia (1996) i Moulin Rouge! (2001).
Od czasu Alam Ara (1931) Ardeshir Irani, krajem, który wyprodukował i nadal produkuje najwięcej musicali na świecie, są Indie, ponieważ większość indyjskich filmów to filmy muzyczne – poruszane wokół niemal unikalnego tematu małżeństwa. Zazwyczaj długie (trzy godziny) prezentują szalone i wesołe tańce przy rytmicznej muzyce z tradycyjnego lub nowoczesnego repertuaru indyjskiego, serwowane przez playbacki wielkich śpiewaków, takich jak Lata Mangeshkar , Asha Bhosle czy Mohammed Rafi – bo nigdy nie są aktorami filmów które interpretują piosenki.
Poza krajowym rynkiem indyjskim filmy te są pokazywane na całym świecie i cieszą się szczególnym powodzeniem w całym Maghrebie .
EgiptEgipskie kino muzyczne przeżywało swój rozkwit na przełomie lat 30. i 60. XX wieku . Pierwszym egipskim filmem mówiącym (i śpiewającym) jest Tahta daw 'al-qamar (1930) Choukri Madi . Trzy lata później film La noce blanche ( Al-Warda al-bayda , 1933) Mohammeda Karima jest decydującym krokiem, w szczególności dzięki śpiewakowi i kompozytorowi Mohammedowi Abdelowi Wahabowi . Przez trzydzieści lat kino egipskie zdominowało cały Bliski Wschód, z dziełami niekiedy niezwykle zmysłowymi i prowokacyjnymi, zwłaszcza po rewolucji 1952 r. i proklamacji republiki . Zabłyśnie wielu reżyserów: Al-Warda al-bayda , Salah Abou Seif , Ahmed Badrakhan , Yousry Nasrallah , Niazi Mostafa , Daoud Abdel Sayed , Radwan El-Kashef , Mohamed Khan ... Najsłynniejsze, ale niekoniecznie najbardziej typowe, jest Youssef Chahine , nadal aktywny.
Chociaż nakręcili tylko stosunkowo niewiele filmów, piosenkarz Oum Kalsoum i piosenkarz Mohammed Abdel Wahab dali kilka znaczących występów w kinie egipskim. Możemy też zacytować Farida El Atrache , Mohameda Fawzi , Tahia Carioca . Tancerka Samia Gamal jest również istotnym punktem odniesienia w powojennym kinie egipskim, na przykład w filmie Madame la Diablesse (1949), w którym uosabia złośliwego geniusza .
Po wojnie sześciodniowej (1967), która zachwiała zaufaniem Egipcjan do Nasera , a także po jego śmierci w 1970 roku, upadła egipska produkcja filmowa i związana z nią produkcja literacka. Okres Sadat , w którym porzucono sektor kina publicznego, oznaczał koniec złotego wieku kina egipskiego.
BrytaniaW Wielkiej Brytanii film muzyczny nigdy nie przestał istnieć, zwłaszcza w kontekście amerykańsko-brytyjskich koprodukcji. Pierwszy brytyjski film talkie, który jest również pierwszym filmem z muzyką, jest Szantaż , przez Alfreda Hitchcocka (1929). Lata 30. XX wieku dały dumne miejsce aktorom i aktorkom takim jak Arthur Askey , Cicely Courtneidge , Gracie Fields , George Formby , Jack Hulbert , Stanley Lupino , Tommy Trinder , Jack Buchanan, a zwłaszcza Jessie Matthews . Następnie możemy zacytować Beat Girl (1959) It's All Happening (1963), Złap nas, jeśli potrafisz (1965), Oliver! (1968), Scrooge (1970), Bugsy Malone (1976), Absolute Beginners (1986), Evita (1997), ale także wszystkie filmy od muzyki pop/rockowej Cliffa Richarda ( Młodzi , Wakacje ) po ruch punkowy . Wśród reżyserów, których twórczość wyróżnia się na tle amerykańskiej tradycji, wymieńmy Juliena Temple i Alana Parkera .
Monty Python często zawierają fragmenty śpiewane w swoich filmach takich jak The Meaning of Life czy The Life of Brian .
HiszpaniaDla lat 1930 - 1940 , musimy wspomnieć artystów Imperio Argentyna , Concha Piquer Estrellita Castro i Juana Reina Castrillo i dyrektorzy Florian Król , Benito Perojo , Juan de Orduña i Luis Lucia .
Okres frankistowski był raczej sprzyjający filmom muzycznym, zwłaszcza serialowi Joselito (czternaście filmów w latach 1956-1969). Hiszpańskie kino muzyczne jest bogate w kilka rejestrów: popularne piosenki, folklor, Zarzuela i flamenco , z filmami Francisco Roviry Belety ( Los Tarantos , 1963, El amor brujo , 1967) i Carlosa Saury .
NiemcyPodobnie jak we Włoszech , film muzyczny był bardzo popularny w Niemczech przed II wojną światową, ale potem stał się rzadkością lub wyjątkiem.
W latach 30. powstało kilka niemieckich filmów muzycznych, często kręconych jednocześnie w języku francuskim, a czasem także angielskim, z inną obsadą w zależności od wersji. W ciągu tej dekady Ufa wyprodukowała serię operetek filmowych, wśród których najbardziej reprezentatywne i cieszące się największym powodzeniem są Le Congrès Amuse , Le Chemin du Paradis i L'Ange Bleu . Niektóre piosenki, takie jak „ Mając dobrego przyjaciela” (Ein Freund, ein guter freund) przeszły do historii.
Opéra des quat'sous , adaptacja musicalu o tym samym tytule, została ponownie zaadaptowana do kin w 1962 roku. Piosenka Mack the Knife , angielska wersja La complainte de Mackie (Die Moritat von Mackie Messer) stała się standard jazzowy po przejęciu w latach 50. przez wielu amerykańskich artystów.
Dojście do władzy Adolfa Hitlera i partii nazistowskiej w 1933 roku przyniosło zmianę w sztuce. Droga do nieba została zakazana w 1937 r. ze względu na żydowskie pochodzenie reżysera i niektórych członków załogi. Artyści żydowscy lub ci, którzy mieli żydowskich krewnych, wyjeżdżali na wygnanie lub byli deportowani. Kurt Gerron, który grał w Błękitnym aniele i Drodze do nieba, został zamordowany w Auschwitz, podczas gdy Oskar Karlweis , Wilhelm Thiele i kompozytorzy Friedrich Hollaender ( Błękitny anioł , Ja i cesarzowa , Einbrecher ) oraz Werner R. Heymann ( Droga do Niebo , Kongres się bawi , Księżniczka na rozkaz ! , Kapitan Craddock , Blond sen … ) m.in. wyjechał z Niemiec, podobnie jak Lilian Harvey (której majątek skonfiskował reżim nazistowski). Marlène Dietrich sprzeciwiła się reżimowi nazistowskiemu i przyjęła obywatelstwo amerykańskie.
Jeśli jednak nadejście reżimu nazistowskiego w Niemczech oznacza wyobcowanie Żydów z kina, nie oznacza to zniknięcia filmów muzycznych. Przykłady obejmują Biedny student (1936), Leichte Kavallerie (1935), Capriccio (en) (1938, jeden z ostatnich niemieckich filmów, w których brała udział Lilian Harvey), Der singende Tor (1939) i Le Song of the Metropolis (1943) .
FrancjaWe Francji , po II wojnie światowej , musical reprezentowany jest głównie przez reżysera Jacquesa Demy'ego , związanego z Nową Falą . Jej pierwszym filmem muzycznym jest Lola (1961) następnie eksperyment powtórzono trzy lata później z Les Parapluies de Cherbourg , całkowicie muzycznym filmem, w którym wszystkie dialogi są śpiewane. To kamień milowy w historii filmu muzycznego.
Demy powtarza Les Demoiselles de Rochefort interpretowane w szczególności przez amerykańskiego aktora-tancerza Gene'a Kelly'ego , a następnie zdaje sobie sprawę, że Peau d'âne (1970) i wyda drugi film w całości śpiewany w tym samym duchu , co Parasolki z Cherbourga , zatytułowany Une chambre en ville . Pod koniec lat 80. nakręcił swój ostatni film, Trois places pour le 26 , zanim zmarł w wieku 59 lat.
Demy do dziś pozostaje jedynym francuskim reżyserem, który opanował sztukę filmu muzycznego i uczynił z niej swoją specjalność przez całą swoją karierę. Jego wszechświat bardzo zainspirował Damiena Chazelle'a do napisania La La Land (2016). Nie czyniąc z tego specjalności, wielu innych reżyserów próbowało muzycznych eksperymentów: Alain Resnais ( Znamy piosenkę , Pas sur la bouche ), Claude Duty ( Zagubione dziewczyny, tłuste włosy ), Olivier Ducastel ( Janna i groźny chłopak ), Pierre Koralnik ( Anna ) itp. Reżyser i scenarzysta Christophe Barratier dwukrotnie próbował tego eksperymentu, najpierw z Les Choristes en2004następnie z Faubourg 36 in2008, a także Christophe Honoré z Les Chansons d'amour (2007) i Les Bien-aimés (2011), których piosenki skomponował Alex Beaupain .
Wraz z pojawieniem się, w drugiej połowie XX th -wiecznej , prawdziwej kultury młodzieżowej, każdym pokoleniu, każdego gatunku muzycznego, przedmiotem komentarzami mniej lub bardziej istotnych, mniej lub bardziej szczerych ze strony przemysłu filmowego. Rock 'n' roll ( The Girl , beat dziewczyna ) Jak muzyka soul / rhythm and blues ( The Wiz , Blues Brothers ), przy czym muzyka country ( Najlepszy Mały Whorehouse w Teksasie ), przy czym disco ( Saturday Night Fever ), punk ( La Grande Escroquerie du Rock'n'Roll ), Hip-hop ( Beat Street ) itp.
Z kontrkultury lat 60. - 70. w Wielkiej Brytanii czy Stanach Zjednoczonych rodzą się także wywrotowe musicale i inne rockowe opery : Upiór z raju (1974), The Rocky Horror Picture Show i Tommy (1975), Hair (1979) , Mur (1982). Tutaj gatunek muzyczny nie jest już produktem, ale prawdziwym narzędziem politycznego protestu. Poniekąd to samo można powiedzieć o filmach takich jak Footloose i Dirty Dancing, które łączą muzykę, taniec i dążenie do emancypacji.
Wiele filmów muzycznych próbuje przywołać trudną podróż artysty, który wyrusza w poszukiwaniu swojego talentu: Chorus Line , French Cancan , Fame , Flashdance itp.
Oprócz tych większościowych akceptacji można wyróżnić kilka innych kategorii mieszczących się w dziedzinie filmów muzycznych, poczynając od nagrań wykonań muzycznych. W latach sześćdziesiątych, a zwłaszcza siedemdziesiątych , gatunek ten był obficie dostarczany, większość dużych miast zachodnich miała teatry poświęcone wyłącznie temu gatunkowi filmowemu. Stylistycznie filmy są bardziej dokumentalne , twórczość często ogranicza się do podzielonego ekranu , ale w czasach mniej mediów dla przekazów kulturalnych, odpowiadała na zapotrzebowanie na obrazy ze strony zagorzałej publiczności.
Archetypem gatunku jest Woodstock od Michael Wadleigh , wydany w 1970 roku , nakręcony podczas festiwalu o tej samej nazwie wSierpień 1969. Jednak wiele koncertów i festiwali zostało sfilmowanych i wyświetlonych w teatrach: The Beatles na Shea Stadium ; Jimi gra w Monterey ( Jimi Hendrix ); Gimme Shelter , Sympatia dla diabła ( The Rolling Stones ); festiwale Monterey Pop , Isle of Wight , Celebration w Big Sur . Ostatnim godnym uwagi wcieleniem tego gatunku było schwytanie, gdy Martin Scorsese zrealizował w 1978 roku pożegnalny koncert The Band : The Last Waltz . W 1987 roku film Sign O 'The Times of Prince jest jednym z ostatnich przykładów sali operacyjnej filmu koncertowego. Ekspansja rynku wideo, a następnie DVD, spowodowała, że filmy te całkowicie zniknęły z dużych ekranów.
Paradoksalnie, mimo entuzjazmu publiczności w latach 70., powstało niewiele filmów, które nie były prostymi nagraniami, ale realną inscenizacją, w obrazie iw muzyce. Oprócz kilku psychodelicznych esejów Yes , jedynym godnym uwagi dziełem pozostaje Pink Floyd: Live at Pompeii , początkowo francusko-niemiecki film telewizyjny, wypuszczony do kin w 1973 roku . Dla przypomnienia, zwróćmy jednak uwagę na specjalne programy, które Beatlesi zrealizowali w telewizji ( BBC ) na święta Bożego Narodzenia i z których pozostało przynajmniej The Magical Mystery Tour ( 1967 ), również działały w późniejszych kinach.
Wiele filmów biograficznych poświęconych jest fabularyzowanemu opisowi karier kilku artystów. Możemy przytoczyć Różę (1979), inspirowaną życiem Janis Joplin , Co miłość ma z tym zrobić (1993), dedykowaną Tinie Turner , Walk the Line (2005), dedykowaną Johnny'emu Cashowi i La Môme (2007) , poświęcony Edith Piaf . W niektórych z tych filmów muzycy odgrywają własną rolę: Glitter , z Mariah Carey , 8 Mile z Eminemem , Succeed or die with 50 Cent , Le Chant des ondés (2012) z Maurice Martenot ...
Muzycy wykorzystali swój rozgłos lub majątek, by zostać producentami, a czasem nawet reżyserami filmów muzycznych. Możemy w szczególności wspomnieć Prince'a ( Purple Rain , Under The Cherry Moon i Graffiti Bridge ), Boba Dylana ( Renaldo i Clara ), The Beatles ( Magical Mystery Tour ), czy piosenkarzy-aktorów, takich jak Serge Gainsbourg ( Je t'aime moi ani ). i Barbra Streisand .
Wielu piosenkarzy zrobiło ważną karierę w kinie, w tym w nieśpiewanych filmach: na przykład Alain Souchon , Jennifer Lopez , Eddy Mitchell , Johnny Hallyday , Frank Sinatra , Jacques Higelin , Jacques Dutronc , Cher i Marc Lavoine .
Disney , z Warner Bros. ( Głupie symfonie , 1929 ; Merrie Melodies , 1931 ), tworzy animowane i muzyczne filmy krótkometrażowe, czasem śpiewane. W 1937 roku Królewna Śnieżka i Siedmiu Krasnoludków zainaugurowała formułę utrzymywaną przez studia Disneya do początku XXI wieku , czyli pełnometrażowego filmu animowanego w kolorze, z częściami śpiewanymi. Ale powszechnie uważa się go za pierwszy animowany film fabularny Mr. Bug Goes to Town ( Mister Bug Goes to Town ) braci Maxa i Dave'a Fleischerów ( 1941 ).
Rok wcześniej, w 1940 roku , wytwórnie Disneya rozpoczęły oryginalny eksperyment z filmem Fantasia, który składa się z ośmiu sekwencji ilustrujących na ekranie utwory antologii muzyki klasycznej , od Jana Sebastiana Bacha po Igora Strawińskiego . Film jest inspirowany twórczością awangardowego filmowca Oskara Fischingera , ucznia Waltera Ruttmanna, który od początku lat 30. realizował filmy z abstrakcji geometrycznej, ilustrując Liszta czy Gershwina.
Od 1989 roku Alan Menken , komik muzyczny ze świata teatru, napisał piosenki do „wielkich filmów animowanych” Disneya, takich jak Mała Syrenka , Aladyn , Piękna i Bestia , Dzwonnik z Notre-Dame Dama , Herkules i Pocahontas . Dzięki tej współpracy Alan Menken zostanie żyjącym kompozytorem, który otrzymał najwięcej Oscarów (w sumie osiem).
W 1993 roku , Disney unowocześniane ponownie produkując komedię muzyczną w animacji głośności , The Nightmare Before Christmas , przez Henry Selick .
Wreszcie, w kontekście filmów zawierających muzykę, pieśni i taniec , film operowy jest kategorią samą w sobie. Do lat 50. produkowano zaledwie filmy operowe , a zwłaszcza pojawienie się dźwięku stereofonicznego . Herbert von Karajan realizuje niektóre hieratyczne produkcje, dla których kamery, na scenie, specyficzne dla filmu i konwencjonalne inscenizacje, w tym Aïda według Verdiego, w której Sophia Loren jest dubbingowana przez Renatę Tebaldi .
Dopiero w latach 80. pojawiły się produkcje specjalnie kinematograficzne, poczynając od potrójnej produkcji Carmen, którą Peter Brook zrealizował w 1983 roku . Umieścił operę w teatrze w nieco mniejszym formacie, ale z trzema różnymi zespołami solistów, aby umożliwić codzienne przedstawienie. Postanawia poszerzyć to doświadczenie, robiąc trzy filmy zatytułowane Tragedia Carmen , w samym teatrze, ale wykorzystując wszystkie możliwe miejsca, z trzema zespołami śpiewaków i odtwarzając inscenizację na ekran. W rolach tytułowych występują Hélène Delavault , Zehava Gal i Eva Saurova .
Kluczowym człowiekiem tego gatunku pozostaje jednak Daniel Toscan du Plantier, który w latach 80. był inicjatorem i producentem serii filmów wykorzystujących wszystkie zasoby kina w służbie opery, produkowanych w warunkach naturalnych lub naturalnych. imperatywom artystycznych i wzywając wielkich nazwisk, aby je zrealizować: Don Giovanni przez Joseph Losey w roku 1980 , Carmen przez Francesco Rosi w 1984 roku , Cyganerii przez Luigi Comenciniego w 1988 roku , Boris Godounov przez Andrzeja Żuławskiego w 1989 roku .
W tym momencie Frédéric Mitterrand wyprodukował i wyreżyserował w 1995 roku słynną Madame Butterfly .
Musical filmowy przeżywał swój pierwszy złoty wiek na początku lat 50. – chociaż było już wiele takich filmów wyprodukowanych wcześniej – wraz z wydaniem kilku filmów, które teraz stały się klasykami, takich jak Deszczowe śpiewy (1952) czy Amerykanin w Paryżu ( 1951). Gatunek charakteryzuje się adaptacją na ekran wielu musicali z kreskówek z Broadwayu . W ten sposób West Side Story otrzymał prawo do przeniesienia na ekran w 1961 roku . Ten gatunek jest coraz bardziej popularne z wydaniem kilku filmach animowanych wyprodukowanych przez Walt Disney Pictures , takich jak Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków , ale również filmów aktorskich, takich jak Roberta Stevensona Mary Poppins , którzy rozpoczętych obraz ruchu karierze. Przez Julie Andrzeja . Na ekranie pojawia się wielu aktorów sceny, w tym Gene Kelly i Fred Astaire . Ten gatunek inspiruje również wielu reżyserów, takich jak Woody Allen w „ Wszyscy mówi, że cię kocham” (1996): stawiają sobie za cel włączenie filmów muzycznych do swojej filmografii. Inni zrobili z tego swoją specjalność: wśród nich Jacques Demy i Robert Wise .
Na początku lat osiemdziesiątych gatunek ten wyczerpał się : w 1986 roku Jacques Demy, który został „dyrektorem muzycznym Nowej Fali” we Francji, wypuścił ostatni film w swojej karierze, Trois Places pour le 26 . Dopiero w latach 90. ten brak tchu zmaterializował się, filmy tego gatunku zaczęły być coraz rzadsze. Początkowo tylko jeden film muzyczny wychodzi co roku, prace tego rodzaju koncert jest rzadkością aż zniknął całkowicie w roku 2000. Poza nielicznymi wyjątkami przyciągnąć uwagę opinii publicznej jako Chicago z Robem Marshallem , Moulin-Rouge przez Baza Luhrmanna lub Les Misérables przez Toma Hoopera .
Reżyser, aktor, tancerz i piosenkarz Gene Kelly zrewolucjonizował gatunek filmów muzycznych zarówno przed, jak i za kamerą.
Stanley Donen jest jednym ze specjalistów tego gatunku w latach 60., zwłaszcza podpisując kontrakt z Deszczowym śpiewem, który jest prawdziwym sukcesem.
Robert Wise zapoczątkował karierę wielu aktorek, adaptując klasyki z Broadwayu, które przyniosły mu liczne Oscary.
Jacques Demy jest specjalistą od amerykańskich musicali w amerykańskim stylu. Na swoim koncie ma 7 filmów, w tym dwa arcydzieła: Parasole z Cherbourga i Les Demoiselles de Rochefort .
Judy Garland to jedna z pierwszych ikon gatunku. W latach 1939-1950: będzie reprezentować wizerunek piosenkarki i aktorki komedii muzycznej. Status uzyskany dzięki Czarnoksiężnikowi z Krainy Oz w 1939 roku.
Julie Andrews zadebiutowała w Brodway, zanim została poświęcona filmami takimi jak Mary Poppins (1964) i Melodia du Bonheur .
John Travolta ożywił wizerunek musicalu filmowego w latach 70. i 80. rolami w Grease i Saturday Night Fever .
W latach 60. Dick Van Dyke osiągnął rozkwit kina muzycznego filmami takimi jak Chitty Chitty Bang Bang .
Marni Nixon : Nigdy nie widzimy jej na ekranie, ale jest śpiewającym głosem Deborah Kerr w The King and Me, a także Natalie Wood w West Side Story i Audrey Hepburn w My Fair Lady .
Prawdziwa muza Jacquesa Demy : Catherine Deneuve pojawia się w prawie wszystkich swoich filmach, w tym w Les Parapluie de Cherbourg , Les Demoiselles de Rochefort i Peau d'âne , chociaż jest wokalistką.
George Chakiris wyróżnia się również jako jeden z czołowych aktorów tego gatunku dzięki filmom takim jak West Side Story, który przyniósł mu Oscara.
Angela Lansbury to mityczna postać z wczesnego złotego wieku filmu muzycznego. Występuje w nie mniej niż 4 udanych filmach muzycznych, w tym The Apprentice Witch .
Piosenkarka i aktorka: Barbra Streisand reprezentowała nowe oblicze gatunku w latach 70. dzięki filmom takim jak Hello Dolly czy Funny Girl !
Fred Astaire , pionier gatunku we wczesnych latach dwudziestych
Reżyser, aktor, tancerz i piosenkarz Gene Kelly zrewolucjonizował gatunek filmów muzycznych zarówno przed, jak i za kamerą.
Córka Judy Garland: Liza Minelli zdobywa publiczne uznanie za swoje umiejętności wokalne i aktorskie. Jego dwa największe hity pozostają Cabaret i New York, New York !
Chociaż gatunek muzyczny wydawał się martwy na początku 2000 roku, wielu reżyserów próbowało go przywrócić. Tak było na przykład z Bazem Lhurmannem, który próbował eksperymentów w tej dziedzinie, inscenizując np. Moulin Rouge! który był pierwszym juboxowym musicalem w kinie. Dwóch francuskich reżyserów próbowało tego gatunku: Alain Resnais, który podpisał trzy filmy muzyczne, oraz Christophe Barratier . To był czas, kiedy Disney Channel kontynuował próby swoich sił w gatunkach, bez większych sukcesów, może z wyjątkiem sagi High School Musical . Inni wielcy reżyserzy próbowali swoich sił w gatunkach jednakże bez dokonywania to ich specjalność: Tim Burton z Sweeney Todd , czy Stephen Daldry Billy Eliott.
Drugi złoty wiek muzycznego filmu rozpoczyna się w 2014 roku wraz z wydaniem filmów do lasu przez Roba Marshalla z tytułowego musicalu i Jersey Boys przez Clinta Eastwooda . Dwa lata później wraz z wydaniem La La Land przez Damien Chazelle , gatunek ten jest znowu w modzie. Film wywołał prawdziwy szał wśród publiczności i prasy miażdżącym zwycięstwem filmu fabularnego na 89. Oscarach, który zrówna się z rekordem w nominacjach filmów: Titanic i Eve . Rok później studia Disneya opublikowała przeróbki rodzaje filmów animowanych : Piękna i Bestia przez Bill Condon lub Księga Dżungli przez Jona Favreau, które były znaczące sukcesy kasowe .
W 2018 roku, gatunek muzyczny robi prawdziwy comeback z odpowiednimi wersjami największych showman przez Michaela Gracey , Mamma Mia! Znowu się przez Ol Parker , ale szczególnie wersje remake'u A Star is Born przez aktora-reżysera Bradley Cooper . Ten nowy złoty wiek charakteryzuje się również z wydaniem filmu Powrót Mary Poppins przez Roba Marshalla .
We Francji, nowy złoty wiek charakteryzuje premierze filmu Guy przez Alex Lutz, który jest nominowany 6 razy do Cezarów i wygrał 2. W Stanach Zjednoczonych ten gatunek nabiera tempa. Tak rodzi się gwiazda (czwarty remake filmu z Judy Garland), Powrót Mary Poppins są nominowane do Oscara i Złotych Globów, ale zostają pokonani przez Bohemian Rhapsody Bryana Singera i Dextera Fletchera (niewymieniony w czołówce). Od roku 2019 ten gatunek kinematografii poszerza swoje horyzonty dzięki odpowiednim premierom Rocketmana Dextera Fletchera (już pracującego nad Bohemian Rhapsody ), który jest wybierany jako film otwierający Festiwal Filmowy w Cannes . W ślad za Aladdin remake'u z Guy Ritchie jest w kinach i to jest znowu kruszenia zwycięstwo dla studia Disneya w kasie. Z entuzjazmem reżyserzy John Favreau i Steven Spielberg ogłaszają wydanie dwóch nowych produkcji muzycznych. Favreau zapowiada, że będzie reżyserował remake Króla Lwa , a Spielberg pracuje nad nową adaptacją West Side Story z Anselem Elgortem w roli głównej oraz produkcją adaptacji Koty Toma Hoopera (reżysera nagradzanych filmów Nędznicy i Mowa o król ).
Po krytycznym i publicznym niepowodzeniu Kotów , nieobecnym na Oskarach i Złotych Globach, oraz po ogromnych sukcesach, jakie odniosły filmy Bohemian Rhapsody , Rocketman, a nawet Judy , wielkie hollywoodzkie firmy produkcyjne, takie jak Disney / Fox i Paramount, postanawiają stworzyć mnóstwo muzycznych biografii , z których ostatni to Going Electric z Timothée Chalametem .
Druga część tego złotego wieku charakteryzuje się powstaniem przeróbek przez Disneya, adaptacją musicali z Broadwayu czy West-Endu i wreszcie powstaniem muzycznych seriali telewizyjnych, takich jak Schmigadoon! . To złoty wiek, który charakteryzuje przede wszystkim poszukiwanie nowych pomysłów. Dla niektórych specjalistów ten powrót gatunku tłumaczy się tym, że film muzyczny jest kinem kryzysu, a różne wydarzenia kryzysów są coraz bardziej obecne.
Od roku 2020 ten gatunek jest definitywnie zrehabilitowany wraz z wydaniem filmu Annette Leosa Caraxa, który otrzymuje Wielką Nagrodę Jury na Festiwalu Filmowym w Cannes, a następnie te D'ou ont pochodzą od Jon Chu, Tick Tick Boom i Tralala braci Larrieux.
Baz Luhrmann jest również jednym z pierwszych, którzy chcą ponownie zwrócić uwagę na ten gatunek. Jego pierwszy musical Moulin Rouge , wydany w 2001 roku, będzie rozpoznawany na całym świecie i uczczony w szczególności licznymi nominacjami do Oscara.
Z 5 filmami muzycznymi na swoim koncie Rob Marshall stał się jednym ze specjalistów w tym gatunku, a jego największymi przebojami są Chicago i The Return of Mary Poppins . Był także nominowany do Oscara za najlepszą reżyserię w 2002 roku.
Na długo przed rozpoczęciem tworzenia musicali dla teatrów płodny producent Ryan Murphy zrewolucjonizował mały ekran dzięki serialowi muzycznemu Glee . W kinie zawdzięczamy mu w szczególności realizację The Prom .
Znakomity specjalista w tym gatunku, Damien Chazelle tchnął nowe życie w gatunek filmów muzycznych w 2010 roku filmami La La Land i Whiplash .
Kenny Ortega debiutuje w kinie filmem Newsies, który jest porażką. Od tego czasu ugruntował swoją pozycję przede wszystkim w High School Musical and Descendants .
We Francji, Christophe Barratier ( Chór ) pozostaje jednym z niewielu tych, którzy korzystają sukces filmów muzycznych na początku XXI -go wieku.
Nazywana „królową musicali” Meryl Streep stała się specjalistką w tym gatunku z 8 filmami na swoim koncie.
W obliczu odrodzenia gatunku na Broadwayu Lin-Manuel Miranda jest teraz ilustrowany w kinie z kilkoma projektami muzycznymi, w tym Hamilton i The Little Mermaid .
Amanda Seyfried zostaje ujawniona przez Mamma Mię i od tego czasu często pojawia się w musicalach dla kina.
Pochodzący z Broadwayu: Hugh Jackman zagrał w dwóch głównych utworach tego gatunku: Les Misérables w 2012 roku i The Greatest Showman w 2017 roku.
James Corden jest wielkim zwyczajem tego gatunku i pojawił się w czterech filmach muzycznych, w tym w The Prom, za którą był nominowany do Złotych Globów.
Emily Blunt została również specjalistką, współpracując dwukrotnie z reżyserem Robem Marshallem .
Nicole Kidman zawdzięcza swoją konsekrację filmowi Moulin Rouge , a następnie zagrała w 2 innych filmach.
Jennifer Hudson, kolejna wspaniała postać, rozkwitła w tym gatunku, zdobywając Oscara dla najlepszej aktorki drugoplanowej w 3 nakręconych filmach.