Maniera Północna lub Northern manieryzm odnosi się do form manieryzmu w sztukach wizualnych na północ od Alp między XVI TH i początku XVII -tego wieku.
Od połowy stulecia we Francji, zwłaszcza w latach 1530-1550, w Pradze od 1576 r., A w Holandii w latach 1580 , zwłaszcza w zdobieniach architektonicznych, w dużej mierze wywodzi się z włoskiej manieryzmu .
W ciągu ostatnich piętnastu lat od XVI -tego wieku, kiedy manieryzm jechał z mody we Włoszech, to jest powszechne, dzięki w dużej części wydruków, poprzez północnej Europie. W malarstwie, to ma tendencję do szybkiego spadku, z XVII -tego wieku, pod wpływem Caravaggia i pierwszym baroku . Jednak w architekturze i sztuce dekoracyjnej jego wpływ był trwalszy.
Wyrafinowana sztuka włoskiego manieryzmu rozwinęła się w latach dwudziestych XV wieku jako reakcja na klasyczny styl renesansowy. Jak wyjaśnia historyk sztuki Henri Zerner : „Pojęcie manieryzmu - tak ważne dla współczesnej krytyki, a zwłaszcza dla odnowionego zamiłowania do sztuki Fontainebleau - określa styl w opozycji do klasycyzmu włoskiego renesansu. Po raz pierwszy ucieleśniony przez Andreę del Sarto we Florencji i Rafaela w Rzymie ”.
Artyści manieryzmu włoskiego łamali konwencje renesansu, często we współudziale włoskiej publiczności, która była bardzo dobrze zaznajomiona z wcześniejszymi stylami renesansu. Nie miało to miejsca w Europie Północnej, gdzie dominującym stylem pozostał gotycki. W pierwszych dziesięcioleciach XVI -tego wieku, kilka międzynarodowych artystów takich jak Albrecht Dürer , Hans Burgkmair starszy i innymi w Niemczech, a także szkoła nazwa myląca Antwerpii manieryzmu , prowadzonych między różnych syntez i renesansu gotyckich. W Romanists , wiele z których głównym przedstawiciele pojechała do Włoch, były bardziej całkowicie pod wpływem włoskiej sztuki renesansowej i aspektów manieryzmu. Flamandzki obraz ogólnie jest najbardziej zaawansowany w północnej Europie od XV th wieku, najlepiej flamandzkich artystów były w stanie lepiej śledzić, choć z opóźnieniem, włoską ewolucję.
Problem tylko narastał z każdym nowym pokoleniem artystów: w miarę jak prace produkowane na północy stopniowo przyswajały aspekty stylu renesansowego, najbardziej zaawansowana sztuka włoska weszła w eskalację złożoności i celowego wyrafinowania, który musiał wydawać się tworzyć świat. dla klientów i artystów z północy, którzy mimo to cieszyli się renomą i prestiżem niemożliwym do zignorowania.
Francja otrzymała bezpośredni wkład w stylu włoskim dzięki pierwszej szkole Fontainebleau, w której od 1530 r. Kilku florenckich artystów tej klasy zostało zaangażowanych, wraz z kilkoma francuskimi asystentami, do dekoracji zamku Fontainebleau . Najbardziej znani z tych artystów to Rosso Fiorentino , Le Primatice i Nicolò dell'Abbate , z których wszyscy pozostali we Francji aż do śmierci. To spotkanie dało początek francuskiemu stylowi zmieszanemu z silnymi elementami manierystycznymi, który mógł następnie w dużej mierze rozwijać się niezależnie. Na przykład Jean Cousin the Elder malował dzieła, takie jak Eva Prima Pandora i Charity , których kręcone i wydłużone akty są wyraźnie inspirowane artystycznymi zasadami szkoły Fontainebleau. Jego syn, Jean Cousin the Younger , którego większość dzieł nie przetrwała, a Antoine Caron zastąpił go w tej tradycji, tworząc niespokojną wersję estetyki manierystycznej w kontekście wojen religijnych . Ikonografia dzieł figuratywnych była przede wszystkim mitologiczna, ze szczególnym uwzględnieniem łowczyni Diane w nawiązaniu do pierwotnej funkcji Fontainebleau, ale także imienniczki Diane de Poitiers , kochanki i muzy Henryka II, a ponadto namiętnej myśliwej. . Jej szczupła, atletyczna twarz i długie nogi „są utwierdzone w erotycznej wyobraźni”.
Nawet bez tak szerokiego kontaktu z włoskimi artystami, inne części północnej Europy odczuły wpływ stylu manierystycznego poprzez grafiki i prace ilustrowane, podróż artystów po Włoszech, indywidualny przykład włoskich artystów ćwiczących w tych krajach. oraz nabywanie dzieł włoskich przez władców i innych.
Wiele z najważniejszych prac w Fontainebleau przybrało formę płaskorzeźb sztukatorskich, często wykonywanych przez francuskich artystów na rysunkach Włochów (następnie reprodukowanych jako ryciny). Styl Fontainebleau dotknął rzeźby francuskiej silniej niż malarstwo francuskie. Wydaje się, że to Medardo Rosso stał się źródłem stylu, w którym olbrzymie stiukowe ramy dominują w obrazach z maswerkami ozdobionymi olśniewającymi płaskorzeźbami, girlandami z owoców i obfitością postaci nagich nimf, i który wywarł ogromny wpływ na słownictwo zdobnicze. manieryzmu w całej Europie, rozpowszechniany przez książki i druki ozdobne Jacques I st Androuet Hoop i inne. W meblarstwie, meble z drewna orzechowego w wysokim stylu, wykonane w ośrodkach miejskich, takich jak Paryż i Dijon, z przyjemnością dekorowały kredensy i kredensy przeplatanymi ramami i rzeźbionymi wspornikami. W ceramice estetyka ceramiki z Saint-Porchaire , tajemniczej i wyrafinowanej, z której zachowało się tylko około sześćdziesiąt sztuk, jest podobna.
Oprócz samego Fontainebleau, inne ważne budynki urządzone w stylu manierystycznym to Chateau d'Anet (1547-1552) dla Diane de Poitiers i części Luwru . Z wyjątkiem portretu styl ten promował mecenat artystyczny Katarzyny Medycejskiej, której regularne festiwale dworskie jako jedyne na północy konkurowały z wejściami i przerywnikami, bardzo zależnymi od sztuk wizualnych, dworem Medyceuszy we Florencji. Po przerwie u szczytu wojen religijnych, gdy praca w Fontainebleau została zaniechana, miejscowi artyści dali początek „drugiej szkole Fontainebleau” w latach 90-tych XV wieku.
W przeciwieństwie do artystów z Fontainebleau czy Pragi, manieryzm był dla artystów ostatniej flamandzkiej fazy ruchu tylko fazą, przez którą przeszli, zanim przeszli do stylu, na który wpłynął Caravaggio.
Dla największego grawera swoich czasów, Hendrika Goltziusa , jego najbardziej manierystyczna faza, pod wpływem Bartholomeusa Sprangera , trwała tylko przez pięć lat między 1585 r., Kiedy to wyrył swój pierwszy rycinę po jednym z rysunków Sprangera przywiezionych z Pragi przez Carel van Mander , aż do podróży do Rzymu w 1590 roku, z której wrócił „zmieniony artysta”. Od tego czasu zaprzestał wykonywania rycin opartych na ekstrawagancjach Sprangera. Mężczyźni o potwornych muskulaturach i kobiecych aktach o nieproporcjonalnie wydłużonych proporcjach z drobnymi głowami ustępują miejsca figurom o bardziej normalnych proporcjach i ruchach. Twórczość Sprangera „odniosła znaczący i natychmiastowy efekt na północy Holandii”, a artyści z innych miast naśladowali grupę znaną jako „manierystycy z Haarlemu”, w tym Goltzius, van Mander i Cornelis Cornelisz van Haarlem .
Częściowo dlatego, że większość jego flamandzkich uczniów widziała dzieło Sprangera tylko poprzez przeważnie bardzo swobodne ryciny i rysunki, nie przyjęli jego bardziej malarskiego stylu i zachowali technikę. Szkolenie było bardziej precyzyjne i realistyczne. Wielu manierystów holenderskich mogło zmienić styl w zależności od tematu lub zlecenia, aby nadal tworzyć portrety i sceny rodzajowe w stylu opartym na lokalnej tradycji, jednocześnie pracując nad obrazami w bardzo manierystycznym stylu. Spokojniejszy protobarokowy styl klasyczny, do jakiego ewoluował Goltzius po powrocie z Włoch, wywarł wpływ na wielu innych artystów.
Założony w Utrechcie po powrocie z Włoch w 1590 roku, Joachim Wtewael , który był pod większym wpływem włoskich manierystów niż z Pragi, nadal tworzył sceny kuchenne i portrety obok swoich nagich bóstw. W przeciwieństwie do wielu, zwłaszcza jego rodaka z Utrechtu, Abrahama Bloemaerta , po uformowaniu repertuaru stylistycznego Wtewaela nie zmienił go aż do śmierci w 1631 roku.
Tradycyjne realistyczne style Północy, które rozwijały się dzięki Pieterowi Brueghelowi Starszemu i innym artystom, dominując w malarstwie od holenderskiego Złotego Wieku do następnego stulecia, również stanowiły alternatywę dla malarzy z tych krajów. Pomimo wizyty we Włoszech Brueghela z pewnością nie można nazwać manierystą, ale podobnie jak jego obrazy były chętnie zbierane przez Rudolfa, manierystyczni artyści, w tym Gillis van Coninxloo i Jan Brueghel Starszy , podążali za nim w rozwoju krajobrazu jako tematu. . Malarstwo pejzażowe zostało uznane za holenderską specjalność we Włoszech, gdzie osiedlili się kilku malarzy pejzaży północnych, takich jak Paul i Matthijs Bril , a także Niemcy Hans Rottenhammer i Adam Elsheimer , który stanowił ważną postać wczesnego baroku. Większość nadal malowała flamandzkie panoramy z wysokiego punktu widzenia, z małymi postaciami tworzącymi precyzyjny temat, ale Gillis van Coninxloo podążał za pierwszą szkołą naddunajską i Albrechtem Altdorferem w tworzeniu czystych krajobrazów leśnych widzianych z bliska w jego pracach z około 1600 roku, które zostały wykonane podjął się m.in. jego uczeń Roelandt Savery . Bloemaert namalował wiele krajobrazów, godząc te typy, łącząc drzewa z bliska, z postaciami i małym odległym widokiem z jednej strony. Wczesne krajobrazy Paula Brilla były wyraźnie manierystyczne w swej sztuczności i przeładowanych efektach dekoracyjnych, ale po śmierci brata stopniowo ewoluował, być może pod wpływem Annibale Carracci , w bardziej powściągliwy i bardziej realistyczny.
W tym okresie pojawił się także gatunek martwej natury , przedstawiający głównie kwiaty i owady, zmieniając kierunek tradycji odziedziczonej po ostatnich flamandzkich miniaturystach, w którym malował także Jan Brueghel Starszy. Tematyka ta była faworyzowana zarówno przez klientów arystokratycznych, jak i przez rynek burżuazyjny, który był znacznie większy w Holandii, zwłaszcza na protestanckiej północy, po powstaniu ludowym, gdzie popyt na dzieła religijne praktycznie nie istniał.
Carel van Mander, dziś lepiej znany przede wszystkim jako pisarz sztuki niż artysta, aprobując włoską hierarchię gatunków, która stawia malarstwo historyczne na szczycie, był bardziej gotowy niż Vasari i inni włoscy teoretycy - zwłaszcza Michel-Ange, który lekceważył formy sztuki, które uważał za „gorsze” - akceptował wartość innych specjalności artystycznych i akceptował fakt, że wielu artystów się w nich specjalizuje, jeśli ich talent do nich prowadzi. Na przełomie wieków specjalizacja wielu artystów zajmujących się różnymi gatunkami była bardzo zaawansowana zarówno w Holandii, jak iw Pradze, jak pokazali dwaj synowie Bruegla, Jan i Pieter, chociaż obaj mieli więcej specjalizacji w swojej karierze, która w tamtych czasach też było powszechne. Chociaż handlarze dziełami sztuki mogli kupować krajobrazy, sceny z życia chłopskiego, pejzaże morskie i martwe natury, aby gromadzić zapasy, a wciąż istniał popyt na dobre portrety, popyt na obrazy był mniejszy niż potencjalna podaż, a wielu artystów, podobnie jak Cornelis Ketel , zostali zmuszeni do specjalizacji w portretach: „artyści idą tą drogą bez przyjemności” - twierdzi van Mander.
Malarze manierystyczni z obecnie trwale odseparowanych południowych prowincji Habsburgów Flandrii znajdowali się w rzeczywistości pod mniejszym wpływem Pragi niż ci ze Zjednoczonych Prowincji. Mieli łatwiejszy dostęp do Włoch, gdzie Denis Calvaert mieszkał od dwudziestego roku życia w Bolonii, chociaż większość jego prac sprzedawano we Flandrii. Byli tam zarówno Maarten de Vos, jak i Otto van Veen ; Van Veen, który faktycznie pracował w Pradze Rudolfa, był założycielem Guild of Romanists , klubu artystów z Antwerpii, którzy odwiedzili Rzym. Byli bardziej świadomi najnowszych trendów w sztuce włoskiej i pojawienia się stylu barokowego, który wkrótce ogarnie sztukę flamandzką z Rubensem , uczniem Van Veen w latach 1594-1598. do najbardziej ekstremalnych wirtuozów manieryzmu, do dekretów Soboru Trydenckiego w kierunku jaśniejszego, bardziej monumentalnego stylu, porównywalnego z wielką włoską manierą . Na przykład w ołtarzach de Vosa „umiarkowana maniera wiąże się z preferowaniem narracji bardziej zgodnej z tradycją flamandzką”.
Ryciny były ważnym środkiem upowszechniania stylu manierystycznego. Styl manieryzmu północnego „wspaniale nadawał się do grafiki i inspirował produkcję kolejnych arcydzieł grafiki”. Podczas fali manierystycznej Goltzius był już najsłynniejszym grawerem w Holandii i pomimo zakłóceń wojny, on i inni flamandzcy graficy byli podłączeni do wydajnych kanałów dystrybucji w całej Europie, pierwotnie skupionych w Antwerpii, utworzonych w ciągu ostatnich pięćdziesięciu lat. lat.
To samo nie miało miejsca w przypadku grawerowania w Fontainebleau, gdzie na poziomie technicznym jakość wydruków (wyjątkowo wszystkie grawerowane z tego okresu), wykonanych w okresie intensywnej działalności około 1542-1548 w niewielkiej liczbie i szczególnie obecny we Francji, był raczej nierówny. Lepszej jakości druki wykonane w Paryżu od około 1540 do 1580 roku były szerzej rozpowszechniane. Najwyraźniej zaczerpnięte bezpośrednio z rysunków do dekoracji pałacu, większość rycin Fontainebleau składała się w całości lub w dużej mierze z ozdobnych ramek lub kartuszy, chociaż rozmiar Fontainebleau był taki, że mogły one zawierać kilka pełnowymiarowych figurek. Wariacje na temat skomplikowanych ramek, jakby były wykonane z pergaminu cięcie, walcowanie i przebił w ozdobnych planów kadrowania, grawerowane strony tytułowe i rzeźbione meble i inkrustowane, zostały przedłużone do XVII th wieku.
Manierystyczny drukowany ornament, który w nieco szerszym tego słowa znaczeniu był znacznie łatwiejszy do wykonania, niż ryzykowne zastosowanie skrajnej manieryzmu do dużych kompozycji figurowych, dobrze rozprzestrzenił się po Europie. Przed malowaniem w formie obrazów, grafik, portretów, okładki książek, podobnie jak wyszukane drzwi i kominki architektury manierystycznej, ozdobne książki dla artystów i rzemieślników oraz emblematy do książek. Na podstawie tych prac złotnicy, twórcy mebli i obrazów oraz rzemieślnicy wielu innych rzemiosł opracowali nomenklaturę ornamentu manierystycznego. Dietterlin za praca , Architectura de 1593-4, produkowane w stosunkowo izolowanych mikrokosmos Strasburgu, stanowi najbardziej ekstremalnych stosowanie stylu manierystycznym do ozdoby architektoniczne.
W sztuce zdobniczej złotnictwo północne było naturalnym nośnikiem wizualnej werwy i wyrafinowania manieryzmu. Rozwój biżuterii z kamieni szlachetnych i kolorowych emalii, w których zdeformowane koraliki zwane „barokowymi” mogą tworzyć ludzkie i zwierzęce torsy, zarówno jako ozdoby osobiste, jak i przedmioty godne ciekawostki , ma przede wszystkim styl dworski. Ewersa i wazony cechą fantasmagoryczny kształtach, jak kubki z onyksu lub agat misy, solniczki i opracowane na Saliera przez Benvenuto Cellini , wierzchołka manierystycznym złotnictwa, ukończony w 1543 roku François I st przed uzyskaniem do innego wielkiego kolektora, Ferdinand Tyrolu . Wenzel Jamnitzer i jego syn Hans, złotnicy wielu świętych cesarzy rzymskich, w tym Rudolfa, nie mieli sobie równych na północy. Złotnicy robili zakryte kubki i dzbany oraz bogato kute tace, ściśle przeznaczone do widowisk, być może zawierające duże muszle, teraz przywiezione z tropików i „uważane za sztukę stworzoną przez naturę”. W Holandii rodzina złotników van Vianen rozwinęła „ unikalny anamorficzny styl uszny ” wykorzystujący wykrzywienia i antyarchitektoniczne wzory chrzęstne.
Rzeźbiarze manierystyczni wytwarzali brązy naturalnej wielkości, ale większość ich produkcji składa się z odbitek małych brązów, często pomniejszonych wersji dużych kompozycji, przeznaczonych do trzymania i obracania w dłoni dla uznania. Sięgali też do małych płaskorzeźb z brązu, często złoconych, w różnych kontekstach, np. Na koronie cesarza Rudolfa II .
Po sukcesie brukselskich gobelinów utkanych z kreskówek Raphaela manierystyczni malarze, tacy jak Bernard van Orley i Perin del Vaga, zostali wezwani do zaprojektowania kreskówek w stylu manierystycznym do gobelinów w warsztatach w Brukseli i Fontainebleau. Kompozycje obrazkowe utrzymane w manierystycznym smaku pojawiły się także w emaliach z Limoges. Moreski, festony i girlandy owocowe inspirowane groteskowymi ornamentami znalezionymi w starożytnym Rzymie, po raz pierwszy wystawione w pokojach Rafaela , zostały rozpowszechnione poprzez grawerowanie w ozdobnej nomenklaturze wyrażonej na północy mniej w takich freskach, a bardziej w gobelinach i na granicy iluminacji.
We Francji manierystyczne formy i dekoracje ceramiki Saint-Porchaire były produkowane w ograniczonych ilościach dla ograniczonej mody - świadomej klienteli od lat dwudziestych do czterdziestych piętnastego wieku, podczas gdy przeładowane kompozycje, niepokojący realizm z ich wężami i ropuchami, charakteryzują manieryzm malowane tace gliniane Bernarda Palissy'ego . Podobnie jak Jamnitzerzy, Palissy od czasu do czasu tworzył odlewy małych stworzeń i roślin, aby zastosować je do swoich dzieł.
Związek między manieryzmem, religią i polityką jest bardzo złożony. W XVI -tego wieku, ogromne wstrząsy, jak protestanckiej reformacji kontrreformacji , wojen religijnych i holenderskiego buntu dotknięte północnej Europie w tym czasie zakończył maniera Północna. Ten ruch artystyczny tworzył dzieła religijne, ale kiedy to robił, bagatelizował te tematy, traktując je ogólnie w duchu tak samo sprzecznym z duchem kontrreformacji, by kontrolować sztukę katolicką. reprezentacja religijna.
W przypadku Pragi Rudolfa i sztuki francuskiej drugiej połowy stulecia świecka i mitologiczna sztuka manierystyczna była po części celową próbą stworzenia sztuki, która uwodzi poza religijne i polityczne podziały. Jednocześnie manieryzm w czasach swojej świetności był na ogół stylem dworskim, często używanym do celów propagandy monarchicznej, a każde skojarzenie z niepopularnymi władcami groziło zdyskredytowaniem go. Podczas gdy tolerancja Rudolfa wydawała się unikać tej pułapki w Niemczech i Czechach, kalwiniści, francuscy patrioci i Holandia zaczęli kojarzyć manieryzm z ich niepopularnymi katolickimi władcami na przełomie wieków.
Wydaje się, że niektóre dzieła manierystyczne odzwierciedlają, ale pod świecidełkiem okresu klasycznego, przemoc swoich czasów. Na przykład Antoine Caron odszedł od konwencji, podejmując temat masakr pierwszego triumwiratu (1562, Luwr) jako temat podczas wojen religijnych, podczas gdy te sceny, które wydają się zapowiadać, z sześcioletnim wyprzedzeniem, te z Saint-Barthélemy z 1572 roku były częstym zjawiskiem w jego czasach. Według historyka sztuki Anthony'ego Blunta , Caron stworzył „prawdopodobnie najczystszy znany typ manieryzmu w swojej eleganckiej formie, odpowiedni dla uroczego, ale neurotycznego społeczeństwa arystokratycznego”. Jego szkice do gobelinów Valois , które nawiązują do triumfalistycznej opowieści o arrasach Scypiona zaprojektowanych przez Giulio Romano dla François I er , są ćwiczeniem propagandowym dla monarchii Valois, ilustrując splendor ich dworu w czasach, gdy groziło mu zniszczenie przez cywilów. wojna. Jedyny zachowany obraz Jeana Cousina Młodszego, Sąd Ostateczny , jest jednocześnie komentarzem do wojny domowej, która zdradza „typowo manierystyczną skłonność do miniaturyzacji”: maleńkie nagie istoty ludzkie „wiją się po ziemi jak robaki”, podczas gdy z góry Bóg osądza ich tutaj poniżej.
Barokowa niż manierystyczna Rzeź niewiniątek Cornelisa van Haarlema może być związana ze wspomnieniami z dzieciństwa o morderstwach garnizonu Haarlem, w którym mieszkał w latach 1572-3, po oblężeniu. Rudolph, który nie nabył manierystyczny wersji tego samego tematu, Rzeź niewiniątek przez Bruegla Starszego , czy objąć większość dzieci zmasakrowani przez gęsi, cieląt, sery i inne mniej niepokojące łupów. Ogólnie malarstwo manierystyczne kładzie nacisk na spokój i harmonię, rzadziej wybiera tematy bitewne niż renesans czy barok.
Manierystycznym sposobem kilku artystów na zilustrowanie innego tematu spopularyzowanego przez Brueghela Młodszego , głoszącego na pustyni świętego Jana , było stworzenie z niego bujnego krajobrazu, ponieważ ten temat przypominał holenderskim protestantom lata przed i podczas buntu, gdzie powinni podążać kult, musieli spotykać się na wsi poza miastami kontrolowanymi przez Hiszpanów.
Francuscy artyści pod wpływem pierwszej szkoły Fontainebleau:
Jean Cousin the Elder (1500-ok. 1590); Jean Goujon (ok. 1510 - po 1572) rzeźbiarz i architekt; Juste de Juste (ok. 1505-ok. 1559), rzeźbiarz i rytownik; Antoine Caron (1521-1599), szklarz, ilustrator i malarz.Ciągłość tradycji francuskiej:
Germain Pilon (ok. 1537-1590), rzeźbiarz; Rodzina Androuet Hoop , architekci Jacques I er , wprowadzający manierystyczny ornament; Jean Cousin the Younger (ok. 1522-1595), malarz; Toussaint Dubreuil (ok. 1561-1602), druga szkoła w Fontainebleau.Na zlecenie Rodolphe II :
Giambologna (1529-1608), flamandzki rzeźbiarz mieszkający we Florencji; Adrien de Vries (1556-1626), rzeźbiarz flamandzki, uczeń Giambologna, który pracował w Pradze; Bartholomeus Spranger (1546-1611), malarz flamandzki, główny malarz Rudolfa; Hans von Aachen (1552-1615), malarz niemiecki, tematy i portrety Rudolfa; Joseph Heintz the Elder (1564-1609), szwajcarski uczeń Hansa von Aachen; Paul van Vianen , holenderski złotnik i artysta; Egidius Sadeler , malarz, głównie rytownik; Wenzel Jamnitzer (1507 / 8-1585) i jego syn Hans II i wnuk Christof, niemieccy złotnicy; Joris Hoefnagel , zwłaszcza w przypadku miniatur przyrodniczych; Roelandt Savery , krajobrazy ze zwierzętami i martwą naturą.W Holandii:
Herri met de Bles (1510-1555 / 60), pejzażysta, przed innymi; Carel van Mander , najbardziej znany dziś jako biograf artystów holenderskich; Hendrik Goltzius (1558-1617), główny rytownik tego okresu, a następnie malarz w stylu mniej manierystycznym; Cornelis van Haarlem (1562–1651), flamandzki malarz i projektant; Hubert Gerhard (ok. 1540 / 1550-1620), holenderski rzeźbiarz; Joachim Wtewael (1566-1638), rytownik, potem malarz; Jan Saenredam , głównie grawer; Jacques de Gheyn młodszy , głównie rytownik; Abraham Bloemaert (1566-1651), manierystyczny malarz i rytownik na początku swojej kariery, zanim przeniósł się do Caravaggio; Hans Vredeman de Vries (1527-ok. 1607), architekt, projektant ozdób, pisał o ogrodach.Flamandzki:
Malarz Denis Calvaert (1540-1619), pracował głównie we Włoszech, głównie w stylu włoskim, a także: Paul i Matthijs Bril (1550-1583), głównie malarze pejzażowi; Maarten de Vos (1532-1603), malarz o tematyce religijnej, alegorycznej, historycznej i portretowej, założyciel Bractwa Romanistów; Otto van Veen (1556-1629), manierystyczny malarz i teoretyk sztuki.Inne:
Hans Rottenhammer (1564-1625) monachijski malarz pejzażowy, który spędził kilka lat we Włoszech; Wendel Dietterlin (ok. 1550-1599), niemiecki malarz, najbardziej znany z pracy nad dekoracją architektoniczną; Jacques Bellange (ok. 1575-1616), malarz na dworze lotaryńskim, którego dzieła przetrwały jedynie dzięki rycinom ; Bartholomeus Strobel (1591-ok. 1550), niemiecki malarz portretów, ale także scen religijnych, na Śląsku, potem w Polsce.