Termin nihonga (日本 画 ) , lub nihon-ga , dosłownie oznacza " japońskie ( ga ) malarstwo ( nihon )". Jest to japoński ruch artystyczny, który pojawił się w latach 80. XIX wieku, w erze Meiji . Pod tą nazwą spełnione obrazy pojawiły się od końca XIX th wieku, wykonane zgodnie z konwencjami, technik i materiałów japońskiego malarstwa „tradycyjnej”. Do ich pojawienia się przyczyniły się badania pierwszego japońskiego historyka sztuki, Okakura Kakuzō (Tenshin) (autora Księgi herbaty w 1906 r.) oraz japońskich malarzy, we współpracy z amerykańskim uczonym Ernestem Fenollosa , sam japonologiem .
Te japońskie obrazy, od lat 80. XIX wieku, były wykonywane zgodnie z tradycyjnymi japońskimi konwencjami artystycznymi, technikami i materiałami, ale z pewnymi innowacjami. Chociaż opiera się na tysiącletnich tradycjach, termin ten został ukuty w erze Meiji , aby odróżnić takie dzieła od malarstwa w stylu zachodnim lub jogi (画), która stała się modna w Japonii. Ale niektóre zapożyczenia z tego obcego malarstwa były od początku dobrze przemyślane przez młodych japońskich intelektualistów i artystów, w stałym dialogu z zapalonym człowiekiem Zachodu, Ernestem Fenollosa.
Słowo nihonga oznaczające " malarstwo japońskie ", mogłoby zakwalifikować każdy obraz wykonany w Japonii. Ale jego znaczenie dzisiaj najczęściej odnosi się do ruchu określonej ukazał się w Kioto w ostatnich latach XIX th wieku. Malarstwa szkoły uznanych przez tego ruchu są: Yamato-e (japoński styl klasyczny pojawił się w okresie Heian , do IX th wieku), Nanga (dziedziczka, Japonia, malowanie School of South China) i Maruyama Okyo-ha ( z XVIII -tego wieku, na podstawie rysunku życie). Maruyama Ōkyo (1733-1795) zintegrował już elementy chińskiego naturalizmu ( Shen Quan , w Nagasaki w latach 1731-33) i zachodniego, być może w odniesieniu do płyt botaniki i zoologii, a także przez użycie zaadaptowanej camera obscura w Japonii, zatem z perspektywy i wreszcie z cienia. Dla tego nurtu malarstwo nie polegało na odtwarzaniu starych form, ale na integrowaniu w nie elementów sztuki zachodniej w bardzo charakterystycznym dla epoki Meiji duchu .
Western pojęcie „plastyki”, ponieważ jest zbudowany w XVIII -tego wieku w odniesieniu do klasyfikacji kantowskiej nie istnieje w Japonii. Neologizm bijutsu powstał więc z tej okazji, z okazji pierwszej Powszechnej Wystawy, w której uczestniczyła Japonia, w Wiedniu w 1873 roku . Wcześniej nie było hierarchicznego podziału na sztukę szlachecką i wytwórczą, chociaż tradycja literacka , która miała pewien wpływ w Japonii, a także sztuki rozrywkowe, takie jak kaligrafia, malarstwo i muzyka, miały szczególny status. Ta koncepcyjna reorganizacja doprowadziła władze do wykluczenia pewnych gatunków z oficjalnych salonów malarskich: takich jak malarstwo satyryczne, popularne obrazy Ōtsu czy malarstwo erotyczne. Debaty będą trwały aż do Wystawy Światowej w Paryżu w 1900 r., gdzie Japonii uda się zaakceptować jego obrazy w sekcji sztuk pięknych, a nie zdobniczych; nazwano je terminem kogei (ideogramy „produkcja” i „handel”). Z kolei rzeźba, tradycyjnie dekoracyjna lub religijna, uprawiana przez rzemieślników, wkracza do działu sztuk pięknych. To właśnie w ruchu związanym z tymi debatami edukacja artystyczna powołana przez rząd japoński, najpierw w 1876, a następnie w 1889, zostanie szybko pomyślana i ponownie przemyślana na podstawach odmienionych przez nowy kontekst westernizacji na tle chińskiego konfucjanizmu. odniesienia i tradycje starożytnej Japonii.
Jednocześnie japonizm , którego centrum znajduje się w Paryżu, zajmuje ważne miejsce w rozwoju sztuki na Zachodzie. Tym samym Japonia uczestniczy również w Wystawie Światowej 1878 w Paryżu. Przy tej okazji Europejczycy odkryli japońską ceramikę używaną do ceremonii parzenia herbaty, co miało wciąż niewielki wpływ, obok dobrze rozpoznanych efektów odbitek na malarzach i rytownikach, ale także na sztukę zdobniczą i rzemiosło artystyczne.
W obliczu rosnącego wpływu kultury zachodniej w epoce Meiji (1868-1912), na początku lat 80. XIX wieku ukształtował się ruch wokół Ernesta Fenollosa . Po przybyciu do Japonii w 1878 roku został zainicjowany przez malarza Kanō Eitoku do „studiów starożytnego malarstwa i metod ekspertyzy”. Jest on prezentowany malarzowi szkoły Kanō Tomonobu (in) , który zostaje jego przyjacielem i przedstawił go w 1885 roku, dwóm innym artystom szkoły Kanō Kanō Hogai, mało znanym w Japonii, oraz Hashimoto Gaghō. Im bardziej odkrywał Japonię, tym bardziej był przekonany, że decyzja rządu Meiji o promowaniu studiów nad zachodnim malarstwem olejnym była nieuzasadniona i że należy odwrócić to zjawisko.
Jego prezentacja, 14 maja 1882 r, Prawda Sztuk Pięknych ( Prawda Sztuk Pięknych / Bijutsu Shinsetsu ) zostanie opublikowana, przetłumaczona i powszechnie okrzyknięta punktem zwrotnym w odrodzeniu tradycyjnej sztuki japońskiej. Wraz ze swoim studentem filozofii, Okakura Kakuzō (Okakura Tenshin) (1862-1913), próbują w ten sposób bronić tradycyjnej sztuki japońskiej; termin nihonga jest tworzony pod koniec XIX -go wieku w tym celu, i jest przeciwny do tego z jogi (洋画 ) co oznacza, że obraz w stylu zachodnim.
Wraz ze swoim uczniem Okakurą Fenollosa uczestniczył w komisji odpowiedzialnej za inwentaryzację skarbów świątyń i sanktuariów w Japonii. Niemniej jednak należy podkreślić, że wszystko, co poprzedzało pojawienie techniki kontynentalne ( VII -go - VIII th wieku) było żadnej wartości dla nich, a nie mogło być zrobione przez Japończyków.
Aby zrewidować sztukę narodową na miarę zachodniej nowoczesności, w 1887 r. powstał Uniwersytet Sztuk Pięknych w Tokio dzięki inicjatywie dwóch młodych urzędników z Ministerstwa Edukacji, Kuki Ryûichiego i Okakury Kakuzo (jak powiedział Tenshin) po ich spotkaniu z Fenollosa i misja do Europy Fenollosa i Tenshina w Stanach Zjednoczonych w celu zbadania metod edukacji artystycznej. W tym samym roku Ryûichi, Tenshin i Takahashi Kenzô uruchomili magazyn Kokka ( Kwiaty narodu ), pierwszy magazyn historii sztuki w Japonii, który prezentuje również współczesnych artystów będących częścią kontynuacji ruchu nihonga .
Historia powstania tej szkoły odsłania paliki, na których jest zbudowana. Pierwsza Szkoła Sztuk Pięknych ( Kôbu bijutsu gakkô ) została założona w 1876 roku przez Ministerstwo Robót Publicznych w celu „udoskonalenia rzemiosł przemysłowych poprzez zastosowanie nowoczesnych technik europejskich do tradycyjnego know-how” z nauczaniem (w języku francuskim przez włoskich nauczycieli) malarstwa, rzeźby i architektury. Szkoła ta została zamknięta w 1883 r. Nowa szkoła została założona przez rząd w 1887 r. Okakura Kakuzō (Tenshin), młody uczony i urzędnik w Ministerstwie Edukacji, został jej dyrektorem w następnym roku, ale była otwarta tylko dla dwóch uczniów lat po założeniu, w 1889 r. Ta nowa Szkoła Sztuk Pięknych musi przekazywać praktykę sztuk „tradycyjnych”, jeszcze bez kaligrafii, ale obejmującą sztuki zdobnicze, z wyłączeniem architektury, przeniesione na uniwersytet cesarski, z wykształceniem zasadniczo technicznym.
Wraz z utworzeniem tej Szkoły Sztuk Pięknych w Tokio, celem jest przeniesienie japońskiej sztuki narodowej do zachodniej kategorii sztuk pięknych, a nie na odwrót. Wymaga to przerobienia kryteriów, które tradycyjnie pozwalały na ulepszenie ceramiki, lakieru, okimono, a zwłaszcza japońskiej kaligrafii. W umysłach tych innowatorów za „sztukę główną” uważa się to, co w perspektywie heglowskiej należałoby zrobić, aby skierować umysł ku domenie wzniosłości . A zatem przegląd Kokka wybiera spośród malarstwa dziedzictwa i rzeźby buddyjskiej, malarstwa pejzażowego tuszem w stylu chińskich uczonych, zwojów narracyjnych oraz tematów z kwiatów i zwierząt. „Nowe malarstwo japońskie”, shin-nihonga jest zatem wynikiem tej reorganizacji: malarstwo yô-ga , na Zachodzie (olej na płótnie, akwarela itp.) jest oczywiście wykluczone, ale także ukiyo-e , brane pod uwagę jako sztuka rozrywkowa i malarstwo na złotym lub srebrnym tle, uważane za zbyt dekoracyjne. Jeśli jednak szkoła Kanō jest rzeczywiście centralnym odniesieniem, integruje ona elementy zachodnie, w ten sam sposób, w jaki Tenshin jest w dużej mierze inspirowany przy opracowywaniu swojego programu pierwszą próbą syntezy sztuki Dalekiego Wschodu i westernu dokonaną przez Maruyamę kyo (tzw. styl Maruyama-Shijo).
Od 1894 roku nauczanie malarstwa zostało podzielone na trzy warsztaty, odpowiadające trzem głównym nurtom historycznym: Kanô, Maruyama-Shijô i Yamato-e. Malowanie literami jest wtedy wykluczone w taki sam sposób jak ukiyo-e . Orientacja ta opiera się na badaniach Okakury Tenshina w historii sztuki z ideą stworzenia nowoczesnego malarstwa neoklasycznego, którego Kanō Hōgai (1828-1888) był jednym z najlepszych przedstawicieli. Dopiero w 1896 roku do programu nauczania dodano dział techniki malarstwa zachodniego.
W 1898 roku osobisty konflikt z Kuki Ryûichi doprowadził Tenshina do rezygnacji. Ale kilka miesięcy później założył Instytut Sztuk Pięknych Japonii ( Nihon bijutsu-in , czyli ruch Inten ) z siedemnastoma nauczycielami ze Szkoły Sztuk Pięknych, w tym Hashimoto Gaghō, Shimomura Kanzan, Yokohama Taikan i Hishida Shunsō.
Pod względem kryteriów Histoire de l'art du Japon , po raz pierwszy opublikowana we Francji w 1900 roku, przed opublikowaniem w Japonii, zasadniczo zachowuje „czystość i pomysłowość”, wartości oparte na „wrażeniu wytwarzanym przez naturę ”w Japonii.
Okakura Kakuzō (Tenshin) dokonał wyboru, aby zwrócić się w pierwszej kolejności do Kanō Hōgaia (1828-1888), spadkobiercy szkoły Kano . Paradoksalnie twórczość tego malarza charakteryzuje styl eklektyczny, ponieważ został on wtajemniczony w szkołę Tosa, a z drugiej strony, jeśli przyjrzeć się jego obrazowi Cesarzowa Jingū ( Jingû kôgo , parawan 6-listkowy , ok. 1850) odwzorowuje figury zgodnie z konwencjami malarstwa yamato-e . Otrzymał lekcje u przyjaciela ojca, malarza ze szkoły Nanga , o czym świadczy Real View of the Barrier ( Kanmonshinkei , ok. 1850). Był starszym i sławnym mistrzem w 1885 roku, kiedy poznał Fenellosę. Daje mu to zabieg i możliwość swobodnego eksperymentowania z tradycyjnymi technikami pędzla i koncepcjami związanymi z malarstwem zachodnim, takimi jak perspektywa i cień. Był to wyjątkowy okres kreacji Kanō Hōgai, aż do jego śmierci w 1888 roku.
Tenshin rekrutuje do Szkoły Sztuk Pięknych Kose Shoseki (warsztat malarski yamato ), Hashimoto Gahō (1835-1908) (warsztat malarski Kanō) i Kawabata Gyōkushō (1842-1913) (japońska pracownia historii i malarstwa Maruyama – Shijō). Isabelle Charrier identyfikuje kilka charakterystycznych cech tej nowej orientacji. Tendencja do konceptualizacji, jak w Yokoyama Taikan za malowanie , Muga , gdzie jest to kwestia znalezienia obrazu, które mogą wywoływać satori ; skłonność do realizmu w doborze tematów zaczerpniętych z życia codziennego, czy naturalizmu w mniej lub bardziej szczegółowym traktowaniu widzialnego (Yokoyama Taikan i Hishida Shunsō ); nawiązanie do historii i literatury (Hishida Shunsō i Shimomura Kanzan ); wybór malarstwa religijnego (Shimomura Kanzan); przyjęcie pewnych procesów zachodnich, takich jak perspektywa liniowa (Yokohama Taikan i Hishida Shunsō) oraz transpozycja efektów światłocienia na kolory w malarstwie olejnym (Hishida Shunsō).
Sława tej techniki malarskiej staje się wówczas międzynarodowa. Okakura Kakuzō (Tenshin) , od 1904 i Ernest Fenollosa , kurator Departamentu Sztuki Orientalnej w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie w 1890 i wracający do Stanów Zjednoczonych w 1900, wprowadzili na amerykańską scenę najważniejsze dzieła japońskiego malarstwa. Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, jak również Freer Gallery w Smithsonian Museum w Waszyngtonie stopniowo nabyte ważnych kolekcji. W 1931 odbyła się wystawa w Berlinie .
Około 1900 roku dwóch byłych uczniów Okakura Tenshin, Yokoyama Taikan (1868-1958) i Hishida Shunsō (1874-1911) stworzyło szczególny styl nihon-ga , bez zarysu, a jako nauczyciele z kolei nazywają swój proces môrôtai . W 1901 roku grupa Kôjikai, założona przez Yasuda Yukihiko (1884-1978), Imamura Shikō (1880-1916) i kilka innych, również odegrała ważną rolę w malarstwie nihon-ga i powitała Kobayashiego Kokei (1883-1957) i Maedę Seison (1885-1977). Grupa ta rozwiązała się w 1913 roku. Większość przyłączyła się do ruchu Inten (Japoński Instytut Sztuk Pięknych).
W Instytucie Sztuk Pięknych, kilku artystów pokolenia, które następnie Okakura Tenshin, łącznie Gyoshū Hayami (1894-1935) i Seison Maeda (1885/77) wprowadza ważną część tradycji szkoły Rinpa. A nawet przewyższył późno Artyści Rinpa, tacy jak Sakai Hōitsu (1761-1829), Kiitsu (1796-1858) i Suzuki Koson (1860-1919) z niemal kompulsywną dokładnością szczegółów.
W erze Taishō (1912-1926), wraz z upadkiem Okakura Tenshin w 1913, ruch Inten upadł. W 1914 roku Yokohama Taikan dała nowy impuls temu ruchowi poprzez regularne wystawy. Był wspierany przez Shimomura Kanzan (1873-1930) i wraz z wieloma malarzami uczestniczył w tym nowym pokoleniu malarzy nihonga . Pod koniec lat 30. energicznie bronił ideologii japońskiego spirytualizmu nacjonalistycznego.
W XX th wieku, to nowa generacja malarzy nihonga pomaga utrwalić tę sztukę Togyu Okumura (1889/90), kaii Higashiyama (1908/99), Matazō Kayama (1927-2004) i Ikuo Hirayama (1930-2009).
Dziś malarstwo nihonga szuka raczej odnowy poprzez sojusz między tysiącletnią tradycją japońską a abstrakcją zachodnich malarzy, zwłaszcza ze szkoły nowojorskiej . Nurt ten jest w szczególności reprezentowany przez Norihiko Saito (1957-), Yuzo Ono, Chen Wenguang (pochodzenia chińskiego, obrazy 1990-2007), Masamichi Kotaki (1961-), Makoto Fujimura (en) (1960-), Hiroshi Senju ( 1958-). -), Asami Yoshiga, Masatake Kouzaki.
Podręczniki z około 1890 roku, w których zastosowano myśl Fenollosa i Tenshina, ustalają wybory narzucone malarzowi nihonga :
Malarz używa tuszu do śledzenia konturów ( sen ) przed nałożeniem kolorów ( nôtan ).
Proces jest procesem malowania na bazie wody i wykorzystuje całkowicie naturalne materiały: drewno, papier, skałę, piasek, kość. W ten sposób łączy swoje początki z techniką fresku, ponieważ jako bazę wykorzystuje te same naturalne pigmenty, tlenki metali i ziemię lub muszle. Ale pigmenty dodaje się za pomocą kleju zwierzęcego. Ponadto stosuje się metale, złoto, srebro i platynę, w arkuszach lub w innych bardziej rozdrobnionych formach do stanu proszku. To samo dotyczy przygotowania podłoża, papieru naklejonego na drewno czy jedwabiu naciągniętego na ramę. Każdy element przygotowywany przez artystę przyczynia się zatem do powstania oryginalnego dzieła.
Podczas gdy malarze renesansowi tworzą przestrzeń z perspektywą, malarze japońscy używają yohaku , czyli pustych obszarów. Atrament Sumi , na przykład, tworzy plamy wodne, które pozwalają papierowi zwijać się, a kolor rozprowadzać, zgodnie z techniką Tarashikomi wymyśloną przez Tawaraya Sotatsu; Rytm nadany przez te plamy działa wizualnie, blokując ruch i pozwalając pigmentom opadać naturalnie.
Pigmenty w malarstwie japońskim są wykonane z naturalnych minerałów, kości zwierzęcych i roślin. Tu jest kilka:
- biel uzyskuje się z rozdrobnionych skorupiaków ( gofun ); - substancje mineralne są powszechnie stosowane: niebieski pochodzi z azuryt ( Gunjo ) i Lapis Lapis ( Ruri , ultramaryna); verdigris to malachit , półprzezroczysty zielony minerał miedzi, od żółtozielonego do czarnego zielonego; turmalin ( denkiseki ) otrzymuje się czarne, a turkusowy daje turkusowo - ziemia: ochra ( ôdo), skała żelazowa pozwala na produkcję żółtych pigmentów ( ôdo ), - pigmenty pochodzenia zwierzęcego: koral może dawać jasnoczerwony lub różowy ( sango ); karmin ekstrahowano z koszenili - pigmenty pochodzenia roślinnego, takie jak brązowe ( saikachi ), które można pozyskać od lutego z Japonii ; lub żółta ( tôô ), guma gutta , wyekstrahowana z drzew z rodziny Guttiferes - tradycyjna czerwień pozyskiwana jest z cynobru (pigmentu) , rudy rtęci. Te farby na bazie rtęci są zakazane w sprzedaży w Europie – ale nie w Japonii. Cynober naturalny zostaje zastąpiony przez sztuczny minerał (produkowany od lat 50.) sztuczny cynoberCzęsto zdarza się, że artyści nihonga dodają do malarstwa atrament sumi , wykonany z żywicy sosnowej.
KlejŻelatyna była często używana do utrwalania koloru obrazów na starożytnych egipskich freskach. Malarstwo japońskie wykorzystuje podobny proces za pomocą kleju lub żelatyny zwanej nikawą , wykonanego ze skóry i kości zwierząt i ryb; jest to zatem farba z klejem, a to otwiera możliwość pracy w grubościach, przez superpozycję lub odejmowanie. Klej ten jest jednym z centralnych elementów malarstwa nihonga . W rzeczywistości, w zależności od pogody i pory roku, zastosowany klej wywołuje różne reakcje: jeśli klej jest zbyt mocny, pigmenty stają się matowe; jeśli jest zbyt słaby, nie przylegają wystarczająco do powierzchni. Dlatego pigmenty miesza się z tym wodnym roztworem kleju.
Dokumenty tożsamościPapier składa się z długich i wytrzymałych włókien ułatwiających przyczepność kolorów minerałów. Jakość nośnika waha się od jedwabiu po ręcznie układany papier, w przypadku najdelikatniejszych ma około dziesięciu lat, w zależności od pożądanego stopnia wchłaniania. W celu zmniejszenia wchłaniania można również zastosować mieszankę ałunu , kleju i wody.
Papier ( (ja) : washi ) jest dostępny w zależności od składu. 90% produkcji stanowi włókno morwy ( Broussonetia papyrifera ), kozo . Włókno Gampi ( Wikstroemia sikokiana lub diplomorpha sikokiana ) są wytrzymałe, ale również bardzo drogie. Te z mitsumata ( edgeworthia chrysantha ) mają właściwości odstraszające owady. Konopie , ASA , jest również używany.
Gruby papier typu mashi zawiera 80% włókien konopnych i 20% włókien morwowych. Papiery Torinokoshi są wykonane głównie z włókien gampi ; są solidne, ale prześwitujące, a ze względu na rzadkość występowania omawianych krzewów papier ten jest używany głównie do renowacji dzieł sztuki. Istnieją cztery odmiany. Oohamashi papieru ( (PL) : morwy Gampi ) zawiera 80% włókien i 30% morwy Gampi włókien ; ma niezwykłą trwałość.
Inne mediaAby zrekompensować kruchość papieru, można go zamontować na drewnianym panelu tak, aby krawędź stykała się z krawędziami arkusza. Otrzymujemy więc sztywną powierzchnię. Papier przeznaczony na obraz może być montowany na nałożonych wcześniej papierowych powierzchniach, rozciągnięty na ramach i listwach ekranu, byōbu , lub przesuwnych drzwi, shoji .
Drewno, dobrane tak, aby nie odkształcało się przez długi czas, może służyć również jako podpora. Ten typ malarstwa znajduje się na panelu, ita-e , na drzwiach, tobira-e oraz na ex-voto , ema .
Tkanina konopna była używana i przechowywana od czasów Nary (710-794); dlatego dobrze się trzyma.
Jedwab, materiały szlachetne do produkcji przemysłowej (w Japonii, pod koniec XIX th century), stał się najbardziej nośniki stosowane do 1945 roku przez malarzy nihonga .
Decyzja o wyraźnym oddzieleniu malarstwa „japońskiego” ( nihonga ) opartego na tuszu oraz pigmentach organicznych i mineralnych od tak zwanego „zachodniego” malarstwa olejnego lub akwarelowego, podkreśla pośrednią pozycję niektórych praktyk, takich jak Shibata Zeshin (1807-1891) , artysta bardzo znany w Japonii, który był wystawiany w Wiedniu na Wystawie Światowej w 1873 r. , na którą pierwszą zaproszono Japonię, ale także na Wystawach Światowych w Filadelfii i Paryżu. Ten artysta wynalazł proces malowania lakierem, który jest podobny do malarstwa olejnego. Ponadto Kawamura Kiyoo (1852-1934) uprawiał wówczas malarstwo olejne na jedwabiu i drewnie. Te podejścia, które łączą techniki i style, częściowo charakteryzują eklektyczny smak epoki Meiji .
Shibata Zeshin . 1888. Talerz ozdobiony warzywami . Lakierowane drewno. Oprawione: 75 x 106 x 4 cm. MSZ Boston
Kawamura Kiyoo, 1929. Biały kogut . Olej na tkaninie (jedwab?), wys. 147 cm. Muzeum Orsay