Laurent Jiménez-Balaguer

Jiménez-Balaguer Obraz w Infoboksie. Laurent Jiménez-Balaguer sfotografowany w 2012 roku
Narodziny 14 stycznia 1928
Barcelona , Hiszpania
Śmierć 16 kwietnia 2015 r.
Boulogne , Francja
Imię i nazwisko Lorenzo Jiménez-Balaguer
Narodowość hiszpański
Czynność Malarstwo , rysunek , rzeźba
Ruch Ekspresjonizm abstrakcyjny , Sztuka nieformalna , Humanizm
Wpływem El Greco
Pod wpływem Thierry Vendome , Alexis Virginie Jimenez

Laurent Jiménez-Balaguer to hiszpański malarz urodzony na14 stycznia 1928, w L'Hospitalet de Llobregat ( Barcelona ) i zmarł dnia16 kwietnia 2015 r. w Boulogne-Billancourt. Osiadł i mieszkał w Paryżu .

Jest jednym z głównych inicjatorów prywatnego języka w malarstwie i należy do katalońskiego ekspresjonizmu abstrakcyjnego i europejskiej sztuki nieformalnej , nurtów charakteryzujących się humanistycznymi roszczeniami. José María Moreno Galván w 1960 roku uznał go za jednego z dwudziestu najbardziej reprezentatywnych malarzy hiszpańskiego ekspresjonizmu abstrakcyjnego.

Jego twórczość przyjmuje ideę, że tworzenie jest aktem performatywnym opartym na teorii aktów mowy Austina i jego praktyce jako artysty plastycznego.

Jego koncepcja sztuki i społeczeństwa umieszcza go w procesie cichej rewolucji, w której to podmiotem jest walka ze śmiercią i zanikiem ludzkiej podmiotowości .
Dla niego istnieją dwie imperatywne rzeczywistości: Ciało i pamięć oraz Zewnętrzna i wewnętrzna .

W przeciwieństwie do surrealizmu, który jest pochwałą nierzeczywistości, Jiménez-Balaguer preferuje ekspresję Rzeczywistości Innej .

Biografia

Młodzież i szkolenia

W swoich pierwszych obrazach malował postacie ludzkie, często androgyniczne, w których wyraz twarzy nie zapisywał żadnego znanego uczucia. Przypominają sobie wpływ odczuwany przez El Greco. „Jego postacie wyglądają jak płomienie, uznałem to za niezwykle piękne. Ich ciało fizyczne stało się ciałem duchowym, połączyło się ciało zewnętrzne i wnętrze ciała. Dla mnie Le Greco jest instynktowne. Jego sprawa nie jest ustalona. Nie ma konturów. A jego gest rozkwita, ucieka, idzie w nieskończoność, w górę, w poszukiwaniu Boga. "

Porzuca figurację i ideę zewnętrznego opisu świata, by skupić się na problemie uwidocznienia niewidzialnego. „Największą sztuką jest przekształcenie chaosu i tragicznego poczucia świata w samoświadomość i umożliwienie ludziom uwierzenia, że należą do nich swoje przeznaczenie. "

Aktywnie uczestniczył w uznaniu tożsamości antyfrankijskiej i nauczył się języka ojczystego, katalońskiego, a następnie zakazanego we francoistycznej Hiszpanii. Uczęszczał na zajęcia w School of Llotja i Fomento de Artes Decorativas oraz kontynuował naukę w Szkole Sztuk Pięknych w Barcelonie. To lata eksperymentów w poszukiwaniu ekspresji człowieka totalnego, koncepcji, która na nowo odkrywa swoją intuicję psychologii głębi, która musi zostać wydobyta na powierzchnię. Tak malował w plenerze, w górach Montserrat ze swoim przyjacielem Josepem Guinovartem  (ca), aby uwolnić swój gest od jakiejkolwiek arbitralnej konwencji i znaleźć bazę unikalnej wiedzy, na której można oprzeć wiedzę o wnętrzach .

Zdobył kilka nagród i otrzymał stypendium na kontynuowanie studiów w stolicy Madrytu.
Młode malarstwo hiszpańskie poszukuje swoich śladów, cech tożsamościowych i zakresu i sprzeciwia się sztuce oficjalnej, której celem jest międzynarodowe usankcjonowanie reżimu Franco. Hiszpańska awangarda porusza się wokół kilku pojedynczych głosów, które są słyszane za roszczeniem nowej sztuki, głównie Joan Miró .

Zna Cesáreo Rodríguez-Aguilerę  (es) i jego żonę Mercedes de Prat, którzy zostają przyjaciółmi na całe życie.

Pierwsze kroki w kierunku abstrakcji

Po powrocie do Barcelony w 1954 roku opublikował manifest: He escuchado, w którym zdefiniował swoje roszczenie, „domagać się” w znaczeniu Stanleya Cavella . „Twierdzenie: jest tym, co przemawia, gdy polega tylko na sobie, aby uzyskać powszechną zgodę”. Wystawiał w ramach „Cicle Experimental d'Art Nou” w reżyserii Josepa Marii de Sucre i de Grau  (ca) i krytyka sztuki Àngela Marsà, a jego obrazy zasilają nurt nowej figuracji .
Josep Maria de Sucre i de Grau mówi o nim: „Jeden z najlepszych temperamentów artystycznych, jakie się wśród nas pojawiły. "

W 1956 roku stworzył serię abstrakcyjnych form na białym tle, gdzie celebrowane nie jest już hermetyczne poczucie ukrytego wnętrza, ale ruch niewyrażalnej jaźni, która budzi się do życia, uwalniając się z milczenia.
„Jeśli maluję, wykonuję akt, który byłby idealnym projektem.
Chcę zmienić sztukę w jej innym miejscu, w stronę sztuki aktów, a nie efektów. We mnie nie ma abstrakcyjnych obrazów, są tylko fragmenty rzeczywistości.” Obrazy te przedstawiają projekcje dynamicznych zmagań, wyrwanych ze sprzecznych nieformalnych elementów, które maluje w jednoczącej subiektywnej fakturze .
W Galerii Klanu w Madrycie odnajduje cennych pomocników, takich jak Manolo Millares z grupy El Paso i César Manrique , ten ostatni stanie się wspaniałym przyjacielem i zaprosi go do bliższego komunikowania się z nim.

Zaangażowanie

Ten cykl odkryć i lepszego zrozumienia problemu ekspresyjności i niepoznawalności duszy ludzkiej, zmusza ją teraz do zdystansowania się od stosowanej do tej pory dychotomii materia/duch na określenie nowych nurtów ekspresjonistycznych, a wręcz przeciwnie, usytuować się jako malarz Materii Ducha .
W tym opracowaniu odnajduje wielkie intuicje Merleau-Ponty'ego i jego obronę ciała jako podmiotu oraz intuicje Wittgensteina  : „Ciało ludzkie jest najlepszym obrazem ludzkiej duszy”.

Spotyka krytyka sztuki i pisarza Juana Eduardo Cirlot  (es), który włącza go do ruchu Informalizm. Na Europejskich Salonach Majowych w 1957 roku swoje prace prezentują wszyscy młodzi awangardyści, w tym on sam i Antoni Tàpies . Wszyscy reagują przeciwko światu ucisku i wykluczenia. Ich Informalizm to protest przeciwko normatywnemu społeczeństwu i jego biowładzom . „Jest we mnie ten tępy podziemny krzyk… Jest we mnie pragnienie, by wyrazić obrazowo, ludzkim językiem, mój bunt przeciwko wszelkim barierom, przeciwko wszelkim granicom, przeciwko wszelkim ograniczeniom… by głosić moc do życia, łamiąc konwencje, stając się w końcu sobą... czystą wyzwalającą, pulsującą siłą przeciwko niesprawiedliwości świata. " Jego badania patrzy się wyłącznie w kierunku jedności wiedzy.

Orędownictwo na rzecz wewnętrzności

Jego poszukiwanie całkowitej ekspresji ludzkiej duszy przybrało nowy obrót w 1959 roku i doprowadziło go do stworzenia kształtów, które wydawały się rozpoznawalne dla każdego, kto je widział. Te nowe ekspresyjne abstrakcje nie są ani zewnętrzne, ani wewnętrzne i są otynkowane na nieskończonym kosmicznym tle. „Jest w nim metafizyczna udręka i trudność bycia… jest krzykiem buntu wynurzającym się z głębi ludzkiej udręki. "

Cykl ten otwiera cykl antropomorficznych form intymnych, zawieszonych postaci, których cechą jest ukazywanie samej możliwości równowagi. Sama możliwość zrównoważenia podmiotu staje się formą wypowiedzi i wypowiedzi podmiotu. Wszystkie te prace opisują w trzeźwym języku o wielkiej sile obrazowej afirmację tego, co zostało zrobione. Sam proces indywiduacji i urzeczywistniania, który sprawia, że ​​podmiotowość nabiera kształtu i staje się sobą.

Styl tego okresu pokazuje poszukiwanie kontroli i mistrzostwa, które będą jedną z cech charakterystycznych Jiméneza-Balaguera na całej jego trasie. Nie ma drapania, brzydoty, projektowanej destrukcji, przemocy wobec materiału obrazowego, jak u innych nieformalistów, bo tym materiałem jest człowiek.

Każda wytworzona akcja jest więc wprost przeciwnie przekadrowana, przeniesiona, rozsadzając geometryczne ramy obrazu. „Krycy mówili o metamaterializmie, o „rzeźbiącym malarstwie”, by zdefiniować twórczość Jiméneza-Balaguera… oczywiste jest, że dynamicznie rozwijająca się twórczość Jiméneza-Balaguera przełamała granice ramy. twierdzi, że jest „inną” rzeczywistością” .

Jeśli materiał obrazowy jest przybijany, przebijany, otwierany, rozdzierany, to dlatego, że podmiotowość, ludzkie wnętrze jest źle traktowane. Obraz buntuje się przeciwko temu stanowi czasu i jest nie tylko miejscem buntu, ale i przeformułowania rzeczywistości .

Estetyka Jiméneza-Balaguera od początku ukazuje szacunek dla kruchości duszy, wrażliwości w reakcji na destrukcyjne wydarzenia i jest konstruowana jako krytyka współczesnego społeczeństwa, które te skutki wywołuje.

Wymiar międzynarodowy

„Od moich korzeni chciałem rozprzestrzenić się szerzej we wszechświecie. Zakorzenienie jest granicą człowieka. "

W tym poszukiwaniu kadru/przeformułowania ludzkiego cierpienia i wolności słowa wyjechał do Paryża w 1957 roku z Marią Teresą Andreu (Mery). Będą mieli czworo dzieci, Christiana, Virginie, Valérie i Erica. W 1959 roku zaprzyjaźnił się z wielkim paryskim jubilerem Jeanem Vendome i obaj jeszcze goręcej starali się w swoich rozmowach pogodzić humanizm i abstrakcję. W 1961: zostaje wręczony Antoniemu Clavé i Stephenowi Spenderowi , który zapowiada wystawę w Galerie Saint-Germain. To właśnie wtedy, przez około dwadzieścia lat, stworzył język migowy, który był w stanie przekazywać prywatny język życia wewnętrznego w rygorystycznym procesie. Jest to okres intensywnych wstrząsów, w których powstające prace budują pierwsze afirmacje o wewnętrznym świecie, który może być tylko zewnętrzny. Jest to obrazowa dekonstrukcja poglądu, że języka prywatnego nie może zrozumieć nikt inny niż my sami.

Dla Jiméneza-Balaguera wręcz przeciwnie, każdy język wewnętrzny ma być uniwersalny. „Ta bezlitosna walka, którą prowadzę w swoim głębokim ciele, którą muszę przerwać bez zatrzymywania się, aby w końcu się narodzić, jest tą, która powoduje przejście od osobistego do zbiorowego… ode mnie do innych, od jednostki do ”. uniwersalny. " W 1986 roku skontaktował Michel Tapie , twórca koncepcji Art Inne który przedstawia go Rodolphe Stadler .

Od 1988: Jiménez-Balaguer wprowadza przedmioty ze świata do oznaczania świata i używa ich znaczenia do oznaczania wnętrza.

Obraz staje się czystą wymową za pomocą pni, lin, tkanin. „Kiedy język obrazkowy osiąga swoje granice, struny są narzędziami nowego języka z własnymi oznakami tożsamości”. „Łącząc struny kawałek po kawałku, wyznaczam ścieżkę ciągłości; łączą moją wewnętrzną ludzką pamięć z całym wszechświatem”.

Budowa uniwersalnego języka prywatnego

Spotyka w Paryżu Pierre'a Restany'ego, który entuzjastycznie podchodzi do swojej pracy. W Galerie Calart Actual w Genewie Luis Callejo przedstawia go Joanowi Hernándezowi Pijuanowi.
W 1990 r. powstał leksykon świata i pismo znaczących.
Każdy obraz staje się miejscem wizualizacji tego, co stanowi uniwersalny język wnętrza. Ich piękno tkwi w obrazowej wymowie w połowie drogi między afirmacją a pytaniem. Każda wypowiedź obrazowa potwierdza i kwestionuje konieczność jej elementów składowych. Pytanie dotyczy pamięci , koncepcji czasu , nabytej tożsamości , cierpienia .

Prace, wybór

Rzeczy rzeczywiste pozwalające opowiedzieć wnętrze the

Wystawy / Muzea

Główne wystawy osobiste

Retrospektywy

Muzea / kolekcje publiczne

Bibliografia

Uwagi i referencje

  1. (es) „  Muere a los 88 anos el pintor Catalán Llorenç Jiménez-Balaguer  ” , na stronie elpais.com ,17 kwietnia 2015
  2. José María Moreno Galván , Introducción a la pintura española rzeczywista 1960, Madryt
  3. Sandra Laugier, Prywatność, sekret i głos potocznego języka, 2002
  4. Élisée Trenc, Ślady pamięci , Centrum Studiów Katalońskich, 2002, Paryż
  5. Toni Mata i Riu, „Força sìgnica”, Regio 7, 2012, Barcelona
  6. Retrospektywa Laurenta Jiméneza Balaguera, Muzeum Can Framis, Fundació Vila Casas
  7. Roberta Bosco - Recuperación de un olvidado - El Pais
  8. Montse Frisach - Rescatat de l'Oblit - El Punt Avui
  9. Albert Mercadé / pisma / sztuka-Llorenç Jiménez Balaguer. Pojawienie się znaku

Załączniki

Linki zewnętrzne