Renesansowa architektura , urodzony we Włoszech, zdobył stopniowo wszystkie inne kraje europejskie, między wczesnym XV th wieku i początku XVII th wieku . Wychodzi ze świadomego poszukiwania i asymilacji historycznie autentycznych elementów myśli i kultury materialnej Greków i Rzymian . Rzeczywiście, starożytna epoka jawi się włoskim uczonym tego okresu jako apogeum wszystkich sztuk. Jednak nie starają się go po prostu naśladować, ale inspirować się nim, aby mu dorównać, a nawet go przewyższyć. Ten powrót do starożytności nazywa się „ hellenizmem ” (od słowa „Hellene”, które oznacza naród grecki).
Pod względem estetycznym architektura renesansowa zastępuje architekturę gotycką , a sama zostanie zastąpiona architekturą klasyczną . Po raz pierwszy pojawił się we Florencji dzięki innowacjom Filippo Brunelleschiego , styl renesansowy zyskał w ciągu kilku lat inne miasta-państwa półwyspu; Dzięki wojnom we Włoszech dotknął Francji, następnie Flandrii, Świętego Cesarstwa, Bałkanów, Anglii, Rosji, wywierając zmienne i kontrastujące wpływy z jednego regionu na drugi.
Styl renesansowy kładzie nacisk na pojęcia symetrii , proporcji , regularności i równowagi motywów, tak jak uważali, że humaniści potrafią je dostrzec w pozostałościach architektury starożytności klasycznej , a zwłaszcza architektury rzymskiej . Rzędy kolumn ( Dorycki kolumny , kolumny jonów , Koryntianin kolumna ), pozycja pilastrami i nadproża , a także półkoliste łuki kopuły półkulistej, że wnęki rury i toalety są podstawione nieregularnych kształtach, rozbieżne i rzadko przemyślane średniowiecznych budynków . Artyści tego czasu są wszechstronni i dążą do zdobycia wiedzy absolutnej, czy to w kwestiach inżynierii , sztuki czy filozofii .
Słowo „Renesans” pochodzi od włoskiego słowa rinascita , które po raz pierwszy pojawia się w Żywotach najlepszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów (1550–68), za sprawą pióra malarza i biografa Giorgio Vasariego . Ale w XVI E i XVII E wieków, ten styl był raczej wywołał tak Starożytnych: „architektura w stylu the Ancients” lub „architektury antyku” ( All'Antica ).
Choć termin renesans znajduje echo we współczesnych czasach jedynie u historyka Julesa Micheleta , to właśnie Szwajcar Jacob Burckhardt kilka lat później w swojej książce Cywilizacja renesansu we Włoszech ( 1860 ) podaje najbardziej mistrzowską interpretację osiągnięcia tego okresu w historii. Jeśli chodzi o architekturę, kolekcja klisz folio Paula Letarouilly , zatytułowana Édifices de Rome moderne; lub Kolekcja pałaców, domów, kościołów, klasztorów i innych zabytków (red. Firmin Didot , 1840) odegrała decydującą rolę w ponownym zainteresowaniu tym okresem.
Historycy z łatwością rozpoznają trzy fazy we włoskim renesansie; jeśli jednak historycy sztuki mówią o „pre-Renesansu”, gdzie one zawierać pewne obrazy i rzeźby z XIV th century, architekci, sami, wydostać się: rzeczywiście, warunki ekonomiczne i katastrofalny zdrowie koniec XIV th century były na ogół niekorzystne do sztuki budowania w Europie. Również „renesans” w architekturze ogólnie odnosi się do okresu między 1400 a 1525 r. Z grubsza dla Włoch.
Okres ten odkryciem i nadal częściową i niezdarny imitację rzymskiej architektury ( por infra : § Charakterystyczne cechy architektury renesansowej), zarówno z obserwacji ruin rzymskich, a od rozszyfrowania tej architectura z Witruwiusz . Współcześni malarze włoscy jednocześnie eksplorują możliwości perspektywy linearnej .
Zagospodarowanie przestrzeni przeżywa przewrót: średniowieczna koncepcja wrogiej i niedoskonałej natury (konsekwencja grzechu pierworodnego ) zostaje zastąpiona przez geometryczną i logiczną organizację dostępnej ziemi: kształt i rytm budynków są teraz coraz bardziej podyktowane. zasad symetrii i proporcji, a nie intuicji i oportunizmu średniowiecznych budowniczych. Pierwszym przykładem tej nowej postawy estetycznej jest bazylika San Lorenzo we Florencji, wykonana przez Filippo Brunelleschiego (1377–1446).
To właśnie w okresie wysokiego renesansu architekci i humaniści skonceptualizowali architekturę starego stylu. Stosowanie wzorów antycznych jest bezpieczniejsze. Najważniejszym architektem tego okresu jest Bramante (1444–1514), który jako pierwszy pokazał praktyczne możliwości dawnych porządków w architekturze swoich czasów. Jego kościół San Pietro in Montorio (1503) jest bezpośrednio inspirowany okrągłą rzymską świątynią opisaną przez Witruwiusza. Jednak Bramante było niewolnicze naśladowcą Rzymian: wybory osobiste powinny być miarodajne w architekturze włoskiej do XVI -tego wieku .
Okres manierystyczny to okres , który nastąpił po śmierci Rafaela (1520) i splądrowaniu Rzymu (1527) . W tym okresie architekci bardzo swobodnie eksperymentowali z motywami architektonicznymi: ich celem nie było już podporządkowanie się tradycjom, ale stworzenie, na podstawie znanych reguł, nowych napięć w materii i objętości. Renesansowy ideał harmonii dał początek swobodnej i różnorodnej ekspresji. Symbolicznym architektem stylu manierystycznego jest z pewnością Michał Anioł (1475–1564), wynalazca Zakonu Kolosalnego , charakteryzującego się przedłużeniem pilastrów od ziemi do najwyższej kondygnacji fasady, co wykorzystał w szczególności przy Campidoglio w Rzymie .
Jeżeli do zarania XX -go wieku, termin manieryzm była negatywna konotacja, jest ona wykorzystywana wyłącznie do dziś wyznacza ruch artystyczny późnego renesansu.
Kiedy „architektura antyczna” zaczęła się rozprzestrzeniać poza Włochy, większość innych krajów europejskich dostrzegła pojawienie się prawdziwie postśredniowiecznych sposobów ekspresji; kraje te w naturalny sposób pozostawiły swój ślad i swoje tradycje architektoniczne charakterystyczne dla nowego stylu, dzięki czemu renesansowe budynki prezentują wielką różnorodność w regionach Europy.
W samych Włoszech zmiany od architektury renesansowej do manieryzmu, naznaczone rozbieżnymi innowacjami Michała Anioła, Giulio Romano i Andrei Palladio, miały doprowadzić do stylu, który nazwano „barokowym” (w języku portugalskim oznacza „szorstki, źle do kwadratu”). ); zachowano słownictwo starożytnej architektury, ale zatracono wszelkie odniesienia do sztuki Rzymian.
Architektura barokowa jest rozpraszane poza Włochami i dojrzewa znacznie szybciej niż w stylu renesansowym wieku temu: to zostało wyrażone w koloniach jak daleko od jego narodzin, jak Meksyk czy Filipiny .
Architekci renesansu przywłaszczyli sobie najbardziej widoczne motywy starożytnej architektury rzymskiej. Ale ornamentyka, potrzeby, geometria budynków i układ miast zostały zakłócone od czasów starożytnych; także wśród pierwszych kościołów renesansu znajdują się konstrukcje prezentujące charakter, który budowniczowie rzymscy z pewnością uznaliby za złożony lub niejednorodny; i można powiedzieć to samo wystawne rezydencje że przedsiębiorcy obfitego XV th century zbudowali. I odwrotnie, gimnazja, amfiteatry, duże stadiony i łaźnie publiczne, niezbędne dla starożytnego miasta, były abstrakcjami dla chrześcijańskich miast renesansu. Zbadano więc stare zakony, aby wykorzystać je w nowych typach budowli.
Budynki renesansowe są na ogół na planie kwadratu, z odchyleniem symetrii, gdzie długości boków na ogół wynikają z obliczeń opartych na koncepcji modułu . W przypadku kościoła ten „moduł” ma często szerokość skrzydła. Filippo Brunelleschi zwykle przypisujemy troskę o połączenie proporcji w planie z proporcjami fasady, chociaż temu uczonemu artyście nigdy tak naprawdę nie udało się zastosować tego ograniczenia. Pierwszym budynkiem, który ją zadowoli, jest Bazylika św. Andrzeja w Mantui , jedno z arcydzieł Leona Battisty Albertiego . Przyjęcie planu planowane jest w architekturze świeckiej nałożonej na XVI -tego wieku i Zwieńczeniem prac Palladio .
W elewacji z Renaissance przedstawia pionową oś symetrii. Fasady kościołów są często zwieńczone frontonem i regularnie dzielone („rytmicznie”) pilastrami, łukami i belkami. Zatoki i kolumny rysują progresję w kierunku środka. Jedną z pierwszych autentycznie renesansowych fasad była katedra w Pienzie (1459–1462), przypisywana florenckiemu architektowi Bernardo Gambarelli (jego nazwisko artysty to „ Rossellino ”, dosł. „Petit Roux”), ale gdzie „myślimy, że potrafi wykryć wpływ Albertiego .
Dwory są często zwieńczone gzymsem . Otwory regularnie wyznaczają poszczególne piętra, a drzwi, pośrodku fasady, są podkreślone balkonem lub rustykalnymi ornamentami. Fasada Pałacu Rucellai (1446, a następnie 1451) we Florencji, z trzema rejestrami pilastrowymi , jest jednym z pierwszych tego typu hoteli, a później często była kopiowana.
Do projektowania kolumn wykorzystano trzy greckie porządki : dorycki , joński i koryncki , do których Sebastiano Serlio i jego następcy dodają dwa inne porządki: toskański i kompozytowy . Porządki te mogą pełnić funkcję konstrukcyjną, jako podstawa arkady lub architrawu, lub być czysto ozdobne, wkomponowane w ścianę. Jednym z pierwszych budynków, w których zastosowano zaangażowane pilastry, jest Stara Zakrystia Brunelleschiego (1421–1440).
Łuki są albo półkoliste, albo (w stylu manierystycznym) obniżone. Często występują w arkadach, wspartych na niskich murkach lub kolumnach . Alberti był jednym z pierwszych, którzy zastosowali łuki na skalę monumentalną, jak w bazylice św. Andrzeja w Mantui . Sklepienia nie mają już żeber. Są to sklepienia (półkoliste lub obniżone) o planie kwadratu, w przeciwieństwie do sklepień gotyckich, które najczęściej miały plan prostokątny. Sklepienie lufa pozwala łączyć gramatykę architektoniczne (tutaj znowu, bazylika Saint-André jest charakterystyczna).
Kopuła, rzadka w średniowieczu, znalazła swoje miejsce w architekturze europejskiej dzięki wyczynowi Brunelleschiego na katedrze Santa Maria del Fiore i wykorzystaniu jej przez Bramante w Bazylice św. Piotra w Rzymie (1506 r.). Stosowanie kopuły staje się coraz częstsze w kościołach, nie tylko dlatego, że jest to natychmiast rozpoznawalna konstrukcja, ale także w celu zakrycia przestrzeni w całości wewnątrz budynku. Później znalazł zastosowanie w architekturze cywilnej z Villa Rotonda Palladio.
Dachy zawierają naczynia lub pudła na suficie , często malowane lub rzeźbione. W przeciwieństwie do architektury średniowiecznej nie są już otwarte.
Drzwi posiadają kwadratowe nadproża. Mogą być częścią łuku lub być zwieńczone frontonem, trójkątne lub obniżone. Wejścia bez drzwi to najczęściej łuki, których kluczowy segment podkreślony jest masywniejszym kamieniem lub dowolna ozdoba ( np. bukran ).
Porzucamy witraż. Okna występują parami i są częścią półkolistych łuków. Mają kwadratowe nadproża i są zwieńczone trójkątnymi lub obniżonymi naczółkami, często naprzemiennie. Pod tym względem charakterystyczny jest pałac Farnese w Rzymie, rozpoczęty w 1517 roku.
W okresie manierystycznym coraz popularniejsze stało się zastosowanie łuku palladiańskiego, otworu zwieńczonego łukiem półkolistym i flankowanego dwoma mniejszymi wykuszami zwieńczonymi kwadratowym frontonem.
Ściany zewnętrzne są zazwyczaj wykonane z dokładnie dopasowanego muru z bloczków żużlowych , w warstwach poziomych. Kąty budynku są często podkreślane przez kąt połączenia z bossem . Zasadniczo połączenia wykonuje się pod kątem prostym (zabronione są teraz kąty rozwarte lub ostre). Parter jest zwykle w stylu toskańskim lub rustykalnym, co widać w tym modelowym budynku, Palazzo Medici-Riccardi (1444–1460) we Florencji. Pomalowane wapnem przegrody wewnętrzne są gładkie i jednokolorowe. W salach ceremonialnych ścianki działowe są ozdobione freskami .
Dopasowane ściany , nadproża, szprosy, listwy itp. są wyrzeźbione z niezwykłą precyzją: rzeczywiście, skrupulatny szacunek i naśladownictwo sztuki starożytnych to cechy charakterystyczne architektury tego okresu. Realizacja zamówień architektonicznych wymagała rzeźby o bardzo precyzyjnym zdobnictwie, zarówno w formie, jak i w wymiarach (respektowanie „modułu”). W tym obszarze architekci mniej lub bardziej dbali o zgodność ze starożytnymi kanonami i prawdą jest, że w pewnych sytuacjach reguły nie zostały ani podane przez Witruwiusza, ani wpisane w ruiny: dotyczyło to zwłaszcza wiązania łańcuchami. między dwiema ścianami. Wokół drzwi i okien odlewy częściej wystawały niż wchodziły w nisze, jak w gotyku; wręcz przeciwnie, rzeźbione kukły lub posągi umieszczano w niszach lub pniach lub spoczywano na cokołach . W przeciwieństwie do architektury średniowiecznej nie są już przymocowane do swojej bazy.
W centrum refleksji znajduje się relacja kościół-pałac-plac. Ulice są postrzegane nie tylko jako regulator przepływu, ale także jako sposób na pokazanie własnego prestiżu, stąd opracowanie konkretnych elewacji. Miasto, oprócz kościołów i dworów (palazzi) , zdobią wille i miejsca publiczne.
Włoch w XV -go wieku , a szczególnie miasto Florencja , był kolebką renesansu. Nowy styl architektoniczny natychmiast odrósł się od gotyku dzięki świadomym badaniom niewielkiej liczby budowniczych, pragnących wskrzesić miniony „ złoty wiek ”: starożytność rzymską. Badania uczonych (zwłaszcza Albertiego) nad architekturą Rzymian były częścią ogólnego ruchu humanizmu. Kilka czynników wyjaśnia to przebudzenie.
Już w średniowieczu włoscy architekci preferowali jasno określone formy i uzasadnione wybory konstrukcyjne: widzimy to na kilku romańskich budynkach w Toskanii, takich jak baptysterium we Florencji czy katedra w Pizie.
Włochy nigdy w pełni nie przyjęły kanonów stylu gotyckiego w architekturze. Oprócz katedry w Mediolanie , która była w istocie dziełem germańskich budowniczych, niewiele włoskich kościołów prezentuje to dążenie do wertykalności, strugi pinakli, rzeźbiony kamień i żebrowe sklepienia, które charakteryzują gotycką architekturę innych krajów europejskich.
Obecność, zwłaszcza w Rzymie, śladów rzymskich budowli świadczących o tym, czym był styl klasyczny , miała inspirować artystów w czasach, gdy sama filozofia odkrywała na nowo platonizm .
W całej Europie odnowione badania starożytnych pozostałości oferują modele inne niż rzymskie zabytki. Te źródła inspiracji, pochodzące z późnej starożytności, niekoniecznie respektują teorie klasycznej architektury rzymskiej i ich interpretacji w XV i XVI wieku. Konstrukcje, które je kopiują, są mniej wrażliwe na architektoniczną ortodoksję niż na chęć zakotwiczenia się w lokalnej historii.
Ekspansja handlowa Florencji , Wenecji i Neapolu na Morzu Śródziemnym umożliwiła artystom podróżowanie. Florencja wywarła w szczególności głęboki wpływ na Mediolan , a za pośrednictwem Mediolanu na Królestwo Francji .
Wraz z zakończeniem aresztu papieży w Awinionie w 1377 r. Rzym odzyskał swoje bogactwo i wpływy polityczne. W tym samym czasie papiestwo odzyskało władzę we Włoszech, co potwierdził przełom Soboru w Konstancji w 1417 roku. Późniejsi papieże, a zwłaszcza Juliusz II (1503–13), starali się zatem rozszerzyć swoją doczesną władzę na Półwysep.
W XIV -tego wieku Republiki Weneckiej kontrolowali szlaki handlowe na wschodzie. Duże miasta północnych Włoch czerpały dobrobyt z handlu z resztą Europy, przy czym Genua była głównym portem morskim dla handlu z Francją i Hiszpanią ; Mediolan i Turyn stały się ważnymi skrzyżowaniami handlowymi i miały wiele kuźni.
Florencja ze swoimi foluszami zainstalowanymi na Arno była jednym z najważniejszych rynków zbytu angielskiej wełny, a przemysł sukienniczy przyniósł miastu fortunę. Po zwycięstwie nad Pizą miał ujście morskie i wkrótce aktywnie konkurował z Genuą.
Pośród tego komercyjnego prosperity, rodzina kupców zaczęła interesować się jeszcze bardziej lukratywną działalnością: pożyczaniem na procent . Medici stała się dla wieku bankierzy wszystkich wielkich rodzin książęcych Europy, a wkrótce ich połączeń oraz ich siłę finansową, sami udało się dopuszczenia do arystokracji. Rozwój szlaków handlowych, chronionych militarnie ze względu na stawki finansowe, pozwolił artystom, naukowcom i filozofom podróżować w miarę bezpiecznie.
Powrót papieży do Rzymu w 1377 roku przywrócił to miasto na miejsce europejskiej metropolii, jednocześnie wzbudzając nowy zapał religijny w Lacjum. Około 1450 roku podjęto budowę kilku kościołów, a w następnym stuleciu place budowy rozmnożyły się, a ta konstruktywna gorączka osiągnęła swój szczyt w epoce baroku: budowa Kaplicy Sykstyńskiej i odbudowa kościoła Saint-Pierre, jeden z najważniejszych w chrześcijaństwie są częścią tego ruchu.
Dla bogatej Republiki Florenckiej budowa kościołów nie była wynikiem religijnego zapału, ale obywatelskiego poczucia honoru narodowego: faktem jest, że niekompletne ukończenie ogromnej katedry poświęconej Marii Marii nie uhonorowało miasta objętego jej patronatem. Kiedy burżuazji udało się zgromadzić środki techniczne i finansowe na dokończenie budowy, niezwykła kopuła wieńcząca budowlę nie była już tylko hołdem dla Najświętszej Maryi Panny: nadała prestiż nie tylko swojemu architektowi, arystokracji i lokalne duchowieństwo, ale także Gildie, które go sfinansowały, oraz robotnicy z różnych dzielnic, którzy brali udział w pracach. Sukces tej kopuły wywołał entuzjazm dla budowy nowych kościołów we Florencji.
Początki druku, ponowne odkrycie wielu pism starożytnych, eksploracja za oceanem i poszerzanie szlaków handlowych zaburzyły wiedzę i rozbudziły nowy smak listów. Uświadomienie sobie, że starożytne filozofie nie miały związku z chrześcijaństwem i jego teologicznymi zasadami, jest jednym z korzeni humanizmu, który, chociaż przyznaje, że Bóg ustanowił i utrzymywał uporządkowany Kosmos, zakłada, że do człowieka należy ustanowienie i utrzymanie porządku społecznego.
Poprzez humanizm rozsądek obywatelski, szacunek i udział w utrzymaniu porządku społecznego narzuciły się jako nowe znaki obywatelstwa. Zaangażowanie jednostek w życie miasta zostało w spektakularny sposób odzwierciedlone we Florencji przez wybudowanie przez Brunelleschiego Szpitala Niewiniątek z elegancką kolumnadą łączącą tę charytatywną instytucję z ogrodem publicznym i biblioteką. , gdzie zbiór książek i rękopisów Medyceuszy został udostępniony uczonym w całej Europie.
Cechy, które stały się początkiem prosperity miasta, zleciły także budowę kilku budynków sakralnych. Kopuła zbudowana przez Brunelleschiego dla katedry we Florencji bardziej niż jakikolwiek inny budynek należała do ludzi, ponieważ za budowę każdego z ośmiu segmentów kopuły zapłaciła inna dzielnica miasta.
W kontaktach z humanistami wielkie fortuny zrozumiały, że podobnie jak Akademia Platona w Atenach , udział w promocji oświaty i sztuki należy do ludzi uprzywilejowanych przez fortunę i edukację. W ten sposób rodziny patrycjuszy – Medyceusze z Florencji, Gonzaga z Mantui, Farnese z Rzymu, Sforzowie z Mediolanu, skupiły wokół siebie kręgi uczonych i artystów, których dobrobyt zapewniały jednocześnie materialny i rozgłos.
W okresie renesansu architektura przestała być jedynie praktyką zawodową i stała się przedmiotem dyskusji wśród wykształconych obywateli. Sami architekci publikowali swoje pomysły, a prasa drukarska odegrała dużą rolę w rozpowszechnianiu ich teoretycznego dyskursu:
Wszystkie te książki, które ze szkodą dla tradycji i technik materialnych podkreślały zasady, idee i innowacje mistrzów, były o wiele bardziej przeznaczone dla mecenasów lub potencjalnych klientów (książąt lub zamożnych kupców), niż dla architektów. Z architektury uczynili szlachetną dyscyplinę, a nie zawód murarza.
Wielcy architekci florenckiego renesansu, Quattrocento , to Brunelleschi , Michelozzo i Alberti .
Filippo Brunelleschi (1377–1446) jest powszechnie uważany za inaugurację renesansu w architekturze. Zasadniczą linię twórczości Brunelleschiego można podsumować pojęciem „porządku”.
Wczesnym XV -go wieku, Brunelleschi zainteresował się relacji między kształcie przedmiotu i obrazu, że oko od pewnego miejsca daje. Z budowli o prostoliniowych konturach, takich jak baptysterium we Florencji i otaczające go bruki, przekonał się, że władca dający obraz widziany przez oko odpowiadał dość dokładnie na perspektywę liniową .
Ciekawe wydało się, że w przeciwieństwie do współczesnych gotyckich budowli, pozostałości zabytków starożytnego Rzymu podlegały prostym regułom matematycznym. Jedno wydawało się absolutnie niepodważalne: systematyczne stosowanie sklepień półkolistych. Gotyckie sklepienia ostrołukowe prezentowały bardzo zmienne proporcje wysokości do szerokości i nierzadko zdarzało się, że łuki tego samego kościoła miały różne kąty.
Manetti informuje, że to dzięki uważnej obserwacji pozostałości architektury rzymskiej Brunelleschi zainteresował się symetrią i zachowaniem pewnych proporcji między częściami budynku a wymiarami całości, przy czym każda część ma swój własny zestaw proporcji. . Brunelleschi uzyskał wsparcie kilku bogatych kupców florenckich, w tym Cosimo de Medici i cechu jedwabników .
Katedra we FlorencjiPierwszy projekt został powierzony Brunelleschi osiągnięcia pokrycia transeptu z niedokończonej katedry we Florencji , rozpoczętej w XIV -go wieku przez Arnolfo di Cambio . Chociaż katedra ta jest uważana za jedną z pierwszych budowli renesansowych, należy zauważyć, że Brunelleschi, poza zuchwałością swojego projektu ceglanej kopuły, nadal używał tam ostrołukowego łuku i żeber. i które najwyraźniej przewidział Arnolfio. Jeśli jednak konstrukcja ta nawiązuje stylistycznie do gotyku, to równie prawdą jest, że jej kopuła była inspirowana wielką kopułą Panteonu w Rzymie , ponieważ Brunelleschi, szukając rozwiązania konstrukcyjnego swojego problemu z pokryciem dachowym, nie mógł nie myśleć o tym.
Na podniebienia kopuły monocoque rzymskiego Panteonu jest elegancko kasetonowe, co znacznie rozjaśnia strukturę. Podziały kesonów są żebrowane, choć jest to niezauważalne wizualnie. Wreszcie wierzchołek kopuły jest przedziurawiony okrągłym otworem o średnicy 8 m . Brunelleschi wykazał w ten sposób, że kopuła o ogromnych rozmiarach może obejść się bez kluczowego segmentu . Ciężar ceglanej kopuły we Florencji jest przenoszony przez osiem dużych żeber i szesnaście żeber wewnętrznych, a cegły są połączone w pary jak kość rybna. Pomimo różnicy między zastosowanymi technikami, zarówno kopuła Panteonu, jak i kopuły Florence opierają się na gęstej ramie z żeber podtrzymujących maksymalnie rozjaśnioną skorupę (kesony dla Panteonu, podwójna skorupa z wewnętrzną przestrzenią dla Duomo ); dodatkowo obie kopuły są u góry ażurowe.
San LorenzoPrawdopodobnie nie ma lepszej ilustracji nowego architektonicznego credo niż w kościołach San Lorenzo i Santo Spirito we Florencji. Te dwa kościoły, zaprojektowane przez Brunelleschiego odpowiednio około 1425 i 1428, mają plan krzyża łacińskiego . Respektują zasadę modułu, to znaczy, że każda część budynku jest wielokrotnością boku skrzydła o rzucie kwadratu. Ta długość jednostki kontroluje również pionowe wymiary budynku. W przypadku Santo Spirito, którego plan jest całkowicie regularny, transepty i prezbiterium są identyczne, natomiast nawa jest wersją rozciągniętą. W 1434 r. wraz z kościołem Santa Maria degli Angeli we Florencji Brunelleschi zainaugurował pierwszą renesansową budowlę na planie centralnym. Zbudowany jest wokół centralnego ośmiokąta , otoczonego ośmioma mniejszymi kaplicami. Następnie kilka kościołów przyjmie odmiany tego schematu.
Michelozzo Michelozzi (1396–1472), inny architekt emerytowany z Medyceuszy , pozostaje jako główny budowniczy pałacu Medici-Riccardi , który został mu zlecony przez Cosimo de Medici w 1444 roku. Dekadę później zbudował Villa Medici w Fiesole . Wśród innych projektów, które zrealizował dla Cosimo Starszego, warto wymienić bibliotekę klasztoru San Marco we Florencji. Przez pewien czas podążał za swoim patronem na wygnaniu w Wenecji i był jednym z pierwszych architektów, którzy wyeksportowali styl renesansowy poza Włochy, budując pałac w Dubrowniku.
Dekoracja Pałacu Medici-Riccardi, z jego wykuszami z frontonami i wpuszczonymi drzwiami, pozostaje klasyczna, ale w przeciwieństwie do dzieł Brunelleschiego i Albertiego, porządki kolumn wydają się nieobecne. Michelozzo raczej odpowiadał na upodobanie Florentczyków do rustykalnego aparatu . Na każdym z trzech pięter przedstawia inne urządzenie, które wydaje się odpowiadać witruwiańskiej logice porządku, a całość wieńczy ogromny romański gzyms, zawieszony 2,50 m nad ulicą.
De re ædificatoria przez teoretyka Leon Battista Alberti , urodzony w Genui (1402-1472), miał decydujący wpływ na historię architektury. Jednym z głównych aspektów humanizmu było zainteresowanie przyrodą, a w szczególności anatomią człowieka , nauką kultywowaną już przez starożytnych Greków. Humanizm stawiający człowieka w centrum świata, Alberti uważał architekta za głównego aktora społecznego.
Sporządził plany kilku budynków, ale w przeciwieństwie do Brunelleschiego pogardzał praktyką i zlecał kierowanie placami budowy swoim asystentom. Cudem, jedno z jego arcydzieł, Bazylika św. Andrzeja w Mantui , zostało ukończone bez odstępstwa od pierwotnych intencji mistrza; Kościół św. Franciszka z Rimini , mający zastąpić kościół gotycki i który podobnie jak św. Andrzej z Mantui powinien mieć fasadę przypominającą rzymski łuk triumfalny, poniósł zupełnie inny los i pozostał niedokończony.
Ta bazylika Saint-André oferuje żywą architekturę zarówno wewnątrz, jak i na zewnątrz. Jego triumfalna fasada prezentuje najbardziej gwałtowne kontrasty: niefunkcjonalna ornamentyka pilastrów, służąca jedynie do odróżnienia poszczególnych części, jest mało wystająca, co kontrastuje z głęboko osadzonym łukiem, który rysuje gigantyczny portyk wokół wejścia. Rozmiar tego łuku przeciwstawia się dwóm otworom zwieńczonym kwadratem, który go otacza. Gra światła i cienia w pełni oddziałuje na elewację dzięki bardzo płaskiej ornamentyce i gankowi z niemal przesadną płaskorzeźbą. W architekturze wnętrz Alberti zrezygnował z nawy głównej i tradycyjnych naw bocznych, aby zastąpić je majestatycznym przejściem naprzemiennie wysokimi łukami i kołyskami o planie kwadratu, które można postrzegać jako lustro motywu „ łuku triumfalnego ” na fasadzie ...
Dwa najsłynniejsze dzieła Albertiego znajdują się we Florencji: Pałac Rucellai (1446–511) i kościół Santa Maria Novella . Po pierwsze, Alberti odrzucił trzy klasyczne zamówienia kolumn na trzech poziomach fasady.
W Santa Maria Novella został poproszony o dokończenie zdobienia fasady. Jego projekt był gotowy pod koniec 1456 roku, ale jego realizacja trwała do 1470 roku. W dolnej części fasady znalazły się nisze w najczystszej tradycji gotyckiej oraz dwukolorowe wzory marmuru (zielona i kremowa biel). Artysta musiał także zintegrować duże okulus na końcu nawy. Alberti po prostu szanował pracę swoich poprzedników nad budową, zwłaszcza że florencka tradycja polichromowanych fasad została mocno zakorzeniona w najsłynniejszym zabytku w tym mieście, a mianowicie baptysterium San Giovanni . Ornamenty, ze względu na to bogactwo kolorów, są więc bardzo mało rzeźbione, ale podział na prostokąty i wzory kart do gry wokół okulusa tworzą swoisty ład architektoniczny. Alberti jest też pierwszym, który połączy dachy naw bocznych z dachem nawy dwiema dużymi wolutami , co stanie się motywem przewodnim nowej architektury, rozwiązującej problem zrównania elewacji między dwiema częściami o nierównej wysokości.
Przez cały XV -go wieku, kilka włoskie sądy książęce były w stanie wznieść się do czołówki europejskiej sceny kulturalnej i artystycznej.
I tak na dworze książąt Gonzagi w Mantui Alberti sporządził plany dwóch kościołów, a mianowicie bazyliki św. Andrzeja i kościoła św . Sebastiana .
Urbino i jego Pałac Książęcy był ważnym placem wojskowym , na którym mieściła się również jedna z najpiękniejszych bibliotek w Europie. Ferrara , rządzone przez książąt D'Este , zdjął w końcu XV -go wieku, architektonicznie, to świeciło z Palazzo dei Diamanti i Palazzo Schifanoia zbudowany Borso d'Este . Mediolan książąt Visconti jako pierwszy był świadkiem ukończenia Certosa di Pavia ; z Sforzów obdarzony miasto z potężną fortecę ze słynnym Castello .
W Wenecji San Zaccaria otrzymał swoją renesansową fasadę od architektów Antonio Gambello i Mauro Codussiego w latach 80. XVIII w. Giovanni Maria Falconetto , weroński architekt-rzeźbiarz, z loggią ogrodów Alvise Cornaro , wprowadził architekturę renesansową do Padwy.
W południowych Włoszech to właśnie Alfons V Aragoński po zdobyciu Królestwa Neapolu sprowadził mistrzów nowego stylu. Ich najwspanialsze osiągnięcia w Neapolu to Cappella Caracciolo , przypisywana Bramantemu, oraz Palazzo Orsini di Gravina , zbudowany przez Gabriele d'Angelo w latach 1513-1549.
Pomiędzy końcem XV TH i początku XVI -go wieku, niektórzy architekci Bramante , Antonio da Sangallo , etc. zdołali odnowić pierwotny impet z poprzedniego stulecia i wiedzieli, jak wyrażać swoje idee we wszelkiego rodzaju budynkach: kościołach, rezydencjach (pałazzi) bardzo różniących się od tego, co było do tej pory. Zdobnictwo stało się bardziej obciążone, posągi, kopuły i kopuły nabrały rozmachu. Okres ten, który zbiega się z karierami Leonarda da Vinci , Michała Anioła i Rafaela , nazywany jest „wysokim renesansem”.
Bramante , (1444-1514), pochodzący z Urbino , porzucił malarstwo dla architektury. Przez 20 lat był w służbie księcia Mediolanu Ludovica Sforzy . Wraz z upadkiem Mediolanu w 1499 Bramante wyjechał do Rzymu i pod opieką papieży wzniósł się do chwały.
Arcydziełem Bramantego w Mediolanie jest połączenie transeptu i chóru kościoła Santa Maria delle Grazie w Mediolanie . Jest to konstrukcja ceglana, której kształt nawiązuje do północnowłoskich tradycji baptysterium z kwadratową kopułą. Kościół jest wyśrodkowany na planie, z tym, że biorąc pod uwagę specyfikę miejsca, prezbiterium przekracza zasięg transeptu. Narodziny jej półkulistej kopuły o średnicy około 20 m , ukrytej za ośmiobocznym ażurowym tympanonem na górnym poziomie sklepionych przęseł. Zdobienia okładzin zewnętrznych wykonane są z lokalnych płytek ceramicznych .
W Rzymie Bramante zbudował Tempietto klasztoru San Pietro in Montorio , okrągły budynek, który sam nazwał „perłą architektury” . Ta skromna świątynia, która zajmuje rzekome miejsce tortur apostoła św. Piotra , adaptuje ornamentykę znalezioną na ruinach świątyni Westy , najświętszej świątyni starożytnego Rzymu. Kontrastuje przestrzennie z otaczającym go krużgankiem. Gdy podchodzimy do niego od strony krużganka, widzimy, że jest zbudowany na dziedzińcu z łukami i kolumnami, których jest echem.
Bramante kontynuował karierę w Watykanie , gdzie produkowanej imponujące cortilees o św Damazego i Belvedere . W 1506 roku papież Juliusz II wybrał projekt Bramantego przebudowy bazyliki św. Piotra , który mógł śledzić prace fundamentów. Po kilku modyfikacjach pierwotnego planu, jeden z jego następców na miejscu, Michał Anioł , przywrócił idee Bramantego por. infra: § Michał Anioł.
Antonio da Sangallo Młodszy (1485-1546) pochodził z rodziny inżynierów wojskowych. Jego wuj Giuliano da Sangallo , który na próżno walczył o odbudowę Bazyliki św. Piotra, uzyskał na pewien czas współnadzór nad dziełem u boku Rafaela .
Antonio da Sangallo z kolei ofiarował swoje usługi dla Saint-Pierre; po śmierci Raphaëla miał objąć kierownictwo prac; jego następcą na tym stanowisku będzie Michał Anioł.
Swoją świetność zawdzięcza jednak nie tym funkcjom, ale raczej projektowi Palazzo Farnese , rozpoczętego w 1530 roku. Wrażenie wielkości tej budowli nie wynikają tak bardzo z jej proporcji (56 m długości na 29,50 m. m .). wysoki) lub na fakt, że zajmuje centrum wspaniałego placu, na kanoniczne piękno jego proporcji, niezwykłe jak na tak duży i okazały pałac, oraz na to, że został zbudowany z cegieł pokrytych sztukaterią , a nie kamieniem. Kamień łańcuchowym rogu , masywny rustykalny portal i rytm z dużymi wykuszami delikatnie stały się przeciwko blado różowe obszary ścian nadają charakter uroczystości, która już zapowiada Klasycyzm . Drugie i ostatnie piętro dobuduje Michał Anioł. To bardzo widoczne, że ten wspaniały budynek został zbudowany z cegły; ponieważ trawertynowe kamienie ozdób nie zostały wydobyte z kamieniołomu, ale z ruin Koloseum .
Raphaël d ' Urbino (1483–1520) przed osiedleniem się we Florencji był uczniem Le Pérugin w Perugii . Był przez kilka lat głównym architektem Bazyliki św. Piotra w Rzymie , z Antonio Sangallo jako współpracownikiem. Zrealizował plany kilku budynków, z których większość została wykonana przez innych. Jego najbardziej znanym projektem jest Pałac Pandolfini we Florencji, którego dwie kondygnacje przeprute są oknami „ tabernakulum ”, oddzielonymi od siebie pilastrami, podkreślonymi gzymsami oraz naprzemiennie łukowymi i trójkątnymi frontonami.
Manieryzm w architekturze jest oznaczony przez artystyczną śmiałość niektórych wielkich nazwisk: Michelangelo , Giulio Romano , Baltazara Peruzzi i Andrea Palladio , tego znaku jako kamienie milowe w kierunku stylu barokowym , który będzie jednak zupełnie inny retoryki renesansu.
Baldassarre Peruzzi (1481-1536), architekt sieneński działający w Rzymie, wyznacza przejście między renesansem a manieryzmem. Jego Villa Farnesina (1509) to monumentalny sześcian o dwóch równych poziomach, którego okna uwydatniają pilastry respektujące hierarchię porządków. Rezydencja ta wyróżnia się bogactwem fresków w wystroju wnętrz.
Ale arcydziełem Peruzziego jest niewątpliwie Palazzo Massimo alle Colonne w Rzymie, którego zakrzywiona fasada podąża za konturami sąsiedniej drogi. Parter posiada duży portyk wyśrodkowany równolegle do ulicy, ale osadzony we wnęce, która ponadto przez długi czas służyła jako schronienie dla potrzebujących. Spośród trzech górnych kondygnacji, dwie pierwsze mają takie same rzędy małych okienek delikatnie obramowanych bardzo dyskretnymi nadprożami, co jeszcze mocniej kontrastuje z ciemną bryłą ganku.
Giulio Romano (1499-1546), uczeń Rafaela, asystował mu w wielu budynkach Watykanu. Romano był pomysłowym i multidyscyplinarnym architektem: Palazzo del Te w Mantui (1524–1534), który zaprojektował dla Fryderyka II z Gonzagi , świadczy o jego talentach jako rzeźbiarz i malarz. Połączył budowę jaskini , aranżację ogrodów, sal z licznymi freskami, w których nieustannie bawi się efektami iluzorycznymi , prowokuje zwiedzającego poprzez architektoniczną niespójność tematów, kształtów i faktur oraz celowe poszukiwanie nierównowagi i nieprawdopodobny. Ilan Rachum widzi w Romano „jednego z pionierów manieryzmu. "
Michelangelo Buonarroti (1475-1564) jest jednym z gigantów tego okresu; jego dzieła wyznaczają wysoki renesans. W tym samym czasie celował w malarstwie, rzeźbie i architekturze i we wszystkich tych dyscyplinach jego twórczość burzyła tradycyjne koncepcje. Swoją reputację architekta zawdzięcza głównie trzem projektom: dekoracji wnętrz Biblioteki Laurentyńskiej , przedsionka klasztoru San Lorenzo we Florencji oraz Bazyliki św. Piotra w Rzymie.
Saint-Pierre było „największym dziełem renesansu” , ale jeśli wyróżniło się tam kilka wielkich nazwisk w architekturze, jego udany stan nosi bardziej ślad Michała Anioła niż jakiekolwiek inne.
Św. Piotr z RzymuPlan przyjęty do położenia pierwszego kamienia w 1506 r. był autorstwa Bramante; później kilka zmian zostało wprowadzonych przez późniejszych architektów, ale Michał Anioł, kiedy objął kierownictwo projektu w 1546 r., postanowił powrócić do planu krzyża greckiego Bramante i przeprojektował filary, ściany i kopułę, nadając niższej infrastrukturze bardziej masywne proporcje i eliminując nawy boczne , identyczny z transeptem, promieniujący wokół prezbiterium. Helen Gardner (w) tak podsumowuje wybór artysty: „Michelangelo kilkoma pociągnięciami pióra uwolnił go z puszystej matrycy, by uczynić z niego masywną i spójną całość. "
Kopuła Michała Anioła, prawdziwe arcydzieło wynalazku, ma podwójny kadłub usztywniony na żebrach, zwieńczony, jak Duomo we Florencji, masywną latarnią . Na zewnątrz budynku wyobraził sobie nowy porządek w architekturze: porządek kolosalny , w którym określone są wszystkie proporcje zewnętrznych okien, a całość łączy szeroki gzyms, który niczym wstążka biegnie wokół okien dachów.
Jest model kopuły, na którym widać, że jej zewnętrzna powłoka powinna być półkulista. Kiedy Michał Anioł zmarł w 1564 roku, bęben podtrzymujący kopułę bazyliki był właśnie ukończony. Jednak następujący architekt, Giacomo della Porta , wykonał kopułę znacznie wyższą niż wskazuje model: generalnie widzimy inicjatywę tej della Porta, mającą na celu zmniejszenie nacisków przy urodzeniu; ale jest całkiem prawdopodobne, także stylistycznie, że wyboru tej bardziej przewiewnej linii dokonał sam Michał Anioł
Biblioteka LaurentianManiera Michelangelo jest nigdzie lepiej niż w przedsionku Biblioteki Laurenziana. Pomysł polegał na tym, aby pomieścić kolekcję rękopisów z klasztoru San Lorenzo we Florencji , tego samego kościoła, którego architekturę zaburzył Brunelleschi i gdzie jako pierwszy uchwalił zasady używania klasycznych porządków i ich różnych ozdób. Właśnie Michał Anioł przejmie zasady Brunelleschiego i naginie je do własnego geniuszu.
Sama biblioteka znajduje się na pierwszym piętrze: jest to bardzo wydłużona sala ze zdobionymi sufitami, do której dochodzi wyłożona kafelkami podłoga, którą następcy Michała Anioła zrealizują w duchu twórcy. Ale pomimo swoich rozmiarów, ten pokój jest pełen wdzięku, oświetlony naturalnym światłem wpadającym przez długi rząd okien wykuszowych, przerywanych pilastrami biegnącymi wzdłuż ścian. Przedsionek jest rozległy, wyższy niż szeroki i zaśmiecony dużymi schodami, które wyglądają jak „potok lawy” (by użyć obrazu Pevsnera ) wyrzucony z biblioteki i rozszerza się w trzech kierunkach, gdy wchodzi do pokoju. Parter. Wrażenie majestatu tych klatek schodowych potęguje fakt, że stopnie biegu centralnego są wyższe niż stopni bocznych (w związku z tym ma tylko osiem stopni zamiast dziewięciu).
Biorąc pod uwagę wrażenie zatłoczenia przedsionka, można by się spodziewać, że ściany będą poprzecinane na wpół zazębionymi pilastrami; ale Michał Anioł wolał używać par kolumn, które zamiast dumnie opierać się o przegrodę, są zatopione głęboko w niszach. W pobliskim kościele San Lorenzo Brunelleschi zastosował już listwy konsol, aby przełamać monotonię poziomego belkowania arkadowego. Michał Anioł zapożycza ten motyw od Brunelleschiego i każdą parę kolumn niszowych opiera na parach wsporników knagowych . Pevsner pisze na ten temat: „La Laurenziana… wyraża architektoniczną manierę w jej najbardziej wysublimowanym świetle. "
Giacomo della Porta (ok. 1533–1602) pozostaje architektem, który faktycznie zbudował kopułę Bazyliki Świętego Piotra. Nadal spekuluje się o ojcostwie zmian, jakie zaszły między obecną kopułą a modelem, przypisywanych czasami della Porta, czasami Michałowi Aniołowi.
Della Porta większość swojej kariery spędził w Rzymie, gdzie projektował wille, rezydencje i kościoły w stylu manierystycznym. Jednym z jego najsłynniejszych osiągnięć jest fasada kościoła Gesù , projekt powierzony mu przez jego mistrza Vignole . Zachowało się tam kilka cech pierwotnego projektu, z subtelnymi modyfikacjami, by nadać części centralnej większej wagi, gdzie della Porta wykorzystuje między różnymi motywami trójkątny fronton wieńczący niski łuk ganku wejściowego. Piętro i jego fronton sprawiają wrażenie zmiażdżenia podstawy. Część środkowa, jak u św. Andrzeja Mantui, podejmuje motyw łuku triumfalnego, ale z dwoma poziomymi podziałami, jak w Santa Maria Novella Por. wyżej : § Alberti. . Połączenie naw bocznych z nawą jest pokryte wolutami Albertiego, w przeciwieństwie do projektu Vignole'a, który przewidywał znacznie skromniejsze knagi i cztery posągi wieńczące pary pilastrów, aby nadać nawom większą objętość. Wpływ Gésù będzie odczuwalny we wszystkich barokowych kościołach w Europie.
Andrea Palladio (1508-1580), którego brytyjski historyk B. Fletcher nie waha się nazwać „najbardziej wpływowym architektem całego renesansu” , jest kamieniarzem, który odkrył humanizm poprzez poetę Gian Giorgio Trissino . Pierwszym powierzonym mu projektem była rekonstrukcja bazyliki palladiańskiej w Vicenzy , w Veneto , regionie, w którym miał następnie realizować całą swoją karierę.
Przyglądając się praktykom starożytności murarzom, Palladio zaburzył trendy architektoniczne w budowie pałaców i kościołów. Podczas gdy architekci we Florencji i Rzymie poszukiwali formalnych modeli w Koloseum lub Łuku Konstantyna , Palladio ograniczył strukturę rzymskich świątyń do ich perystylów; i za każdym razem, gdy używał motywu „ łuku triumfalnego ”, aby oczyścić wejście otoczone dwoma prostokątnymi przęsłami, ograniczał jego rozmiar, w przeciwieństwie do monumentalnych łuków Albertiego w kościele Saint-André: mówimy o „ łuku palladiańskim ” .
Najbardziej znanym świeckim budynkiem Palladio jest Villa Capra, zwana także Rotonda , rezydencja z planem pośrodku przedsionka przykryta kopułą, składająca się z czterech identycznych fasad, z których każda jest ozdobiona świątynnym portykiem podobnym do tego z Panteonu w Rzym. W Villi Cornaro wysunięty portyk północnej elewacji i niszowa loggia od strony ogrodu są zintegrowane z własnym piętrem zgodnie z zamówieniem , górne piętro tworzy balkon .
Jeśli chodzi o fasady kościołów, Palladio, podobnie jak Alberti, della Porta i inni, musiał rozwiązać problem optycznego połączenia naw w nawie, jednocześnie nadając budynkowi jedność konstrukcyjną; tylko tutaj rozwiązanie znalezione przez Palladio jest radykalnie odmienne od rozwiązania Della Porta: w bazylice San Giorgio Maggiore w Wenecji nakłada on niską i szeroką świątynię na bardzo wysoką świątynię, której kolumny stoją na wysokich cokołach. którego wąskie nadproże i pilastry mieszają się z kolosalnym porządkiem nawy głównej.
We Włoszech przejście architektury od renesansu florenckiego do baroku wydaje się przebiegać gładko: nie pisze Pevsner, powołując się na przedsionek biblioteki Laurentian, że „często mówi się, że motywy ścienne czynią Michała Anioła ojcem barok ” ?
Ale jeśli ciągłość była regułą we Włoszech, to nie zawsze tak było gdzie indziej. Przyjęcie stylu renesansowego w architekturze było czasami bardzo powolne, a następnie dokonywało się w bardzo krótkim czasie, jak widać w Anglii. Rzeczywiście, w momencie, gdy papież Juliusz II kazał zburzyć starą bazylikę Saint-Pierre, aby odbudować budynek według swoich upodobań, Henryk VII dodał nową kaplicę w stylu gotyckim, prostopadłą do opactwa Westminster ; wtedy gdy nazwalibyśmy stylu baroku urodził się we Włoszech na początku XVII -tego wieku, pierwszy prawdziwie budynki renesansowe wyrastają w Greenwich i Whitehall po długim okresie eksperymentowania z powodów, dla starożytnych, w połączeniu z tradycyjnym angielskim formy, lub odwrotnie, po przyjęciu struktur „renesansowych” w całkowitej nieznajomości zasad rządzących ich użytkowaniem. I wreszcie, gdy Anglicy dopiero zaczynali odkrywać zasady klasycyzmu, Włosi próbowali się od nich uwolnić. Po wprowadzeniu Restoration Anglii (który z 1660s), moda architektoniczny zmienił znowu i smak dla baroku twierdzono. Tak więc, zamiast postępującej ewolucji, jak we Włoszech, barok przybył do Anglii „uzbrojony i w hełmach”.
W kilku częściach Europy, gdzie klasyczne konstrukcje, inspirowane na przykład kościołem Santo Spirito Brunelleschiego lub pałacem Medici-Riccardi Michelozza, były bezprzykładowe, architektura barokowa zakorzeniła się bez zmian, nawiązując do lokalnego stylu postśredniowiecznego. Ekspansja stylu barokowego i wykorzenienie architektury tradycyjnej lub renesansowej jest szczególnie widoczne w krajach, które zdobyły kontrreformacja .
Jeśli pierwsza połowa XVI -tego wieku cechował prymatu gospodarczego i wojskowego Francji i Hiszpanii, koniec stulecia pojawiło się Zjednoczonych Prowincji Tudor England, Świętego Cesarstwa Rzymskiego iz Rosji. W tym właśnie porządku narody te zaczęły aklimatyzować do siebie styl renesansowy, jako znak ich prestiżu kulturowego. Wyjaśnia również, że zajęło przynajmniej początek XVI th century do renesansu zaczął mówić poza Włochami.
Jednak włoscy architekci przez długi czas byli najbardziej poszukiwani w Europie: Sebastiano Serlio we Francji, Aristotile Fioravanti w Rosji i Francesco Fiorentino w Polsce ; wtedy artyści niewłoscy zaczęli studiować swoich poprzedników i tłumaczyć ich pisma na język narodowy. We Francji byli to Guillaume Philandrier i Philibert Delorme (1510–1570), z Hiszpanii Jean de Bautista z Toledo († 1567), z Anglii Inigo Jones (1573–1652). W Europie Północnej księgi i kolekcje tablic rytowanych , z ich planami i rysunkami wymienionych ornamentów, odegrały istotną rolę w upowszechnieniu stylu renesansowego; w przypadku tych krajów głównymi autorami są Androuet du Cerceau (Francja), Pieter Coecke van Aelst i Hans Vredeman de Vries z Holandii; Architectura niemieckiego Wendel Dietterlin (1593/94) jest niewątpliwie skrajnym przypadku transmisji poprzez rysunek sam.
Renesans we Francji rozpoczął się pod koniec wojny stuletniej i upadku Konstantynopola w 1453 roku. Później pojawiły się różne style, tradycyjnie podzielone na cztery części. Pierwszym aktem jest styl Ludwika XII (ok. 1495-1530) stanowiący przejście między stylem gotyckim a renesansowym . Jednak ten pierwszy styl osłabł od 1515 roku, zwłaszcza w Dolinie Loary , gdzie szybciej dało się odczuć pełną akceptację włoskiego renesansu . Jak w Włoszech , trzy fazy następnie stanąć do początków XVII -tego wieku , pierwszy i drugi francuski Renaissance kończąc na manieryzmu .
Koniec wojny stuletniej oznacza wprowadzenie władzy królewskiej w Dolinie Loary i rozpoczęcie budowy pierwszych zamków mieszkalnych. Karol VII i Ludwik XI zamawiają lub promują budowę pierwszych zamków Loary ; tak więc od 1453 r. główny budynek zamku Montsoreau został zbudowany przez Jana II de Chambes . Jeśli Italianism nie istniał przez długi czas w Francji z Petrarki iw literaturze , Jean Fouquet w malowanie lub Laurana w Marsylii w architekturze , to przede wszystkim wojny we Włoszech od Karola VIII i Ludwika XII , które umieszczone Francję w kontakcie z Francji. Renesans sztuki odbywającej się wówczas we Włoszech . O ile sztuka gotycka nie umarła od razu, wraz z przybyciem pierwszych włoskich artystów do Amboise w 1495 roku , to jednak dawała oznaki dekadencji. Pomimo pewnych sukcesów w pierwszej połowie XVI -go wieku, proces przejściowy stylu Ludwika XII stopniowo nabiera formy wczesnego renesansu . Od lat 1515 formy gotyckie były stopniowo rozcieńczane we włoskim decorum.
Podczas pierwszej części panowania François I er (patrz zamków nad Loarą ), wiele włoskich architektów zapraszamy do sądu. Pod ich wpływem francuscy mistrzowie murarscy zbudowali wiele zamków, dostosowując architekturę włoskiego renesansu do stylów regionalnych i ograniczeń klimatycznych Francji (np. dodając wysokie dachy). Te zamki nad Loarą są najlepszym znanym przykładem, jak to jest w Château d'Écouen , zbudowany przez Anne de Montmorency na powrocie z wojny we Włoszech. Wszystkie te zamki na ogół charakteryzują się bardzo średniowiecznym wojskowym charakterem w formie, któremu towarzyszy tak zwana „włoska” dekoracja.
Pomimo tych przeżyć będą mieli cios w roku 1526 wraz z utworzeniem przez François I er , z School of Fontainebleau . Ta nowa fala artystów włoskich, liczniejsza niż dotychczas, będzie miała wielki wpływ na sztukę francuską, tworząc prawdziwy przełom w innowacjach tych artystów zarówno w dekoracji wnętrz, jak iw bardziej naukowym zastosowaniu antycznych porządków w architekturze. Do architektów , którzy w momencie stylu Ludwika XII i pierwszej renesansu były tradycjonaliści murarzy mistrzowskie i pełen werwy, pochodzą z 1530 naukowców i badaczy.
Z okazji nadejścia drugiego renesansu we Francji , Château d'Écouen (1532-1567) w Val-d'Oise został zbudowany przez architekta Jeana Bullanta dla Anne de Montmorency po jej powrocie z wojen we Włoszech . Dziś mieści się w nim Narodowe Muzeum Renesansu . Rok 1530 odpowiada zatem prawdziwemu przełomowi stylistycznemu, powszechnie uważanemu za koniec stylu Ludwika XII , który odnowił średniowieczną strukturę od 1495 r. dzięki składkom włoskim i jako definitywna akceptacja renesansu we Francji , który stopniowo pojawił się około 1515 r . .
Jeśli początek tego ruchu jest dobrze zaznaczony, to koniec okresu jest z drugiej strony przedmiotem niezgody: edykt nantejski z 1598 r. , oznaczający koniec wojen religijnych , często uważany jest za koniec Renesans, ale niektórzy historycy przerywają okres na początku pierwszej wojny religijnej , masakrą Wassów w 1562 r .; inni kończą okres z zamachu na Henryka IV w 1610 roku .
W ogóle Europa znacznie spacyfikowała się po bitwie pod Nancy w 1477 r., która wyeliminowała możliwość powstania potężnego państwa między Królestwem Francji a Świętym Cesarstwem Rzymskim . Ten okres pokoju sprzyja twórczości artystycznej; W tym czasie pojawia się pierwszy Lotaryński Renesans ( Pałac Książąt Lotaryngii ), którego złotym wiekiem będzie panowanie księcia Karola III Lotaryngii wraz z utworzeniem Uniwersytetu Pont-à-Mousson, a także budowa nowego miasta Nancy , oryginalne dzieło urbanistyczne, ponieważ założyło nowe miasto tuż obok średniowiecznego miasta. Renesans w Księstwie Lotaryngii zakończy się wraz z wojną trzydziestoletnią (1618).
Około 1564 roku francuscy artyści pozbyli się włoskiej kurateli, a francuscy architekci wykonali najważniejsze dzieła późnego francuskiego renesansu .
Tworząc ostateczne echo renesansu i humanizmu we Francji , ta ostatnia faza odbiega od klasycyzmu swoją fantazją twórczą, która może uzasadniać miano manieryzmu dla tego stylu . W chwili, gdy rozpoczęły się Wojny Religijne , które miały być naznaczone masakrą na Saint-Barthélemy , pesymizm i sceptycyzm ogarnęły ludzi i artystów o czysto humanistycznym wykształceniu. Starożytni myśliciele odniesienia stają się stoikami zamiast Platona . Jeśli humanizm przetrwa, jego głęboka filozofia ewoluuje, podjęta i ponownie przemyślana przez katolicką kontrreformację .
Jeśli chodzi o perspektywę , architektura renesansowa rozprzestrzeniła się w Holandii dość powoli, a ponadto nie wyparła całkowicie stylu gotyckiego. Cornelis Floris de Vriendt , architekt antwerpskiego ratusza (ukończonego w 1564 r.) bezpośrednio inspirował się włoskimi mistrzami. Styl czasami określany jako „manieryzm antwerpski”, który zachowuje formalne związki z gotykiem flamboyant , ale z większymi otworami, ornamentami kwiatowymi i ornamentami zapożyczonymi z włoskiego renesansu, jest tym, który można znaleźć głównie w Europie Północnej, Niemczech, a także Architektura elżbietańska w Anglii i wpisuje się w większy nurt artystyczny, Nordic Mannerism . Charakteryzuje go w szczególności wygląd szczytu wolutowego, bogato zdobionego i często najeżonego obeliskami , będącego w istocie adaptacją dawnych gotyckich szczytów flamandzkich z motywami włoskimi.
W Zjednoczonych Prowincji w Złotym Wieku , Hendrick de Keyser dał się poznać jako jeden z ojców Amsterdam renesansu , charakteryzuje się występowaniem wysokich domów z schodkowych szczytach ( trapgevel ), które stanowią silną pozostałość po średniowiecznej architektury lub systematycznego stosowania trójkątnych naczółków wysmukłych ku górze (naśladujących szczyt) nad drzwiami i wysokimi oknami. Zdobienie elewacji jest na ogół niezbyt wyraźne w postaci reliefu „w ciętej skórze ”, stylistycznej postaci wywodzącej się ze szkoły z Fontainebleau . Ta moda podbiła też Anglię.
Renesansowa architektura zdobyła Anglię za panowania Elżbiety I Re , dla Holandii , gdzie została wzbogacona o specjalne ozdoby, takie jak zwój z zębnikiem flamandzkim i ciętą skórę geometryczną do dekoracji ścian. Nowy styl pojawia się w dużych, kwadratowych, wieżowcach, takich jak Longleat House .
Pierwszym wielkim angielskim architektem inspirowanym włoską inspiracją był niewątpliwie Inigo Jones (1573-1652), który studiował we Włoszech w czasie, gdy wpływ Palladia był u szczytu. Jones wrócił do Anglii pełen entuzjazmu dla nowej architektury i natychmiast przystąpił do jej stosowania: w rezultacie w 1616 roku powstał Queen's House w Greenwich, a trzy lata później Banquet House w Whitehall . Te arcydzieła, ze swoją przejrzystą linią, zrewolucjonizowały projekty w całym kanale dzięki silnej symetrii, ponieważ kontrastowały z krajem dotychczas zakochanym w szprosach , blankach i wieżyczkach (patrz artykuł Styl Tudor ).
Architektura renesansowa dotarła do Skandynawii przez Flandrię: są tam wysokie fasady szczytowe i zamiłowanie do zamków, jak pokazuje przykład pałacu Frederiksborg. Z tego właśnie powodu neorenesansowy styl krajów skandynawskich inspirowany jest tymi samymi wzorami.
W Danii za panowania Fryderyka II i Chrystiana IV rozkwitła architektura renesansowa . Zainspirowani zamkami nad Loarą flamandzcy architekci wyobrażali sobie arcydzieła, takie jak zamek Kronborg w Elsinore i pałac Frederiksborg (1602–1620) w Hillerod, największy renesansowy budynek w Skandynawii.
W Szwecji zamach stanu Gustawa I er Wazy i początki reformacji protestanckiej zapoczątkowały nagły postój w budowie zamku i hoteli arystokratycznych, ale zaowocowały narodzinami wspaniałych zamków dynastii Wasów. Zbudowano je w strategicznych miejscach, zarówno po to, by kontrolować terytorium, jak i po to, by pomieścić wędrowny dwór. Zamki Gripsholm, Kalmar i Vadstena wyróżniają się połączeniem elementów średniowiecznych i renesansowych.
Architektura w Norwegii została naznaczona kataklizmem Czarnej Śmierci w okresie Renesansu, który położył kres budowie: ponadto istnieją tylko rzadkie przykłady budowli renesansowych w tym kraju; najbardziej znane to wieża Rosenkrantz w Bergen ; baronia Rosendal z Hardanger ; ówczesny im dwór Austrat koło Trondheim ; wreszcie niektóre części twierdzy Akershus .
Fińska architektura nie zawiera żadnych znaczących zabytków renesansowych.
Renesans w Świętym Cesarstwie Rzymskim był inspirowany filozofami i artystami, którzy, jak Johannes Reuchlin i Albrecht Dürer , odwiedzali Włochy. Wśród wielkich osiągnięć architektonicznych tego okresu są w szczególności rezydencja Landshut , zamek Heidelberg , zamek Johannisburg w Aschaffenburgu i ratusz Augsburg . W lipcu 1567 rada radnych Kolonii zatwierdziła projekt dwupiętrowej loggii w stylu renesansowym Wilhelma Vernukkena dla ratusza .
Kościół św Michała w Monachium jest największym renesansowy kościół na północ od Alp: zbudowany na prośbę księcia Williama V Bawarii między 1583 i 1597, aby to się duchowym centrum kontrreformacji , to s'inspirowany przy kościele Gesù . Jego architekt pozostaje nieznany.
Renesans niemieckojęzycznych ziem empirowych przejawia się w rzeczywistości w mniej spektakularny sposób, ale nadal widoczny jest dzisiaj w architekturze cywilnej i miejskiej poza zamkami, rezydencjami i innymi luksusowymi rezydencjami: jest ściśle związany z miastami handlowymi i rozkwitem Hansa (która osiągnęła swój szczyt w okresie renesansu) lub główne międzynarodowe szlaki handlowe, a także wolne miasta cesarskie lub niektóre miasta biskupie. Przejawia się to przede wszystkim w utrzymaniu raczej średniowiecznej tradycji dośrodkowego i opartego na tożsamości rynku, gdzie domy lokalnych dygnitarzy i kupców przyjmują nowe praktyki architektoniczne renesansu, aby pokazać swój polityczny i / lub ekonomiczny ciężar. Następnie styl barokowy będzie w większym lub mniejszym stopniu szczepiony w zależności od regionu. Na jednym centralnym placu dawnego wolnego cesarskiego miasta Schwäbisch Hall widać wyraźnie współistnienie obu stylów .
W zależności od stopnia zniszczenia zabudowy miejskiej podczas różnych wojen, które następowały po sobie w empirowych ziemiach od renesansu, dziś nadal możemy podziwiać małe miasteczka, a nawet wsie, niegdyś bardziej zamożne, z ulicami skomponowanymi niemal w całości z renesansowymi szczytami. Tak jest na przykład w miastach dotkniętych renesansem wezerskim, takich jak Lemgo czy Detmold. Na północy dominuje kamień, nawet jeśli niektóre westfalskie domy szachulcowe zachwycają dekoracją. Od południa duże, szachulcowe fasady ozdobione imponującymi wspornikami są reprezentatywne dla renesansowego szachulca ratuszów, domów cechowych czy wielkich karczm. Dom Kammerzell w Strasburgu jest dobrym przykładem tego rodzaju codziennego architektury. Dom Dürera w Norymberdze jest przykładem modelu szachulcowego na kamiennym parterze. Dom renesansowego rytownika i malarza Lucasa Cranacha Starszego w Weimarze jest przykładem stylu kamiennego, podobnie jak szczyt sąsiedniej karczmy, dziś zabytku historycznego.
W Hiszpanii, renesans zaczął się wyróżniać od gotyku w ostatnich dziesięcioleciach XV -go wieku , rodzić do stylu znanego jako „ plateresque ” ponieważ przeciążone elewacje przywołują współczesny oko ornamenty wykonane z przeplotem z złotników , Plateros . Porządki witruwiańskie i motywy kandelabrów ( candelieri ) są dowolnie łączone w symetryczne bloki.
Począwszy od połowy XVI -tego wieku , z pokolenia Pedro Machuca Juan Bautista de Toledo oraz Juan de Herrera , powrót do dawnej architektury stały się bardziej wyraźne, czasem nawet przewidywanie manieryzm , jak pałacu Charles Quint w Granadzie i Escurial .
Podobnie jak w Hiszpanii, w Portugalii przejmowanie stylu renesansowego następowało stopniowo. SO- zwany styl manueliński (ok. 1490/35) w połączeniu z zabytkowych motywów PrawidĹ,owo gotyckich ozdób z powierzchownym inkorporacji żywiołowy ozdoby podobny do styl izabeliński Hiszpanii. Przykłady sztuki manuelińskiej obejmują wieżę Belém , gotyckie dzieło obronne z renesansowymi loggiami oraz klasztor Hieronimitów , którego renesansowe ornamenty zdobią portale, kolumny i krużganek.
Pierwsze czysto renesansowe budowle pojawiają się za panowania króla Jana III , jak kaplica Nossa Senhora da Conceição w Tomar (1532-1540), Porta Especiosa w katedrze w Coimbrze i kościół Graça w Évora (ok. 1530-1540), jak a także krużganek katedry w Viseu (ok. 1528–1534) i klasztor Chrystusa Tomar (klasztor Jana III, 1557–1591). W Lizbonie The Church of St. Roch w Lizbonie (1565/87) i manierystyczny Monastery of St. Vincent de Fora (1582/29), pod silnym wpływem architektury sakralnej, zarówno w Portugalii i w koloniach podczas wieków. Późniejszych wiekach .
Architektura renesansu w Polsce ma trzy główne okresy:
Niespodziewanie jednym z regionów Europy dotkniętych architekturą renesansową najwcześniej było Królestwo Węgier . Nowy styl ujawnił się po ślubie króla Macieja Korwina i Beatrycze z Neapolu w 1476 roku. Kilku włoskich artystów i murarzy podążyło za królową i osiedliło się w Budzie . Najważniejszą renesansową budowlą sakralną na Węgrzech jest kaplica Bakócz w katedrze w Ostrzyhomiu .
Dopiero z księcia Iwana III , że Rosja poznał architektury renesansowej: ten monarcha zaprosił kilku architektów z Włoch , który odnowił technik budowlanych i ozdabiania fasad, podczas harmonizujący z tradycyjnych cech architektury rosyjskiej. W 1475 r. architekt boloński Aristotele Fioravanti przybył, aby odbudować zniszczoną przez trzęsienie ziemi katedrę Zaśnięcia Najświętszej Maryi Panny na Kremlu . Fioravanti wziął dla modelu Katedra Vladimir ( XII th wieku) jako model, i na szczęście udało się połączyć tradycyjny styl rosyjski z poczuciem tomów, proporcji i symetrii własnego włoskiego renesansu.
W 1485 roku car Iwan III zlecił Alosiusowi z Mediolanu budowę Pałacu Terem w obrębie murów Kremla. Aloisius, wraz z kilkoma rodakami, również znacząco przyczynił się do budowy murów i baszt Kremla . Mała sala bankietowa carów , zwana Fasetowanym Pałacem, zawdzięcza swoją nazwę „diamentowemu” szlifowi białego kamienia, który pokrywa jej fasadę, jest dziełem dwóch włoskich artystów, Marco Ruffo i Pietro Solario , i nadal odzwierciedla włoski styl. W 1505 r. Włoch zwany po rosyjsku Aleviz Novyi wybudował dla Iwana III 12 kościołów, w tym katedrę św. Michała Archanioła w Moskwie , godną uwagi ze względu na sojusz tradycji rosyjskich oraz wymagania kultu prawosławnego i stylu renesansowego.
W XV -go wieku, obecny Chorwacja została podzielona na trzy stany: Północnej i Środkowej Chorwacji i Slawonii zostały przyłączone do Królestwa Węgier , natomiast Dalmacji (z wyjątkiem wolnego miasta Dubrownik ), znajdował się pod panowaniem Republiki Wenecji . Saint-Jacques katedra z Sibenika , rozpoczęto w stylu gotyckim w 1441 roku przez Jerzego Dalmate (Juraj Dalmatinac) . Niezwykłej konstrukcji, murowane odbywa się bez zaprawy betonowe bloki, pilastry i żebra są połączone przez czopów i mortises jak w tradycyjnych ramach. W 1477 r. prace, wciąż niedokończone, kontynuował Nikola Firentinac, który szanował metodę budowy i plany swojego poprzednika, wyposażając kościół w wysokie przęsła, sklepienia i kopułę w stylu renesansowym. Połączenie ostrołukowego łuku z dwoma dolnymi łukami półkolistymi dla naw bocznych nadaje fasadzie charakterystyczne trójpłatowe wzory , pierwsze tego rodzaju w regionie. Katedra została zarejestrowana w World Heritage of UNESCO w 2001 roku.
Podobnie jak w stylu neogotyckim , XIX th wieku nastąpił rozwój w stylu neorenesansowym ; i jeśli styl gotycki był uważany przez kilku teoretyków architektury za najbardziej odpowiedni dla kościołów, renesansowa willa teraz nadaje ton budynkom cywilnym poszukującym godności i wiarygodności, takim jak banki, kluby burżuazyjne i budynki Haussmanna. Budynki, dla których szukano wyrazu wielkości, takie jak Palais Garnier , są często w stylu manierystycznym lub barokowym. W dziedzinie architektury przemysłowej, fabrykach, sklepach i budynkach biurowych mają utrwalać zapał do palazzo renesansu aż dobrze w XX th century z neorenesansowym stylu i referencje wspierał włoskiego renesansu.
Wiele idei architektury renesansowej zostało wyrażonych w późniejszych stylach, od wysokiego renesansu do modernizmu i postmodernizmu poprzez manieryzm , barok (lub „rokoko”), neoklasycyzm i eklektyzm .
Włosi : |
|
Na Półwyspie Iberyjskim :
|