Urodzona na Bliskim Wschodzie sztuka ceramiczna osiągnęła w starożytnej Grecji wysoki poziom artystyczny. Jest także ważnym świadectwem życia i kultury starożytnych Greków. Wazy greckie dotarły do nas w dużych ilościach: nawet jeśli prawdopodobnie stanowi to tylko niewielką część ówczesnej produkcji, do dziś zachowało się ponad 50 000 waz z samych Aten .
Malowane wazony używane były głównie w życiu codziennym najbogatszych, nawet arystokratycznych rodzin, na bankiet czy do toalety. Niektórzy zostali również wybrani, by oddawać cześć bogom lub zmarłym. Na co dzień używano zwykłej ceramiki. Jest przedmiotem coraz większej liczby badań. Ta malowana ceramika stanowi najważniejszą część zachowanego obecnie malarstwa starożytnej Grecji .
Wazony w stylu mykeńskim często przedstawiają formy życia morskiego, które są prawie wszystkie reprezentowane (ośmiornice, ryby, delfiny, gąbki ...).
Wazy z okresu protogeometrycznego (ok. 1050 -900 pne J.-C.) stanowią esencję artystycznego świadectwa początku ciemnych wieków . Wiele innych form sztuki (spalanie kości słoniowej , biżuterii , praca metalowy ) cierpi recesji podobny do tego, co było znane mykeńskiej malarstwo ścienne z końca XII th wieku.
Zamiast produkcja ceramicznych najpierw obudzić się w Atenach w końcu XI -tego wieku. Wazony są ozdobione błyszczącymi czarnymi wzorami lakieru z greckiej epoki brązu : technikę tę praktykowali Mykeńczycy. Ceramikę włącza się na szybszej tokarce niż wcześniej. Czasami wykorzystują motywy mykeńskie (faliste linie rysowane ręcznie), ale nowe motywy ( półkola , koncentryczne koła) są rysowane z większą ostrożnością, za pomocą cyrkla lub grzebienia. Dekoracja pozostaje prosta i dopasowuje się do kształtu wazonu, podkreślając jego kształty szerokimi poziomymi liniami lub czarnymi pasami.
Zakłady produkcyjne są rozsiane po całej Attyce, w szczególności na cmentarzu ceramicznym . Na Eubei , z Eretrią i Chalkisą , a także na stanowisku Lefkandi, które jest jednym z głównych miejsc pochodzenia ceramiki z tego okresu i utrzymuje w tym okresie połączenia z Cyprem i Kretą. W szczególności odkryliśmy wyjątkową figurkę centaura o wysokości 36 cm (Centaur Chiron, ranny w nogę). Jej kształty są bardzo stylizowane, a jej ciało zdobią kreskowanie i geometryczne kształty. Musiało mieć silną wartość symboliczną, ponieważ znaleźliśmy jego ciało w jednym grobie, a głowę w innym. Inne miejsca znajdują się w Tesalii i na Krecie.
Sztuka geometryczna kwitła około 900 do 700 roku pne. Charakteryzuje się nowymi wzorami, zrywającymi z ikonografią minojską i mykeńską: meandry i greka , trójkąty i inne wzory geometryczne (stąd nazwa okresu). Są ułożone w pasma oddzielone od czarnych obszarów potrójnymi liniami. Z biegiem czasu równowaga między ozdobnymi i ciemnymi pasami zostaje zerwana na korzyść wystroju: meandry i inne wzory pokrywają cały wazon.
Podczas gdy w Ancient Geometric (około 900 -850 pne J.-C.) znajdujemy tylko wzory geometryczne, w tzw. stylu „czarnego dipylonu”, który charakteryzuje się szerokim zastosowaniem czarnego lakieru, w Middle Geometric (ok. 850 -770 pne J.-C.) pojawia się dekoracja figuratywna: przede wszystkim fryzy identycznych zwierząt ( koni , jeleni , kóz , gęsi itp.), które obecnie przeplatają się z pasmami wzorów geometrycznych. Jednocześnie wystrój staje się coraz bardziej skomplikowany i bogaty: malarz niechętnie zostawia puste miejsca i wypełnia je rozetami lub ozdobnymi swastykami . Ta koncepcja relacji między malowaną przestrzenią a obrazem wywodzi się z tego, co starożytni nazywali „grozą pustki” i ustanie dopiero wraz z okresem geometrycznym .
W połowie stulecia „Recent Geometric” pojawiają się postacie ludzkie. Najbardziej znane przedstawienia to wazony znalezione w Dipylon , jednym z cmentarzy w Atenach. Te duże wazy pogrzebowe przedstawiają głównie pochody rydwanów lub wojowników, a nawet sceny pogrzebowe: πρόθεσις / próthesis (wystawa i lamentowanie zmarłych) lub ἐκφορά / ekphorá (transport z trumny na cmentarz). Ciała są stylizowane, ale z wyraźnie rozpoznawalnymi gestami. W przypadku żołnierzy środkową część korpusu pokrywa tarcza w kształcie diabola , nazywana ze względu na swój charakterystyczny design „tarczą dipylonową”. Nogi i szyje koni, koła rydwanów są przedstawione obok siebie. Rękę ówczesnego malarza, wzywającą do braku podpisu „ Mistrza Dipylonu ”, można było zidentyfikować na kilku ceramikach, w szczególności na monumentalnych amforach .
Pod koniec tego okresu, wyjątkowo w grupie Thapsos, pojawia się mitologiczna postać centaura. Jednak niektórzy uczeni, pod silnym wpływem Homera , nadinterpretowali sceny, w których brakuje wskazówek. Nadinterpretacja stanowi tam ryzyko dla współczesnego obserwatora: konfrontacja między dwoma wojownikami może być równie homeryckim pojedynkiem, jak zwykłą walką; unieruchomiona łódź może oznaczać zatonięcie Ulissesa lub kogokolwiek innego. Fragment geometrycznej wazy z Wielkiej Grecji ( Pithekussia ) przedstawia jeden z najstarszych przedstawień wraku statku, który wydaje się być powiązany z prawdziwym życiem, a nie z jakąkolwiek narracją. Rozbitkowie są nadzy, niektórzy pływają, inni pływają wśród ryb, a jeden z nich zostaje zjadany przez rekina. Ten fragment został umieszczony na stosie pogrzebowym, nadal nosi ślady.
W Grecji i nowych koloniach pojawiają się lokalne szkoły. Produkcja waz nigdy nie była przywilejem Aten - jest to dobrze potwierdzone z okresu proto-geometrycznego w Koryncie , Boeotii , Argos , na Krecie czy na Cykladach - malarze i garncarze od dawna zadowalają się stylem poddasza. Od teraz tworzą swój własny styl: Argos specjalizuje się w scenach figuratywnych; Kreta pozostaje przywiązana do bardziej surowego stylu geometrycznego. Inne ośrodki, takie jak Rodos, Cyklady, a zwłaszcza Korynt, starannie rozmnażają meandry, zygzaki i krokwie w ciasnych rzędach, a nawet dekorację grzebieniem.
Amfora strychowa z wysoką szyją. Żołnierz niosący okrągłą tarczę między dwoma końmi, 800-775. Muzeum Sztuki Metropolitan
Piechur niosący tarczę klepsydry. Fragment geometrycznego krateru Attic, 750-535. Muzeum Sztuki Metropolitan
Loutrophore . Starożytny Protoattic, ok. 690. Ateny, pomalowana na czarno terakota, przypisywana malarzowi z Analatos. Wys. 80 cm, gł. 27,5 cm. Żaluzja
Parada wielbicieli prowadzona przez woźniców.
Bige pod ozdobnym fryzem.
Szczegół: Mężczyźni w czerni i kobiety w bieli, uczestniczą w okrągłym rytmie z podwójnym flecistą.
Protokoryntian Olpe ze zwierzętami i sfinksami , ok. 640-630, Luwr
Oenochoe z wypasanymi zwierzętami, ok. 625. Styl "dzikich kóz". Muzeum P. Getty'ego, Villa Getty
Alabaster , wczesny koryncki, 620-590. Malarz czerwonych plam. Muzeum Archeologiczne w Koryncie
Pyxis i jego okładka, malarz Dodwell (?), Corinth, 590-580. MBA Lyon
Arybala koryncka z czarną figurą, dekoracja palm, około 575-550. MBA Lyon
Arybala z dwoma lwami do konfrontacji. Między nimi palmy. Etruria pierwszej połowie VI XX wieku. MBA Lyon
Styl orientalny jest stosowany w szczególności w Koryncie od 725 do625 pne J.-C.o. Charakteryzuje się silnym wpływem sztuki orientalnej: jeśli Wschód znacznie mniej lubi malowaną ceramikę niż Grecja, to jego malarstwo, jego rzeźba i jego brązy przedstawiają figuracje zwracające uwagę na naturalne modele. Wpływ ten przejawia się w szczególności w nowej gamie motywów: sfinksów , gryfów , lwów itp., Przedstawionych bardziej realistycznie niż w przeszłości. We fryzach malarz używa teraz lotosów lub palm. Przedstawienia ludzkie pozostają stosunkowo rzadkie: są to sceny bitew, czasami hoplityczne , a nawet sceny myśliwskie . W tak zwanym „proto-korynckim” stylu pozostają elementy geometryczne: są wzory geometryczne, „wypełnienie” tła rozetami i nowe wzory dekoracyjne.
Malarze korynccy opracowali następnie technikę zwaną czarną figurą. Najpierw tworzą sylwetki z koloidalnej zawiesiny w kolorze brązowym, która po wypaleniu nabiera błyszczącego, prawie metalicznego czarnego koloru. Technika ta długo pozostawał tajemnicą, pomimo wysiłków angielskich garncarzy z XIX -tego wieku , takich jak produkcja Wedgwood , aby odkryć tajemnicę. Następnie nacinają kontury i wewnętrzne szczegóły sylwetki, czerpiąc inspirację z orientalnych tradycji metalurgicznych (być może poprzez emigrantów rzemieślników osiadłych na Cyprze, a następnie w Grecji). Technika ta przejawia się przede wszystkim w miniaturowych wazonach (aryballos, alabastres), których kształty następnie pojawiają się. Biorą udział w całej gamie małych form butelek przeznaczonych do przechowywania olejków lub perfum, które rozsławiły Koryntu. Obok nich szereg większych kształtów spełniających funkcje w życiu codziennym.
Ceramika koryncka jest eksportowana do całej Grecji, a jej technika dociera do Aten, które rozwijają swój własny styl, z bardziej rozproszonymi wpływami orientalnymi. W tym okresie, określanym jako protoattyczne, pojawiają się motywy orientalizujące, ale linia pozostaje stosunkowo nierealna. Malarze pokazują się przywiązani do typowych scen okresu geometrycznego, takich jak parady platform. Obserwujemy również, że technika czarnej figury współistnieje z tradycyjnym rysunkiem liniowym. W połowie VII th century pojawia wyszkolonego stylu „białe i czarne” czarną linią na białym, wraz z pełnym kolorze, aby dopasować kolor ciała lub odzieży. Glinka używana w Atenach jest znacznie bardziej pomarańczowa niż w Koryncie.
Ze swojej strony Kreta, a zwłaszcza wyspy Cyklad, wyróżniają się atrakcyjnością dla tak zwanych wazonów „plastikowych”, na przykład waz, których brzuch lub szyja są uformowane w kształt głowy zwierzęcia lub człowieka, lub też pithoi. z reliefami, wazony do przechowywania, których ściany zdobią modelowane lub formowane reliefy. Na Eginie słynny plastikowy wazon ma głowę gryfa, jednak jego dokładne pochodzenie pozostaje problematyczne. Tak zwane amfory „melianowe”, co do których dziś wiadomo, że powstały na wyspie Paros , niewątpliwie mniej zawdzięczają Koryntowi czy Wschodowi. Podobnie jak wazy reliefowe, wykazują wyraźny zamiłowanie do epickich kompozycji i „zgrozę pustki”, którą charakteryzują rozety i swastyki.
Wreszcie, możemy zidentyfikować ostatnią styl, który z „dzikich kóz”, tradycyjnie przypisane do Rodos z powodu ważnych odkryć dokonanych na nekropolii w Camiros . W rzeczywistości jest szeroko rozpowszechniony w całej Azji Mniejszej , z ośrodkami produkcyjnymi w Milecie i Chios . Przeważają dwie formy: enochoes , które kopiują modele z brązu oraz naczynia z nóżkami lub bez. Wystrój zorganizowany jest w nałożone na siebie rejestry, w których stylizowane zwierzęta, w szczególności dzikie kozy (od których pochodzi nazwa stylu) podążają za sobą we fryzach. Wiele wzorów dekoracyjnych (trójkąty, swastyki, rozety, motywy roślinne) wypełnia puste przestrzenie.
Również ceramiki Korynckiej malowane imitacje pojawiać we Włoszech od VII th wieku, inspirowane wiernie wystarczającej proto-Koryncki wazony, a także jakość prawie równa ich modeli. Ale od końca tego wieku w warsztatach etruskich będą masowo produkowane wazony imitujące korynckie kształty i motywy. Stąd też można identyfikować te produkcje pod nazwą: „Ceramika etrusko-koryncka”.
Styl czarna postać została wynaleziona w Koryncie z VII th wieku i jest stosowany w Lakonii , w Evia , w Viotia w Wielkiej Grecji , ale najczęściej jest pobierany przez Ateny która prowadzi na szczyt podczas okresu archaicznego ( VI th century). Charakteryzuje się nie tylko rysowaniem postaci w kolorze czarnym na glinianym tle (raczej czerwonym w przypadku Aten), ale także zastosowaniem nacięć. Istnieje zatem szereg pseudo-czarnych figur, w których jasne pasma są zarezerwowane, a nie nacięte. Louvre Ptaki Cup jest jednym z przykładów (patrz obok). Wazony plastikowe są nadal produkowane w dużych ilościach. Polichromia przejawia się w postaci czerwonych, białych i czarnych detali oraz poprzez zestawienie małych powierzchni, przerywanych linii, naprzemiennych linii, białych koncentrycznych punktów z czerwonym sercem itp. Biel używana do kobiecego ciała.
Na pierwszą ateńską ceramikę z czarnymi figurami duży wpływ wywarła ceramika z Koryntu, co widać po jej pokryciu, bez wzorów wypełnień. Postacie (głównie zwierzęta: lwy, kozy, sfinksy itp.) Są ułożone w nałożone rejestry i uwydatniają główną scenę. Niemniej jednak ceramika ateńska jest stopniowo odrywana od tego wpływu. Zamiłowanie do motywów mitologicznych i kompozycja w jednym dużym rejestrze panującym między 550 a 530 rokiem pokazują, jak powstał styl charakterystyczny dla miasta. W tym samym czasie ewoluują zdobione wazony. Duży wazon grobowy ustępuje miejsca wazonom codziennego życia, głównie amforom, hydriom , filiżankom i kraterom .
Rozpoznajemy kilka stylów malarzy ateńskich, którym czasami możemy nadać imię dzięki podpisanemu dziełu. Tak jest w przypadku Klitiasa , malarza Wazy François w Muzeum Archeologicznym we Florencji : ten krater, odkryty w grobowcu etruskim , pochodzi z około 570 roku; ma sześć figurowych fryzów, a więc pięć narracji, a także nosi podpis garncarza Ergotimosa. Strona A Wazy François obejmuje polowanie na dzika kalidońskiego, pogrzeb Patroklosa, ślub Thetisa i Peleusa (rodziców Achillesa), Achillesa w zasadzce przy fontannie, walki dzikich zwierząt i sfinksów. Rysunki zajmują ważne miejsce dla Achillesa i wydarzeń, które go dotyczą. Strona B oferuje miejsce ateńskiemu bohaterowi Tezeuszowi. Ten wazon jest uważany za arcydzieło czarnych figur i jest jednym z ostatnich, w którym zastosowano tę metodę nałożonych fryzów. Później malarze ateńscy raczej używają dekoracji, ale te są oprawione.
Taki też jest Exekias , którego jednym z najsłynniejszych dzieł jest amfora, obecnie wystawiana w Rzymie w Muzeach Watykańskich , na której grają Ajaksa i Achillesa w Troi . Inni są określani tylko konwencjonalnymi nazwami, często ze względu na Johna Beazleya (1885-1970), pioniera historyka sztuki w badaniach ceramiki greckiej. W ten sposób „Malarz Gorgony” otrzymuje przydomek od dinozaura, na którym pojawia się Meduza.
Styl czerwonej figury pojawia się w Atenach około 530-520 roku. Szybko stała się czołową postacią produkcji Attic, pozwalając jej stać się jedyną wielką szkołą w okresie archaicznym i klasycznym . Składa się z inwersji czarnej figury: tło jest pomalowane na czarno, figury w kolorze gliny; detale są pomalowane i nie są już nacięte. Pierwszym malarzem, który zastosował ten styl, jest malarz Andokides , którego mamy około piętnastu waz. Na początku tego okresu malarze mogli tworzyć sceny z czarnymi figurami i sceny z czerwonymi postaciami współistnieć: nazywa się to wazami „dwujęzycznymi”.
Technika czerwonej figury, poza prostym odwróceniem kolorów, pozwala na udoskonalenie rysunku, w szczególności odwzorowania zasłon, brył i detali, których precyzja rekompensuje prawie całkowity zanik polichromii. Zwycięża realizm: męskie ciała są często bardzo szczegółowe. Muskulatura jest lepiej przywrócona. To styl, w którym wyróżnia się Euphronios , a także reprezentacja kończyn w trzech wymiarach (skrócenie w perspektywie, przejście od profilu do widoku z przodu, przedstawienie w trzech czwartych). Najpiękniejszym przykładem jest krater Sarpédon w Metropolitan Museum of Art, którego ciało jest prawie tak szczegółowe jak na zdjęciu ze skóry.
W latach 480-479, podczas wojen perskich , Ateny zajęli Persowie . Jej warsztaty są zniszczone - w dzielnicy Ceramiki są studnie wypełnione odłamkami - a kiedy Ateńczycy znajdą swoje miasto, produkcja ceramiki musi rozpocząć się od zera. Porzucono wówczas relikty stylu archaicznego - z wyjątkiem manierystycznej grupy Malarza z Pana - a czerwoną figurę definitywnie przejęto w okresie klasycznym. Niektórzy malarze, tacy jak Niobidzi, są pod wpływem rzeźby i greckiego malarstwa ściennego z tego okresu . Wówczas rysunek staje się bardziej wyrafinowany, a dobór scen skierowany jest bardziej na życie prywatne, ze szczególnym uwzględnieniem scen ginekologicznych : to „styl bogaty”, ostatni wielki styl ateński. Elementy ozdobne ( kwiaty , rośliny ) znajdują się na końcu tego V -tego wieku, gdy powraca malarz z znosi próżnię, która wpływa na okres geometryczne: kompozycje są bardziej załadowany. Zwracamy uwagę na wyraźny zamiłowanie do szczegółów i przejrzystości ubrań, a także ruch, jaki daje ich bulgotanie. Powraca również polichromia, wykonana białą farbą i złoceniami. W ten sposób kilku malarzy przeszło od klasycyzmu partenońskiego do stylów ozdobnych lub kwiatowych.
W okresie hellenistycznym wazony nie były już malowane, ale po prostu dekorowane. Albo warsztat powraca do błyszczącej czarnej dekoracji ozdobionej motywami kwiatowymi lub zwierzęcymi (ceramika ze zbocza zachodniego , czyli ceramika z zachodniego zbocza Akropolu w Atenach), albo radykalnie zmienia przyjęcie - jeśli nie można uzyskać różne kolory podczas gotowania, wystarczy pomalować wazon po ugotowaniu . W tym przypadku kolory są oczywiście mniej trwałe, więc ta technika jest zwykle zarezerwowana dla waz pogrzebowych.
Jednak w niektórych miejscach nadal istnieją centra produkcyjne, w których nadal powstają wazony z dekoracjami figuratywnymi. Jest to przypadek z Krety , który produkt do początku II th wieku przed naszą erą. Sceny mitologiczne AD . Główne ośrodki produkcyjne na Krecie to Knossos , Lyttos (en) i Gortyne .
Ceramika apulijskaPoza Atenami produkcja malowanych waz z postaciami prawie zanika, z wyjątkiem Wielkiej Grecji . Apulia i Kampania ( Paestum w szczególności) mają jakość produkcji porównywalną do tej z Aten. Początki tzw Apulian ceramiki plecami do ostatniej dekadzie V th wieku pne. AD : Apulia, której produkcja była początkowo dość bliska stylowi Attic, stopniowo rozwinęła własny język ikonograficzny. Painter Dariusza nazwany tak ze względu na przewijane krateru ilustrujący Dariusa (Neapol H3253) więc przedstawionym wielu współczesnych tematów w czasie Aleksandra Wielkiego . Jeśli włoska ceramika jest głównie konsumowana lokalnie, była również eksportowana do samej Grecji ( Corcyra , Démétrias ) i prawie wszędzie w basenie Morza Śródziemnego (Chorwacja, Korsyka, Hiszpania). Niektóre warsztaty specjalizują się w scenach rodzajowych, w szczególności na phlyaksie , parodii zabaw na poddaszu z bohaterskim motywem.
Obrazy na białym tle mnożyły się w tym okresie: na dnie niektórych kielichów, na medalionach i na lekythos . Zasadniczo są one składowane na grobach lub w grobach. Po zabezpieczeniu ich dekoracja, krucha i polichromowana, nosi w większości sceny mniej lub bardziej pogrzebowe, w których wydaje się przywoływać duży brakujący obraz. Aż do pełnego okresu hellenistycznego w ateńskim centrum produkcyjnym utrzymują się archaizmy, takie jak użycie czarnej figury w amforach panatenajskich. Przy bardziej ograniczonych środkach, polichromia na ceramice świadczy o powszechnej wiedzy tych artystów i malarzy ceramicznych (lub malarzy specjalizujących się w ceramice), jak w Tanagrze w Boeotii , z figurkami z terakoty, które przyjęły nazwę Tanagra, nawet w Centuripe w południowych Włoszech, z kruchymi polichromowanymi cmentarzami. Odległe wspomnienia wielkich greckich obrazów .
Jeśli podstawowym materiałem greckiej ceramiki jest glina , nie wszystkie gliny są takie same. Tak więc ten z Aten jest bogaty w tlenek żelaza (Fe 2 O 3 ): po ugotowaniu nabiera pięknego pomarańczowo-czerwonego koloru. Ten z Koryntu , pozbawiony tlenku żelaza, ma bardziej białawy odcień. Różnice te pozwalają na podstawie analizy chemicznej określić pochodzenie takich a innych wazonów: w ten sposób można było wykazać, że grupa hydriów Hadry używana w Aleksandrii w okresie hellenistycznym jako urny pogrzebowe została wykonana. nie w Egipcie , jak myśleliśmy, ale na Krecie .
Glina jest wydobywana z kamieniołomów lub dołów gliny, a następnie oczyszczana przez płukanie przez kilka tygodni: jest moczona w dużych basenach, w których drobne cząstki unoszą się na powierzchnię i są odzyskiwane. Ten krok pozwala wyeliminować nieczystości, które mogłyby spowodować pęknięcie podczas gotowania. Glina jest następnie suszona na słońcu, a następnie cięta na bloki. Są one następnie przechowywane przez jakiś czas (pod szmatką, aby nie zgniły), aby nabrały plastyczności .
Wykonując wazon, garncarz ugniatał ciasto, aby wypuścić bąbelki powietrza przed rozpoczęciem prac nad wieżą (wynalazek przybycie Bliskiego Wschodu do Grecji II e tysiąclecie p.n.e. ), uruchamiane przez samego garncarza lub jego pomocnika. Małe wazony można złożyć za jednym razem, ale większe kawałki składają się z kilku części, które są następnie łączone z klejem (glina rozcieńczona wodą odzyskaną z basenów oczyszczających). To samo dotyczy uchwytów lub nóżek; plastikowe wazony są uformowane.
Po uformowaniu wazonu wysycha się. Następnie jest gotowy do malowania przy użyciu techniki, która różni się w zależności od użytego stylu. Na ogół malarz gra na kontraście kolorystycznym między czerwonym kolorem gliny a czarną powłoką.
Jeśli chodzi o ceramikę z czarną lub czerwoną figurą na poddaszu , stosuje się specjalny proces z okresu protogeometrycznego . W momencie oczyszczania gliny przez osadzanie i podczas usuwania uciążliwych cząstek (zanieczyszczeń), użyta woda jest odzyskiwana i nasycana gliną , tzw. Poślizg. Czasownik oznaczający tę czynność to leviger ; ta bardziej rafinowana glina jest podnoszona. To ta drobna glina zawieszona w wodzie posłuży do rysowania wzorów i to właśnie przy wypalaniu rysunki te będą się wyróżniać na tle koloru surowej gliny. Więc nie zawsze chodzi o malowanie. Jakość tej czarnej poślizgu daje po wypaleniu piękny czarny połysk „intensywnej i lśniącej czerni, której powierzchnia nie odbija nawet detali i kontrastu”. Większe rozcieńczenie czerni daje jaśniejszy odcień, jak podczas prania, ale po wypaleniu ma tendencję do przybierania jasnozłotego koloru; służy zwłaszcza do rysowania anatomii, w okresie archaicznym i klasycznym.
Obrazy zostały naniesione za pomocą jedwabnych pędzli. „Malowaliśmy duże obszary, powoli obracając wazon na tokarce; figury były wykonywane z wazonem trzymanym w dłoni ”.
Jednak po ugotowaniu można dodać trochę akcentów kolorystycznych, temperę . Ich wyjątkowa kruchość sprawia, że nadają się na depozyty pogrzebowe. Ta praktyka, polichromia i tempera bez żadnego innego rodzaju dekoracji, jest dobrze potwierdzona w okresie hellenistycznym, w szczególności na Sycylii, w Centuripe .
Po wyschnięciu farby malarz pozostawia rękę garncarzowi w celu wypalenia, delikatnej operacji, składającej się z trzech etapów:
Gotowanie jest z zasady stosunkowo proste, ale wymaga uwagi i doświadczenia: znamy pewną liczbę słabo wypalonych wazonów, albo szczerze nieudanych, albo z drobnymi niedoskonałościami spowodowanymi przedwczesnym kontaktem z sąsiednim naczyniem. Ogólnie rzecz biorąc, te wady nie uniemożliwiają sprzedaży wazonu.
Grecy mają wiele naczyń o różnych kształtach w czasie i przestrzeni, z których niektóre z czasem znikają. W produkcji wykorzystywane są koncepcje pomiaru i normalizacji. Ale proporcje nie były stałe. Wazonom zwykle przypisuje się szczególne zastosowanie: amfora jest częściej używana do transportu płynów, zwłaszcza oliwy z oliwek - hydria , jak sama nazwa wskazuje, to dzban na wodę. Dla celów klasyfikacji rozróżniamy teraz te różne naczynia według ich kształtu, nadając im dokładne nazwy: wazon zostanie sklasyfikowany jako aryballe lub alabaster , podczas gdy Grecy byli prawdopodobnie znacznie mniej surowi w swoich nazwach.
Naczynia są zazwyczaj pozbawione dekoracji i zwykle unshaped kolej: naczynia, pojemniki (ale duże amfory wyspy warsztaty VIII th do VI th century posiadał Reliefy zestawy, stemplowane, jak również różne małe nielakierowanej ceramiki z IX TH do VI TH century John Boardman, 1974 i 1991 , s. 12.
: dokument używany jako źródło tego artykułu.
Prace ogólne:
Inne referencje: