Możesz pomóc, dodając odniesienia lub usuwając nieopublikowane treści. Zobacz stronę dyskusji, aby uzyskać więcej informacji.
Sztuka współczesna jest - ogólny i kompleksowy sposób - wszystkie prace produkowane od 1945 do dziś, i bez względu na styl i estetyczny, ale przede wszystkim praktyka w dziedzinie sztuk plastycznych . W tej klasyfikacji sztuka współczesna zastępuje sztukę nowoczesną (1850-1945).
Oznaczenie to dotyczy również muzeów, instytucji, galerii, targów, wystaw, biennale prezentujących prace z tego okresu.
Mówimy też o sztuce współczesnej na określenie – umownie – sztuki lat sześćdziesiątych i późniejszych. Pop sztuka znak, zatem przerwa ze sztuką nowoczesną . Inny zjazd istnieje, w lipcu 2010 r. dyrektor Centrum Badań Filozofii Europejskiej Uniwersytetu Kingston w Londynie, Peter Osborne, wygłasza konferencję w Fundacji Antonio Ratti i wywołuje kontrowersje, ogłaszając, że „Sztuka współczesna jest postkonceptualna ”. .
We Francji określenie „sztuka współczesna” jest również używane – w znaczeniu bardziej zawężonym – na określenie praktyk i dokonań estetycznych artystów postulujących „postęp w rozwoju awangardy” i przekraczanie granic między dziedzinami artystyczne (wykraczając poza granicę tego, co zdrowy rozsądek uważa za sztukę, czyli sztuki plastyczne, poprzez eksperymentowanie z teatrem, kinem, wideo, literaturą itp.), czy przekraczanie „Granic sztuki w rozumieniu sztuka nowoczesna i klasyczna” .
Pojęcie „współczesności” jest przede wszystkim pojęciem historycznym. Zgodnie z tym podejściem, okres współczesny rozpoczynałby się od 1945 roku wraz z końcem II wojny światowej i dla wygody większość opracowań dotyczy okresu, który zaczyna się w 1945 roku i trwa do dziś.
„Współczesność” oznacza również „jednoczesność”. To, co jest w tym samym okresie, jest współczesne. „Współczesność” byłaby zatem sposobem, w jaki robi się dzisiaj. W odniesieniu do sztuki pojęcie to nabiera estetycznej specyfiki, która może stać się kontrowersyjna, ponieważ aktorzy nie mają niezbędnego dystansu, by skutecznie docenić dzieła. Określenie „sztuka współczesna” należy zatem brać nie tylko chronologicznie, ponieważ wszystkie współczesne produkcje nie należą do współczesnego ujęcia, ani do niego nie pretendują.
Nowe odniesienia pozwalają określić, czym jest współczesna metoda. Jednym z pierwszych jest wykroczenie wobec poprzedniej epoki; tak więc pojęcie „sztuki współczesnej” chciałoby potwierdzić swoją niezależność nie tylko w stosunku do pojęcia tzw. sztuk „klasycznych”, w stosunku do „sztuk pięknych” i ich kategorii (malarstwo, rzeźba itp.), ale także w odniesieniu do pojęcia „nowoczesnej” drogi. Współczesny sposób ma więc swoje własne wykluczenia. Jest częścią kontynuacji „ sztuki nowoczesnej ” i chciałby położyć temu kres.
Ponadto wyrażenie „współczesny sposób” używane jest dzisiaj dla artystów, którzy są wciąż żywe i aktywne lub którzy nadal może być, co w tym przypadku byłoby umieścić pochodzenie współczesnej metody w 1960 roku , z pop. Sztuki , sztuka konceptualna , Fluxus , happeningi czy sztuka wideo . Na tych nurtach artystycznych zakończy się okres sztuki nowoczesnej i teorii Clementa Greenberga, który określił ją jako poszukiwanie specyfiki techniki.
W tym nieustannym poszukiwaniu definicji współczesności ważną rolę odgrywa krytyka sztuki i instytucje. Tym samym formy sztuki, których problematyka nie odzwierciedla nurtów promowanych przez „współczesną” krytykę, są generalnie wykluczone ze współczesnego „napiętnowanego” podejścia.
Z geograficznego punktu widzenia, z wielkich zmediatyzowanych miejsc artystycznych, głównie zachodnich (Paryż, Londyn, Nowy Jork), a wraz z upadkiem muru berlińskiego w 1989 r., a następnie wzrostem potęgi Chin w tym samym czasie świat sztuki współczesnej uległ globalizacji, a Afryka i Ameryka Łacińska nie uniknęły tego postępu.
Dla Anne Cauquelin w 1992 roku kryteria charakteryzujące sztukę współczesną nie są związane wyłącznie z czasem powstania, ani z treścią prac (formy, odniesienia, materiały), ale należy szukać poza stroną artystyczną, w socjopolityce , filozofii tematów i w zglobalizowanej gospodarce.
Marc Jimenez mówi w 2005 roku o „nieokreśleniu” sztuki stworzonym przez sztukę współczesną, powiązanym z „dedefinicją sztuki” zidentyfikowaną przez Harolda Rosenberga i pozostawiającym krytykom sztuki rozgraniczenie sztuki i nie-sztuki.
Pojawienie się fotografii wywarł wpływ na wielu artystów z XIX e wieku, takich jak Degas i pozwolono rodzić sztuki współczesnej . Sztuka nie pełni już tylko ważnej funkcji wiernego odwzorowywania rzeczywistości, lepiej potrafi to robić fotografia, sztuka może teraz wypróbowywać inne formy, przełamywać kanony piękna, proponować nowe eksperymenty i konceptualne pomysły.
Sztuka współczesna ma podstaw do eksperymentów sztuki nowoczesnej (wcześnie -XX th century), w tym chęć wzięcia sztukę z lokali tradycyjnych i instytucjonalnych. W tym sensie sztuka stopniowo traci swoją reprezentacyjną funkcjonalność. Współczesna twórczość pozostaje lustrem rzeczywistości skąpanej w konfliktach i przejmowaniu władzy przez te ataki na racjonalność. Sztuka odzwierciedla kryzysy społeczne i pozostaje miejscem wyrażania wartości. Relacji między sztuką a historią nie można oceniać ani jakościowo, ani ilościowo, ale prowadzą one do bardziej instytucjonalnej koncepcji sztuki: kolekcjonerów, centrali, galerii, muzeów itp. otworzyć się na szerszą publiczność. Jednak aktorzy sztuki nowoczesnej, pragnąc wyrazić swoją artystyczną opinię poza instytucjonalnymi ramami, aby dotrzeć do publiczności, pozostają związani z instytucjami; ich podejście polegało na przeciwstawianiu się ideologii ( Heartfield wobec nazizmu) lub przeciwnie, na udziale w propagowaniu myśli politycznej.
Pomimo końca ideologii narzuconych sztuce współczesnej, współcześni artyści podejmują to dziedzictwo na własną rękę, wyrażając głębokie przywiązanie do instytucji. W szczególności, gdy ich wrażliwość jest zaburzona.
Dziś sztuka współczesna przeżywa upadek nowoczesnych ideologii (w latach 60., potem od 1990 wraz z upadkiem komunizmu). Opiera się na nowych zachowaniach: odnowie stylistycznej, artystycznym mieszaniu, różnorodnym pochodzeniu, sztukach technologicznych (dostęp do matematycznej mocy komputerów i ergonomii oprogramowania), sposobie podejścia do rzeczywistości. Technologie zawsze wnosiły do sztuki narzędzia. Dziś artysta używa go jako narzędzia przekazu medialnego i wymyśla nowe. Opiera się na kulturze historycznej, wymienionej; czyta, odwiedza, rozumie, wyszukuje, specjalizuje się, skupia swój temat i wykracza poza to, co zostało zrobione. Czasami zajmuje stanowisko, chce być demonstracyjny lub szokować, w każdym razie szuka relacji w mediach.
Dla Anne Cauquelin , w 1910 , Marcel Duchamp obnażył sieci przyszłości sztuki współczesnej, ze spekulacji na wartość ekspozycji na obiekcie, który może być po prostu wyprodukowany przedmiot ( gotowe ).
Wystawa z 1969 roku Kiedy postawy stają się formą odegrała kluczową rolę w przejściu od sztuki nowoczesnej do współczesnej.
Różnica między sztuki nowoczesnej i współczesnej sztuki nie jest dokładnie wykonany, a we Francji, narodowy muzeum sztuki nowoczesnej nie robi, w końcu XX e wieku, różnica w swoich kolekcjach . Termin „sztuka współczesna” ukuty jest przez kuratorów muzealnych i może to być sztuka, która modyfikuje ich funkcję i sposób działania, nawet jeśli oznacza to utrudnianie. Dla Catherine Millet sztuka współczesna jest naprawdę „współczesna” w tym sensie, że jest w zgodzie ze swoim czasem, podczas gdy sztuka współczesna się od niej odrywała.
Dla Anne Cauquelin przejście od sztuki nowoczesnej do sztuki współczesnej jest także przejściem od systemu konsumpcji do systemu komunikacji, w którym aktorzy sieci są również menedżerami, a publiczność nie ma już roli biernej. zatwierdzenie i konsumpcja.
Sztuka współczesna opiera się na eksperymentach sztuki nowoczesnej i regularnie twierdzi, że wyłom otworzył Marcel Duchamp i inni, którzy uwolnili praktykę sztuki od klasycznych ograniczeń reprezentacji.
Myśl postmodernistyczna sformułowała większość problemów tkwiących we współczesnej sztuce, wyzwolonej z nurtów ideologicznych ( komunizmu i kapitalizmu ), nie powstrzymując jednak zaangażowanych artystów przed krytyką politycznych czy ideologicznych nadużyć.
We Francji tworzenie wydziałów sztuk plastycznych stanowi podstawę do kontestacji akademickiego nauczania sztuk pięknych ; przedmioty dawniej obce w dziedzinie edukacji artystycznej, socjologii , etnologii , estetyki i innych, ukierunkowują badania artystyczne zgodnie z ich najnowszymi osiągnięciami.
Za formalnym poszukiwaniem piękna podążają nowe drogi badań estetycznych, z których najbardziej radykalna, konceptualna sztuka , minimalizm , performance , body art , trwale modyfikują znaczenie i postrzeganie sztuki, która bywa nastawiona na na pierwszy rzut oka hermetyczną niewtajemniczonych.
Pewne nurty, takie jak nowi realiści , swobodna figuracja i transawangarda , a także niektórzy indywidualiści nie odeszli jednak od klasycznych mediów, radykalnie modyfikując ich postawy twórcze.
Eksplozja rodzajów mediów (malarstwo jest często zaniedbywane na rzecz instalacji, performansów i innych) oraz treść prac dogłębnie modyfikuje sieci mediacji sztuki; do nowych galerii dodawane są nowe konteksty wystawiennicze i pojawianie się nowych mediów rozpowszechniania.
W Paryżu Salon Comparaisons , w Musée d'art moderne de la ville de Paris , był od 1954 roku miejscem spotkań wszystkich wystawców tych nurtów, skonfrontowanych w tej samej przestrzeni z figuratywnymi i abstrakcyjnymi malarzami malarstwa. na sztalugach.
Od lat 80. pojawiły się sztuki z silnym komponentem „technologicznym”, z wideo-artem , estetyką komunikacji, sztuką komputerową , następnie sztuką cyfrową , bio-sztuką itp. Lista nie jest wyczerpująca i bardzo dokładnie śledzi postępy w badaniach przemysłowych.
W latach 90. zachodnia sztuka współczesna nadała swoją „etykietę” wielu artystom z tzw. krajów „rozwijających się”, którzy w przeszłości byli praktycznie nieobecni. Paradygmaty globalizacji i utraty klasycznych wzorców czasoprzestrzennych cenią podejście osobiste, w którym w procesie pracy cenione są elementy biograficzne, socjologiczne, a nawet religijne.
Komunikacja połączona z Internetem odgrywa coraz większą rolę w recepcji i mediacji sztuki współczesnej, przed samymi wystawami, które w coraz większym stopniu integrują państwowe struktury mediacyjne. Ustępuje ona „konsultantom sztuki współczesnej” (w języku angielskim The Contemporary Art Consultants ), którzy bezpłatnie doradzają przyszłym wartościom. Zmiany, jakie zaszły w krajach najbardziej rozwiniętych (zwłaszcza rosnący udział sektora wyższego ) spowodowały, że coraz bardziej uogólnia się zapotrzebowanie na sztukę, co nie ułatwia pracy artystów, obliguje kryzys.
Sztuka współczesna, często niejasna i prowokująca w oczach ogółu, jest często postrzegana jako emanacja sztuki oficjalnej . Jednak dzisiaj jest znacznie bardziej akceptowany i rozpowszechniony niż wcześniej; zalew dzieł o nierównej jakości sprawia, że jest to zagmatwane i często wymaga osobistego zaangażowania ze strony publiczności (patrz Współczesne teorie sztuki ).
Notowane w Internecie dzieła sztuki współczesnej są również potencjalną gratką finansową, co nie wyklucza skutków mody ze szkodą dla dzieł prawdziwie oryginalnych.
Oprócz klasycznych mediów ( malarstwo olejne , pastele, czerwona kreda, brąz, marmur itp.) sztuka współczesna szczególnie upodobała sobie nowe media, nawet „nie-media”. W szczególności efemeryczne lub „trwałe” powołanie wielu prac kwestionuje samo pojęcie medium, które często staje się raczej prostym wektorem mediacji niż stabilnym medium. Wiąże się to z zapoczątkowaną w latach 80. transformacją mediów informacyjnych , które stopniowo ulegają dematerializacji na rzecz logiki „relacyjnej”:
Niektóre media, jak fotografia – która jest „wizualna” ( Joel-Peter Witkin ) – kino – które staje się „eksperymentalne” (seria Cremaster of Matthew Barney ) – zyskały pełny status sztuki (obok malarstwa, rzeźby czy muzyki), a dziś stanowią kategorie autonomiczne.
Pojęcie sztuki multimedialnej, dziś szeroko kwestionowane, kwestionuje status dzieł powstałych w wyniku instalacji, często mieszanych performansów, jakie pojawiły się w latach 50. XX wieku .
Krytycy sztuki współczesnej rozpoczęli działalność w latach 90. W 1991 roku Marc Fumaroli skrytykował instytucjonalizację sztuki w The Cultural State: A Modern Religion . Jean Clair opublikowała The Responsibility of the Artist w 1997 roku. Aude de Kerros , L'Imposture de l'Art Contemporain w 2015 roku. W Stanach Zjednoczonych Michelle Marder Kamhi opublikowała w 2014 roku Who Says That's Art? (Kto mówi, że to sztuka?) ... Krytycy są kierowani z różnych punktów widzenia: brak podstaw estetycznych, nadmierna instytucjonalizacja, utrata wszystkich punktów odniesienia, logorrhea, szkodliwe stosowanie w leczeniu, odejście od sztuki do rozrywki ...
Pięć poniższych fragmentów podsumowuje istotę krytyki formułowanej w odniesieniu do tzw. sztuki „współczesnej”:
W katalogu raisonné Salon des Indépendants z 1999 roku prezes Salonu Jean Monneret , po długiej krytyki urzędników, którzy rządzą nauczaniem sztuk plastycznych i wyborem prace zakupione przez państwo i społeczności lokalne ( s. 51 ):
" Sztuka współczesna ? Wszyscy żyjący artyści są częścią sztuki współczesnej. To artyści tworzą sztukę. Wszyscy artyści. Swobodnie!
Jednak państwo chce, aby opinia publiczna uwierzyła, że jest tylko jedna sztuka warta zainteresowania, tak zwana sztuka „współczesna”, czyli sztuka państwowa. Jakby instalacja, performance czy nieuprawiana sztuka – o ile towarzysząca jej legenda to logorrhea – są same w sobie historyczną, linearną, niepodważalną kontynuacją tradycji artystycznej. To prawda, że w tak zwanej sztuce „współczesnej” im mniej jest do zobaczenia, tym więcej jest do powiedzenia! Na wystawie sztuki współczesnej kanał wentylacyjny, wyposażenie awaryjne czy kafelkowanie sanitariatów często łączą się z eksponowanymi pracami. Powstaje zatem pytanie, gdzie jest praca? Zarówno harmonia pomiędzy pojemnikiem a zawartością jest idealna.
W rzeczywistości sztuka państwowa kroczy wyjątkową drogą, która arbitralnie wyklucza sztukę najlepszych artystów z historycznych salonów . Demokracja wymagałaby od państwa, pamiętającego o pieniądzach podatników, uwzględnienia współczesnej rzeczywistości w całej jej różnorodności, bez wykluczenia…”
W Taylora raportu moralnego lipca 2006 ( str. 6 i 7), przegląd założenia o Baron Taylor , wiceprezesa, malarza i dziennikarza Philippe Lejeune , rozróżnia pojęcie plastyki od tej sztuki współczesnej..
„[…] Uprawiamy sztukę zwaną „malowaniem”, ta działalność była kiedyś uważana za część Sztuk Pięknych […]. W trosce o nowoczesność, szczególnie pragnąc pozbyć się imperatywu tak ciężkiego do zniesienia jak piękno, kłótnia między starożytnymi a nowoczesnymi, w której żyjemy, polega po prostu na usunięciu odniesienia do piękna. Nie mogąc dalej zmieniać tradycyjnych wartości sztuki po doświadczeniach połowy ubiegłego wieku, odważyli się, zawsze z tą samą pozorną etykietą, dostarczyć zupełnie inny towar. Mieli uczciwość, nie oszukujmy się, zmienili nazwę. Współczesne salony to już nie salony malarskie , to salony sztuki współczesnej […].
Sztuka współczesna wystawia się w miejscach, gdzie eksponowane było „malarstwo”, co w naturalny sposób utrzymuje zamęt. Ale zamiast definiować nową formę sztuki, stosujemy do niej zasady innej dyscypliny, tak jak zmęczony brydżem gracz dostosowuje zasady belote… Sztuka współczesna odrzuca wszelkie zasady, z wyjątkiem wykluczenia. Wiesz, że słynnym hasłem było zakazanie wszelkich zakazanych. Sztuka współczesna żyje tylko z ukasów. Wszystko oprócz reprezentacji […].
Mówi się, że sztuka współczesna jest konceptualna, to znaczy wychodząc od konceptu udaje nam się dostarczyć sensacji.
Sztuki Piękne mają zupełnie inny cel, mają zupełnie inny program. Wychodząc od doświadczenia, konfrontują je ze zbiorową pamięcią, aby dojść właśnie do idei, czyli elementu, który można porównać […]. "
Po procesie przeciwko MNAM (centrum Georges-Pompidou) Fred Forest pisze na tylnej okładce swojej książki Operacja i dysfunkcja sztuki współczesnej :
„Ta książka ma tendencję do ujawniania ograniczeń i sprzeczności systemu, który nie może już przetrwać w obecnej, elitarnej formie, z korzyścią dla garstki uprzywilejowanych ludzi, zawsze tych samych, którzy korzystają z samozadowolenia i publicznej manny. Walka glinianego garnka z żelaznym garnkiem, to szczegółowy opis mojego procesu przed Radą Stanu przeciwko centrum Georges-Pompidou, a przez to przeciwko publicznym instytucjom sztuki współczesnej o odmowę jawności w sprawie przejęć. oraz ich nieprzestrzeganie prawa 78 o rachunkowości publicznej. Podejmowane tu podejście, poza sztuką, jest przede wszystkim podejściem obywatelskim, stawiającym prawdziwe pytanie o wykorzystanie środków publicznych i kultury w demokracji. "
We wrześniu 2011 r. Daniel Buren w magazynie L'Œil zauważył podczas długiego wywiadu nieudolność, zamieszanie i bankructwo wyrażenia „sztuka współczesna”:
„Z zasady powiedziałbym, że zapierające dech w piersiach zdrowie – biennale na całym świecie, targi na każdym kroku i ruchliwe domy aukcyjne – są nieco paradoksalnym aspektem dziedziny, która pod względem myślowym jest na skraju bankructwa . To już nie moment w historii, ale codzienna moda. „Współczesna” to termin całkowicie pozbawiony sensu, ale jest to jedno z najbardziej udanych odkryć, jakie kiedykolwiek udało się zdusić w zarodku wszystko, co artysta może zaprezentować, co jest nawet trochę nowe i niepokojące. […]”
W styczeń 2021, Benjamin Olivennes publikuje esej L'Autre Art contemporain , w formie kontrhistorii sztuki i podręcznika oporu wobec konformizmu. Ta mała książeczka ma stanowić podręcznik oporu wobec dyskursu o sztuce współczesnej. Założył swój uścisk na mitycznej wizji historii sztuki : the XX th century był przede wszystkim wiek awangarda, każdy będąc dalej niż poprzedni w przesłuchaniach pojęć, takich jak figuracji , urody , a nawet pracy. Ale nie tylko te stare pojęcia nadal istnieć w tak zwanych sztuk drobnych , ale przede wszystkim, nie było innego XX e artystyczną wieczny obraz tradycji, która przetrwała w przedstawiających rzeczywistość i ponownie pojawia się we wczesnych 2020s, z Bonnard do Balthusa , od Morandiego do Hoppera , od Giacomettiego do Luciana Freuda . Ten esej unieważnia rynek sztuki współczesnej.
Na 4 th Światowy Kongres odporności zorganizowanej przez Resilio (Międzynarodowe Stowarzyszenie na rzecz promocji i upowszechniania badań odporności) w partnerstwie z Aix-Marseille University, w swojej prezentacji na odporność w sztuce, co sztuka terapia sprężystość , Ksenia Milicevic podkreśla:
„Kiedy jest tylko grą, sztuka współczesna, obalając piękno i oparta na brzydocie, niesie nerwice, lęki i różne patologie, które nie będąc rozwinięte w ramy estetyczne, ale przedstawione w pierwszym stopniu, wywierają szkodliwy wpływ na widz. Zamiast łączyć go z harmonią świata i energią żywych, proponuje rozkład i śmierć ( bio-art , body art , performance , sztuka transgresyjna , złe malarstwo ). "
Sztuka współczesna charakteryzuje się w szczególności wyścigiem po nowości, bardzo dużą liczbą ruchów i ewolucją koncepcji nowoczesnej awangardy .
Punktem zwrotnym była aukcja kolekcji Sculla w 1973 roku, która pokazała, że kolekcjonowanie dzieł sztuki to nie tylko luksusowe hobby, ale także źródło zysku. Ta sprzedaż zachęca do publikacji cen dzieł i ustanowienia dynamicznego rynku sztuki w Stanach Zjednoczonych. Częste i znaczące zakupy dokonywane przez zamożnych kolekcjonerów indywidualnych prowadzą do serii rekordów cenowych, coraz częstszych co najmniej do lat 2010-tych.
Niemcy, zdewastowane i okupowane, a następnie podzielone pod koniec II wojny światowej , odbudowują się w szczególności dzięki amerykańskim subsydiom. Szybko jednak odzyskała niezależność kulturową, w szczególności dzięki artystom takim jak Joseph Beuys . Ten skuteczny opór znajduje odzwierciedlenie w tworzeniu Documenta w Kassel w 1955 roku, a następnie przez tego pierwszego współczesnego targach sztuki , Art Cologne , w 1967 roku.
Współczesna sztuka brytyjska nabrała rozpędu w liberalnych latach 80. wraz z pokoleniem Young British Artists (YBA) i prowokacyjnymi postaciami, takimi jak Damien Hirst , Tracey Emin i Sarah Lucas . Kolekcjoner i biznesmen Charles Saatchi robi wiele dla promocji YBA, którego ceny za prace sięgają cen amerykańskich prac na aukcjach. Londyn staje się wielkim miastem sztuki współczesnej, czego wyrazem jest w szczególności otwarcie Tate Modern , podczas gdy Niemcy znajdują się na marginesie.
Sensation wystawa zawierająca utwory młodych brytyjskich artystów Pod Brooklyn Museum w roku 1999. Na pierwszym planie, Physical Niemożliwość Death in the Mind żywego bytu , przez Damien Hirst , 1991.
Dla Ciebie ( "Dla ciebie"), praca in situ z Tracey Emin znajduje się w katedrze w Liverpoolu 2008.
Charlesa Thomsona . Sir Nicholas Serota podejmuje decyzję o przejęciu ( Sir Nicholas Serota podejmuje decyzję o zakupie ) (en) , 2000 obecny Stuckizm . „Czy to prawdziwy Emin (10 000 funtów ) / czy bezwartościowa podróbka?” "
Choć Paryż był artystycznym centrum świata, utracił to miejsce pod koniec II wojny światowej , w kontekście debat filozoficznych i politycznych na temat poparcia dla komunizmu . Francuska scena artystyczna jest postrzegana jako radykalna i dopiero grupa Nowych Realistów , kierowana przez Yvesa Kleina i Pierre'a Restany'ego , zbliżyła się w latach 1960 do silnego rozgłosu na arenie międzynarodowej. Artyści tego ruchu, tacy jak Martial Raysse , César czy Niki de Saint Phalle odbiera im niezależność. Pomimo obecności malarzy takich jak Pierre Soulages czy artystów takich jak Christian Boltanski , sztuka współczesna pozostaje bardziej naznaczona sztuką konceptualną niż gdzie indziej.
Dla Nathalie Obadia , Belgia ma wyjątkowy wpływ w porównaniu do swojej wielkości. W tradycji Marcela Broodthaersa i René Magritte'a , artyści tacy jak Luc Tuymans , Wim Delvoye czy Jan Fabre , wszyscy trzej flamandzcy , cieszą się wielką międzynarodową renomą. Nie wspiera ich jednak potężna polityka kulturalna, bo jest ona znacznie mniej zorganizowana niż we Francji.
W poszukiwaniu utopii („W poszukiwaniu utopii”) rzeźba Jana Fabre zainstalowana w Nieuport w ramach edycji 2003 triennale Beauforta .
Luc Tuymans opowiada o swoim tryptyku ściennym St. Croce , 2010, MCA Museum of Contemporary Art w Chicago .
Caterpillar , rzeźba Wima Delvoye zainstalowana w Middelkerke , również jako część Beaufort 2003.
Cofając się na skalę europejską, kraj ten jest jednak gospodarzem ważnych targów: Art Basel w Bazylei . Jej handlarze dziełami sztuki, tacy jak Bruno Bischofberger i Ernst Beyeler, byli jednak bardzo potężni w latach 60. i 2000.
Leo Castelli jest ważną postacią wśród właścicieli galerii i handlarzy dziełami sztuki. Otwierając swoją galerię w 1957 roku w Nowym Jorku , bardzo mocno brał udział w upowszechnianiu amerykańskiej sztuki, która stała się dominująca. Z każdym ze swoich głównych artystów tworzy zespół, który jest wzorem dla wielu właścicieli galerii, a dla Nathalie Obadia jest „ osiem amerykańskiej miękkiej siły ”. Ileana Sonnabend jest również wpływową właścicielką galerii, która ma inny osobisty stosunek do artystów.
Para dealer- kolekcjoner byłaby bardzo skuteczna w promowaniu artysty lub grupy artystów. Szczególnie brana byłaby pod uwagę narodowość, a zakupy amerykańskie i chińskie byłyby w szczególności punktem odniesienia. Z kolekcji prywatnych mogą powstawać instytucje poprzez darowizny lub zapisy , tak jak ma to miejsce w Stanach Zjednoczonych z Muzeum Whitney czy MoMa .
We Francji kolekcjonerami są głównie mężczyźni (73% kolekcjonerów według badania z 2015 r.), starsi, lepiej wykształceni i bardziej Ile-de-France niż przeciętna populacja francuska. Chociaż niektórzy z nich, jak François Pinault , należą do najważniejszych na świecie, w kraju zachowują dyskrecję, w szczególności z powodu podejrzeń co do ich statusu.
Te muzea mają rolę legitymacji dzieł i artystów, a splot powiązań między sztuką współczesną a ostatnim stworzenia, uczestnicząc w archiwizacji szybkiej tego stworzenia.
Od gotowego , publiczność ponosiłaby ogromną odpowiedzialność, ponieważ musi zdecydować, czy to, co ją obserwuje, jest dziełem sztuki.
Od lat 50. targi umożliwiały uporządkowanie rynku sztuki współczesnej, wykraczającego poza organizację galerii. Najważniejsze targi wyznaczają kalendarz sztuki, do którego muszą się dostosować gracze z branży, ale także z branży luksusowej. Dla Nathalie Obadia jest to „ ekwentyzacja ” rynku sztuki, która pozwala właścicielom galerii przyciągać kolekcjonerów.
Placówki instytucjonalne, których misją jest zachowanie dzieł, kupują sztukę współczesną i pokazują powstałe w ten sposób kolekcje. Organizują także wystawy, wypożyczając prace z innych kolekcji publicznych lub prywatnych.
AfrykaDla Nathalie Obadia w 2019 roku nie ma jednej sceny afrykańskiej, a pięćdziesiąt cztery kraje kontynentu mają silne dysproporcje. Chociaż pojawili się artyści afrykańscy, są oni w dużej mierze zlokalizowani w Paryżu lub Londynie i nie ma struktury porównywalnej z krajami zachodnimi, z wyjątkiem potencjalnie RPA .
AmerykiCentra sztuki współczesnej mają na celu prezentację twórczości współczesnych artystów. Różnią się od muzeów tym, że nie przechowują prezentowanych dzieł. Dlatego nie stanowią kolekcji. Organizują wystawy zgodnie z własnymi wyborami redakcyjnymi, specyficznymi dla każdego miejsca, mając na celu upowszechnianie i promocję sztuki współczesnej. Na całym świecie spotykamy takie ośrodki o różnym znaczeniu.
AfrykaW FRACs lub regionalnych funduszy sztuki współczesnej są instytucje kultury , utworzony w 1981 roku, których celem jest promowanie sztuki współczesnej. Ich misją jest przede wszystkim budowanie dziedzictwa , wspieranie twórczości i szerokie rozpowszechnianie funduszy ustanowionych poprzez podnoszenie świadomości społecznej na temat współczesnych podejść artystycznych.
Liczby ze sprzedaży 1 st października 2004 do 30 września 2005: USA 58%, Wielka Brytania 27%, Francja 3% 2% Włochy, Niemcy 2%, inne 8%
Targi sztuki współczesnej to miejsce, w którym największe galerie prezentują swojej międzynarodowej klienteli wybór spośród artystów, których reprezentują.
Spektakl „Art” przez Yasmina Reza jest dla Arthura Danto i Marc Jimenez alegoria sztuki współczesnej. W tej sztuce trzech sympatycznych mężczyzn dzieli się w kwestii zakupu przez jednego z nich monochromatycznego obrazu, estetyki i figuracji.