Animowany obraz jest zbiorem technik animacji , które łączy w sobie funkcje i wygląd malarstwa sztuki dodając ruch. Animowane filmy malarskie można wykonać przy użyciu pasteli , gwaszu , farby olejnej lub akrylu . Zastosowane nośniki są różnorodne i sięgają od papieru po płótno , w tym celulozę , kalkę lub szkło . Często są wykonywane z mniejszą liczbą klatek na sekundę niż w klasycznej kreskówce .
Jak wyjaśnia francuski eseista i programista Xavier Kawa-Topor , „w przeciwieństwie do obrazu, obraz animowany nie może powstać w zatrzymanym czasie. Istnieje tylko w ruchu, przed tym, co wymazuje, a potem przygotowuje. Ona jest wieczną skruchą. Kinematograficzny ze względu na czasowość, w którą jest wpisany, zasadniczo odróżnia go od kina w ujęciach bezpośrednich, a może nawet od kreskówki, przez system „nieosłoniętej konwencji”, w którą jest wpisany. Rzeczywiście, tam, gdzie „prawdziwe kino” stwarza iluzję zapisu czasu przez kolejne na ekranie 24 obrazy na sekundę, gdzie kreskówka tworzy ruch nieprzejrzysty, przeciwnie, animowany obraz odsłania jego procesy, sygnalizuje ruch jako akt kreacji poprzez przemieszczenie materiału - gwaszu, pastelu, akrylu… - przez które on postępuje ” .
Technika ta wywodzi się z pierwszych filmów Émile Reynaud, który malował obrazy na szklanych płytach połączonych tkaniną. Stworzyło to serię rysunków tworzących animację, którą dzięki swojemu wynalazkowi „teatr optyczny”, udoskonalenie wymyślonego przez siebie „praksynoskopu projekcyjnego”, wyrzucił na ekran w Musée Grévin .
Były to pierwsze karykatury jeszcze przed wynalezieniem kina , które bracia Lumière określali jako takie (na filmie) , czasami mówimy o „przedkinie”.
Z pierwszych filmów Émile'a Reynauda (zwanych przez niego „świetlistymi pantomimami”) ocalały od zniszczenia tylko „Pauvre Pierrot” (1891) i „Wokół kabiny” (1893).
Oprócz różnych materiałów wymienionych powyżej możliwych jest kilka technik. W ten sposób animatorzy mogą pracować bezpośrednio na medium, tak jak mogliby to zrobić reżyserzy tacy jak polski Witold Giersz (en) ( Koń , Pożar ), a tym samym bezpośrednio malować obrazy, które tworzą animację oglądaną jeden po drugim. określona szybkość (liczba klatek na sekundę) jak w przypadku tradycyjnego filmu animowanego.
Kanadyjska reżyserka Caroline Leaf zobaczyła swój film krótkometrażowy La Rue (1976), adaptację opowiadania pisarza z Montrealu Mordecai Richlera , nominowanego do Oscara . Odkąd stał się klasykiem kina animowanego, wyróżnia się śmiałością i wirtuozerią przejść zaprojektowanych przez twórcę. Medium używane przez Caroline Leaf, które można by wziąć za farbę olejną, jest w rzeczywistości, ze względu na komfort pracy (terpentyna jest bardzo lotna), składa się z gwaszu zmieszanego z niewielką ilością gliceryny.
Rosyjski reżyser Alexander Petrov pracuje nad malowaniem na szkle. Jest autorem takich arcydzieł jak Śmieszny człowiek (1992), Syrena (1997), Stary człowiek i morze (1999).
Francuzka Florence Miailhe również używa tej techniki w niektórych swoich filmach, takich jak Au premier dimanche d'août (2000) czy Conte de quartier (2006), a także przez urodzonego w Iranie reżysera Masouda Raoufa w swoim krótkim filmie Bleu comme un coup de feu (2003).
Inni pracują na zasadzie rotoskopii . Chodzi wtedy o potraktowanie materiałem (farbą, pastelami itp.) Podłoża, na którym są już obecne wszystkie lub część obrazów tworzących animację. Na przykład Gianluigi Toccafondo „wraca” do malowania w swoich filmach drukowanych, kopiowanych i zniekształcanych obrazów, aby stworzyć nowy obraz. Ponowne połączenie tych wszystkich obrazów tworzy animację.
Reżyserzy tacy jak Wendy Tilby i Amanda Forbis (en) (NFB), którzy wyreżyserowali When the Day Breaks, pracują w ten sam sposób, niekoniecznie zniekształcając obrazy.
Rotoscoping, jak mówi Claude Cloutier w wywiadzie na temat swojego filmu La tranchée , pozwala niekoniecznie martwić się rysunkiem animacji (bo podporą może być np. Sfilmowany obraz) i tym samym pozostawić pewną swobodę w zakresie obraz i jego wyrazistość.
Uznany za mistrza malarstwa animowanego, szwajcarski filmowiec George Schwizgebel zastosował rotoskopię w niektórych swoich krótkich filmach.
W 2017 roku Dorota Kobiela i Hugh Welchman wyreżyserowali film fabularny La Passion Van Gogh , kopiując i modyfikując najsłynniejsze obrazy Vincenta Van Gogha . Fabuła dotyczy Armanda Roulina, którego portret namalował Van Gogh. Każdy obraz filmowanych aktorów był następnie malowany metodą rotoskopii.
Pierwszym filmem Len Lye namalowanym bezpośrednio na filmie był A Color Box w 1935 roku.
Nowozelandczyk Len Lye oraz Kanadyjczycy Norman McLaren i Steven Woloshen malowali na filmie.