Minimalistyczna muzyka

Muzyka minimalistyczna to aktualna muzyka współczesna, która pojawiła się w latach 60. w Stanach Zjednoczonych , stanowiąc ważną część muzyki klasycznej w tym kraju . We Francji nurt ten jest często nazywany muzyką repetytywną , a dokładniej określa wszystkie utwory wykorzystujące repetycję jako technikę kompozycyjną. Główni kompozytorzy muzyki minimalistycznej to La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich , Philip Glass i John Adams . Prace uważa się twórca minimalizmu jest w C przez Terry Riley , składający się z 1964 roku . Muzyka minimalistyczna bywa określana mianem muzyki postmodernistycznej .

Bardziej niż powrót do tonalności , nurt charakteryzuje się głównie stosowaniem regularnej pulsacji i powtarzaniem krótkich, wolno ewoluujących wzorów. Poza ruchem reakcji na serializm , dominującym wówczas w Europie, muzyka minimalistyczna oznacza pojawienie się innowacyjnej muzyki amerykańskiej, oderwanej od europejskich powiązań. Minimalistyczni kompozytorzy powrócili również do bardziej muzycznych emocji, zamiast zasadniczo intelektualnego podejścia muzyki serialnej lub konceptualnego podejścia muzyki eksperymentalnej, takiej jak praktyka Johna Cage'a . Po trudnych początkach poza tradycyjnymi obiegami muzyki klasycznej, muzyka minimalistyczna zyskała poparcie pewnej publiczności, czasem pochodzącej z różnych światów, takich jak jazz , rock , muzyka improwizowana , czy muzyka elektroniczna . Telewizja i kino są szeroko stosowane tej muzyki, a zwłaszcza dzieła Philipa Glassa, przyczyniając się do jego rozprzestrzeniania do ogółu społeczeństwa. Ze świata muzycznego wypowiadano też gwałtowną krytykę wobec nurtu minimalistycznego, oskarżając go o produkowanie muzyki konsumpcyjnej, powierzchownej i bezdusznej.

Generał

Prezentacja

Termin muzyka minimalistyczna jest powszechnie używany w odniesieniu do nurtu muzyki współczesnej, który pojawił się w latach 60. w Stanach Zjednoczonych z kompozytorami La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich i Philip Glass. Ruch rozwija się głównie w dwóch regionach Stanów Zjednoczonych tradycyjnie najbardziej otwartych na artystyczne innowacje i wpływy kultur pozaeuropejskich: Nowym Jorku i Zachodnim Wybrzeżu . Minimalizm ma również zwolenników w Wielkiej Brytanii ( Michael Nyman , Gavin Bryars ), Holandii ( Louis Andriessen ), Francji ( Renaud Gagneux , Bruno Letort ), ale pozostaje przede wszystkim fenomenem amerykańskim.

Termin ten jest czasami używany ogólniej, obejmując niektórych kompozytorów muzyki eksperymentalnej lub muzyki postmodernistycznej . W szczególności Arvo Pärt i Henryk Górecki są czasami określani mianem kompozytorów minimalistycznych, choć mają zupełnie inne obawy niż amerykańskich repetytywów.

Muzyka minimalistyczna oznacza zerwanie z awangardą i powrót do muzyki tonalnej , a czasem modalnej . Charakteryzuje się też generalnie pewną prostotą i oszczędnością środków. W zależności od kompozytora stosowane są różne cechy: stosowanie systematycznych procesów kompozytorskich, struktury repetytywne i regularna pulsacja dla repetytywów amerykańskich, wpływ muzyki religijnej i średniowiecznej dla Arvo Pärta i Henryka Góreckiego, powrót do pewnych form klasycznych ( kwartet , symfonia …) dla Johna Adamsa .

Rok 1976 to szczyt ruchu minimalistycznego jako całości z towarzyszącymi im kreacjami Music for 18 Musicians Reicha, opery Einstein on the Beach Glassa, De Staat Louisa Andriessena, dzieła założycielskiego Für Alina z Arvo Pärta. stylu tintinnabuli i III Symfonii Henryka Góreckiego. Wszystkie te utwory łączy, poza datą prawykonania, to, że stanowią one punkt zwrotny w karierze ich kompozytorów, będąc zwieńczeniem pracy teoretycznej lub stanowiąc początek nowego stylu pisarskiego, który przynosi „ powiew świeżego powietrza” w świecie muzyki klasycznej z XX -go  wieku .

Tło muzyczne

W muzyce współczesnej lat 1950-1960 dominuje serializm pełna i europejska awangarda wokół Pierre'a Bouleza , Luigiego Nona , Bruno Maderny , Luciano Berio , Karlheinza Stockhausena ... Kompozytorzy eksperymentują z nowymi technologiami elektronicznymi i roztapiają w ten sposób Podstawy muzyki elektronicznej i muzyki konkretnej , pod wpływem zwłaszcza Pierre'a Schaeffera , Karlheinza Stockhausena i Pierre'a Henry'ego .

W Stanach Zjednoczonych dominuje postać Johna Cage'a , w zasadniczo konceptualnym podejściu, bliskim wydarzeniu , z nieokreślonością jako wspólnym wątkiem. To także czas powstania ruchu artystycznego Fluxus , dążącego do przesuwania granic samego pojęcia dzieła sztuki, co wpływa również na minimalistów. W roku 1950 do roku 1960 również był świadkiem narodzin i rozwoju pod wpływem Johna Coltrane'a i Ornette Coleman z free jazz że znaki zwłaszcza amerykańskich kompozytorów czasu.

Muzyka popularna również nie może być ignorowana w kontekście muzycznym. Pojawienie się rockowej dominacji , odkrycie na Zachodzie muzyki pozazachodniej , aw szczególności muzyki indyjskiej , wywarło również wpływ na minimalistów.

W minimalistycznym ujęciu

Pochodzenie terminu „minimalista” dla określenia ruchu minimalistycznego pozostaje niejasne. Brytyjski kompozytor Michael Nyman jest powszechnie uznawany za jego książkę z 1974 roku „ Muzyka eksperymentalna: Cage i nie tylko” .

Jednak już w 1968 roku Nyman użył terminu „minimalny” w artykule zatytułowanym Minimal Music na temat twórczości kompozytorów Corneliusa Cardewa i Henninga Christiansena .

Termin „minimalista” będzie później używany przez Nymana do opisania nie tylko amerykańskiego nurtu, ale także produkcji angielskiej muzyki eksperymentalnej (m.in. kompozytorów Gavin Bryars , Christopher Hobbs , Michael Parsons …).

Krytyk muzyczny Tom Johnson również użył tego terminu w marcu 1972 w związku z koncertem Alvina Lucera . Johnson będzie używał terminu minimalista, aby opisać kompozycje Steve'a Reicha , ale słownictwo się zmienia i czasami używa „muzyki hipnotycznej” . W 1977 roku dziennikarz napisał artykuł zatytułowany „O czym tak naprawdę jest minimalizm? W którym termin „muzyka minimalistyczna” jest teraz dobrze ugruntowany.

Istnieją również warunki muzyki impulsu , muzyczna , muzyka procesowego , muzyki trance , muzyki hipnotycznej lub we francuskim powtarzalnych muzyki , który jest powszechnie stosowany we Francji, jest określenie, że Steve Reich znajdzie „mniej złe” .

Przymiotnik minimalista, a tym bardziej przymiotnik minimal, wprowadza zamieszanie co do natury muzyki minimalistycznej. Chociaż ta ostatnia wykorzystuje oszczędny materiał muzyczny i pewną oszczędność struktury muzycznej, termin ten słabo opisuje naturę muzyki. Utwory mogą rzeczywiście być bardzo długie, wymagać dużej liczby muzyków, a orkiestracja może być dość złożona. Może być również postrzegane jako pejoratywne, w tym sensie, że minimal music byłby gorszy od „normalnej muzyki” i wymagałby niewielkiego wysiłku kompozytorskiego. Kolejne zamieszanie wynika z faktu, że minimalizm jest terminem zapożyczonym od historyków sztuki, a minimalistyczna muzyka nie zawsze łączy podobieństwa z minimalizmem sztuk wizualnych.

Kompozytorzy na ogół nie są zadowoleni z apelacji. Tylko La Monte Young uważa ten termin za odpowiedni i tylko dla jego wczesnych prac. Philip Glass preferuje określenie „muzyka bez intencji” lub „muzyka o powtarzalnej strukturze” .

Początki

Prekursor i wpływ: Erik Satie

Początki muzyki minimalistycznej można znaleźć w niektórych utworach Erika Satie , zwłaszcza poprzez użycie formy repetytywnej in ostinato postrzeganej jako „ekstatyczne przekroczenie czasu w powtórzeniu, w kontemplacyjnej obsesji na tym samym” i która służy jako podstawa na kilka kompozycji. La Première Gnossienne (1890) jest pierwszym utworem, który napisał według powtarzalnego schematu, z którym dalej eksperymentował w swoim mistycznym utworze Vexations (1892-1893). Ta ostatnia polega na powtórzeniu tego samego motywu 840 razy z rzędu, a czas trwania utworu wynosi do dwudziestu godzin. Vexations zostaną wykonane po raz pierwszy z inicjatywy Johna Cage'a w 1963 roku w Nowym Jorku , czyli w latach narodzin minimalizmu. Meredith Monk , często kojarzona z nurtem minimalistycznym, weźmie udział w wykonaniu Vexations na festiwalu Satie w 1966 roku, a Gavin Bryars i Christopher Hobbs zrobią to samo w Leicester w 1971 roku.

Satie jest cytowany przez minimalistów jako punkt odniesienia, zwłaszcza przez Steve'a Reicha . Hołd w postaci Wink jest również zwrócić się do niego z kompozycji Philipa Glassa , Kawałek w kształcie kwadratu , odniesienie do trzy kawałki w kształcie gruszki , a także jego dzieł muzyki z wymianą części i Einstein on the Beach przyjmują formę progresji ruchów łukowych typu ABCBCA stosowanego wcześniej przez Satie. Dla Michaela Nymana Satie jest „niezbędny z wielu powodów” i uważa go za jedynego przed-eksperymentalnego kompozytora, którego twórczość jest niezbędna.

Serializm

Co bardziej zaskakujące, wpływ na ruch minimalistyczny wywarł również Anton Webern , uczeń Arnolda Schoenberga i członek Drugiej Szkoły Wiedeńskiej . Zwłaszcza w La Monte Young , w którym cytuje się statyczne sekcje Sześciu Bagateli na kwartet smyczkowy (1913) i Symfonię op. 21 (1928) jako prace, które bardzo pomogły mu w przejściu od serializmu do minimalizmu. Fakt, że Webern jest także znaczącym wpływem postserializmu, który rozwinął się w tym samym czasie w Europie, ale z radykalnie odmiennymi koncepcjami muzycznymi, bywa określany przez muzykologów jako „paradoksalny”.

Karlheinz Stockhausen, postać serializmu i szkoły darmstadzkiej , ma jednak powiązania z ruchem minimalistycznym. Prace takie jak Stimmung , Mantra i Inori wykorzystują minimalistyczny materiał i rozkładają czas. La Monte Young wyjechał na studia do Stockhausena do Darmstadt i uważał go wówczas za największego żyjącego kompozytora. Terry'ego Rileya interesuje również twórczość Stockhausena, w szczególności rytmiczna zawiłości Zeitmasze, a także Arnolda Schönberga .

Ogólnie rzecz biorąc, minimaliści byli narażeni na serializm, Steve Reich jako student Mills College , który od razu poczuł, że musi od tego jak najszybciej uciec, czy Philip Glass, który komponuje atonalne prace do 18 roku życia, zanim zmieni styl .

Amerykańska awangarda

John Cage miał wielki wpływ w latach narodzin minimalizmu. Najważniejszy kompozytor muzyki awangardowej i eksperymentalnej w Stanach Zjednoczonych , jego pomysły bezpośrednio lub pośrednio odbijają się na twórczości minimalistów. Niektóre prace Cage'a mogą wydawać się związane z minimalizmem, zwłaszcza jego pierwsze kompozycje, czy też słynna 4′33″ z 1952 roku , najbardziej minimalna kompozycja z możliwych, ponieważ składa się w całości z ciszy. Cage jest jednak bardzo krytyczny wobec minimalizmu, a preferowana przez niego technika, nieokreśloność (lub nieumyślność), czyli wykorzystanie przypadkowości w pracach, czy w samym procesie komponowania, będzie zdecydowanie odrzucana przez minimalistów.

W swojej książce Eksperymentalna muzyka: klatki i poza nią , Michael Nyman wyraźnie stawia minimalizm w kontekście post-klatka, jako reakcja na drogiego nieoznaczoności do tego ostatniego. Muzykolodzy zauważyli jednak podobieństwa z twórczością Cage'a, zwłaszcza zainteresowanie strukturą, a nie materiałem, fakt, że muzykę tworzą procesy kompozycyjne, ekspresja muzyczna unikająca otoczenia wyprzedzającego osobowość kompozytora, polegająca na eksperymentowaniu wykraczającym poza wyobraźnia kompozytora.

Kolejnym amerykańskim kompozytorem pokolenia Cage'a związanym z minimalistami jest Morton Feldman . Feldman również wykorzystuje w swoich pracach nieokreśloność i przypadek, ale pociągają go długotrwałe dźwięki i spokojne, płaskie pejzaże dźwiękowe. Choć nie jest powszechnie uważany za minimalistę, niektóre jego utwory, w szczególności Piece for Four Pianos (1957), mogą przypominać późniejsze utwory Steve'a Reicha wykorzystujące przesunięcie fazowe . Reich rozpozna także swój podziw dla Feldmana.

Muzyka pozazachodnia

W 1950 / 1960 , Europy Zachodniej i Stanów Zjednoczonych odkrył muzykę extra-zachodni . Muzyka ta, generalnie oparta na modach, będzie miała wpływ na wszystkich kompozytorów minimalistycznych.

Mieszkając na Zachodnim Wybrzeżu , La Monte Young odkrył muzykę indyjską w 1957 roku na kampusie UCLA . Jako szczególnie uderzające wymienia Ali Akbar Khan ( sarod ) i Chatur Lal ( tabla ). Decydujący wpływ na Younga będzie miała muzyka indyjska, aw szczególności odkrycie tampoury , której nauczył się u Pandita Prâna Natha . Drone rola w tampoura fascynuje młody i popycha swoje zainteresowanie w stronę długotrwałych dźwięków. Young dostrzega także wpływy muzyki japońskiej, aw szczególności gagaku . Wpływ ten wywiera sztuka uznawana za metrykę minimalizmu Trio na smyczki (1958).

Terry Riley odkrył muzykę pozazachodnią podczas swojego pobytu w Europie, w szczególności muzykę marokańską , a także muzykę indyjską, za pośrednictwem La Monte Young. Współpracował także z Prân Nath przy płycie CD Music from Mills (1986).

Dla Steve'a Reicha to właśnie lekcje Williama Austina w Cornell wprowadziły go w świat muzyki. Austin zmusza swoich uczniów do słuchania muzyki afrykańskiej i balijskiej , co jak na tamte czasy było dość rzadkie. Na zalecenie Gunther Schuller , Reich studiował książce studia w afrykańskiej muzyki przez Arthur Morris Jones , co sprawiło, silne wrażenie na nim. W 1970 roku zdecydował się wyjechać latem na studia perkusyjne do Ghany , co zaowocowało potwierdzeniem jego intuicji co do bogatego brzmienia instrumentów akustycznych (w przeciwieństwie do instrumentów elektronicznych) i jego dużego zainteresowania perkusją. Spektakl Bębnienie ( 1971 ) jest po części rezultatem tej podróży. Muzycy Russell Hartenberger i Robert Becker z Nexus , stali członkowie zespołu instrumentalnego Reicha również studiowali afrykańską grę na perkusji. Latem 1973 i 1974 Reich wyjechał również na studia balijskiego gamelanu na zachodnim wybrzeżu Stanów Zjednoczonych. Reich deklarował w 1973 roku, że „muzyka niezachodnia jest obecnie głównym źródłem inspiracji dla nowych pomysłów dla zachodnich kompozytorów i muzyków” .

Dla Philipa Glassa to spotkanie z Ravim Shankarem w Paryżu w 1965 roku wprowadziło go w muzykę indyjską. Odkrywa zasadę kumulacji małych jednostek muzycznych w większe, co silnie wpłynie na jego sposób komponowania. Glass odby również wiele podróży do Indii w różnych częściach kraju, aby odkryć ich muzykę i kulturę.

Jazz

Jazz ma wielkie znaczenie dla minimalistów. Każdy rozpoznaje swoje wpływy, aw szczególności modal jazz od Johna Coltrane'a , free jazzu i Ornette Coleman .

Improwizacja jest kluczem do Terry Riley , jak z La Monte Young . Ten ostatni jest saksofonistą i ma doświadczenie w jazzie jako instrumentalista, ćwiczone głównie w latach licealnych i uniwersyteckich. W Los Angeles grał w big bandach iw małych formacjach, w szczególności z Ericiem Dolphym , Donem Cherrym , Billym Higginsem i rozważał poświęcenie się jazzowi. W jego twórczości wyraźnie widoczne są wpływy jazzu, w szczególności gra na saksofonie sopranowym , czy zainteresowanie formami improwizacji. Riley jest pianistą, studiował ragtime z Wally Rose i grał na nim jako student college'u, a także podczas pobytu we Francji. Riley był również pod wrażeniem Johna Coltrane'a, który zainspirował go m.in. do nauki saksofonu sopranowego .

Dla Steve'a Reicha znaczący wpływ ma również jazz. Reich jest z wykształcenia perkusistą, występował w zespołach jazzowych w szkole średniej i na Uniwersytecie Cornell . Był niezwykle naznaczony przez Johna Coltrane'a, często go widywał na koncertach, a jako szczególnie uderzające wymienia albumy My Favorite Things i Africa/Brass . Dla Reicha jest nie do pomyślenia, aby jego muzyka mogła ujrzała światło dzienne bez jazzu, w szczególności rytmu , elastyczności i melodycznego wyczucia jazzu, które wydają mu się fundamentalnymi wpływami.

W przeciwieństwie do swoich kolegów, Philip Glass , o bardziej klasycznym wykształceniu muzycznym, nie postrzega jazzu jako jednego ze swoich wpływów, mimo że przyznaje się do fascynacji free jazzem Ornette'a Colemana i Johna Coltrane'a.

Minimalistyczny ruch

Ruch minimalistyczny pojawił się w latach 60. wraz z pracami La Monte Younga i Terry'ego Rileya , uważanych za prekursorów. Steve Reich i Philip Glass rozwiną swoje pomysły i opracują procesy komponowania, które okażą się bardzo udane.

Minimalizm dotyczy jednak tylko części utworów tych kompozytorów, a minimalizm w jego ogólnej definicji kończy się około połowy lat 70. bogatsze elementy muzyczne, więcej melodii i harmonii, a nawet kontrapunktu . Dodanie tych elementów, bez zerwania z ich dotychczasową twórczością, przynosi wyraźną ewolucję. Czasami mówimy o post-minimalizmie, szczególnie dla Johna Adamsa . Philip Glass wprost mówi, że dla niego minimalizm kończy się w 1974 roku, ze względu na jego pełne zaangażowanie od tego czasu w „teatr muzyczny” .

Osobistości, czasami nazywane „mistycznymi minimalistami” , jak Arvo Pärt , który pojawił się pod koniec lat 70., nie są natomiast bezpośrednimi spadkobiercami amerykańskich repetycji, ale również zaliczane są pod szyld postminimalizmu, lub ogólniej postmodernizmu.

Prekursor kompozytor: La Monte Young i Terry Riley

La Monte Young jest powszechnie uważany za inicjatora ruchu minimalistycznego, w szczególności jego utworem Trio na smyczki ( 1958 ). Young był wówczas zainspirowany Webernem i stworzył niemal statyczny dźwiękowy wszechświat z długimi nutami utrzymywanymi przez kilka minut i bardzo niewielką ewolucją. Utwór ten posłuży również Youngowi za podstawę jego przyszłej pracy nad dronami i jest jednym z początków tzw. dronowego ruchu muzycznego . Young jednak nadal komponuje w systemie 12- tonowym , choć różni się od niego stosowaniem przetrzymanych dźwięków i preferuje interwały oparte na doskonałych akordach i durowych septymach . Trio for Strings produkuje muzykę inną niż wszystkie w tamtych czasach, tworząc medytacyjną, „nie z tego świata ” atmosferę .

To Terry Riley wprowadził dwa podstawowe elementy minimalizmu: powrót do muzyki tonalnej i powtarzanie motywów muzycznych. W Kwartecie smyczkowym (1960) Riley podchodzi do tonacji, mocno czerpiąc z La Monte Young, używając długich, przetrzymanych nut. To właśnie w Trio smyczkowym (1961) Riley po raz pierwszy wprowadził strukturę opartą na powtarzaniu wzorów. Wykorzystanie powtórzeń pochodzi częściowo z eksperymentów, które Riley przeprowadził następnie z taśmami w San Francisco Tape Music Center .

Ale to przede wszystkim In C ( 1964 ) wyznacza ważny etap w definicji muzyki minimalistycznej. Tytuł można uznać za szczególnie prowokacyjny dla serialowej awangardy, gdyż zapowiada powrót do muzyki tonalnej, w możliwie najprostszej tonacji, C-dur . W C jest napisane dla dowolnej liczby muzyków i dowolnych instrumentów. Utwór ma 53 motywy muzyczne, które każdy wykonawca powtarza tyle razy, ile chce, zgodnie z kilkoma zaleceniami. In C jest powszechnie uważany za dzieło założycielskie minimalizmu, który zawiera wszystkie jego elementy: regularną pulsację, muzykę tonalną i zestaw krótkich powtarzających się wzorów, które tworzą sam w sobie muzyczny wszechświat. Utwór został nagrany przez wytwórnię Columbia Records , która wydała płytę CD w 1968 roku. Był szeroko rozpowszechniany i wykonywany, zwłaszcza przez Toru Takemitsu w Japonii i Corneliusa Cardew w Anglii.

Powtarzający się kompozytorzy: Steve Reich i Philip Glass

Eksperymenty Riley'a z taśmami i In C mają fundamentalny wpływ na Steve'a Reicha . Ten uczestniczy w tworzeniu In C jako muzyk i zdaje sobie sprawę, że utwór, łącząc elementy muzyki afrykańskiej, wkład Johna Coltrane'a i próby taśm magnetycznych, bardzo pomógł mu znaleźć własną drogę, zwłaszcza dla Będzie padać ( 1965 ). Steve Reich rozwija z tego utworu technikę zwaną przesunięciem fazowym/fazowaniem . Po raz pierwszy zastosowany na taśmach magnetycznych, kompozytor eksperymentuje z techniką na instrumentach akustycznych, co daje w szczególności utwory Faza fortepianu ( 1967 ), Faza skrzypiec ( 1967 ). Reich nadal wykorzystywał proces przesunięcia fazowego do 1971 roku, a Drumming ( 1971 ) uważany był za dzieło przejściowe. Terminem „muzyka fazowa” używa się czasem na określenie muzyki napisanej w tej technice, która stanowi w twórczości kompozytora jego tzw. okres „wczesnego minimalizmu” . Po tym okresie Reich odszedł od prostych technik fazowania , by pisać utwory bardziej ambitne pod względem instrumentalnego rozmiaru, czasu trwania i technik, rozwijając głównie swoje badania nad harmonią i pulsacją rytmiczną. Kulminacją tego tak zwanego „minimalizmu dojrzałego” były utwory Music for 18 Musicians ( 1976 ) czy Music for a Large Ensemble ( 1978 ). Trzeci okres składzie rozpocznie się z kawałków takich jak Tehillim ( 1981 ), ale przede wszystkim The Desert Muzycznej ( 1984 ) oraz Different Trains ( 1988 ), które są oznaczone zarówno wykorzystania głosu i mowy jako medium zapisu. O tematyce „ melodia dyskursu”, ale także wyraźne zaangażowanie filozoficzne i duchowe kompozytora w jego późniejszych kompozycjach.

Philip Glass , po okresie prób i błędów w swoich badaniach stylistycznych końca lat 60., charakteryzujących się prostym stosowaniem procesów repetycji/akumulacji (jak w przypadku Two Pages i Music in Fifths ), osiągnął wielki postęp w zakresie barwy i harmonii z kompozycją Muzyka ze zmiennymi partiami ( 1970 ), która wyznacza początek jego kompozycji tzw. „dojrzałego minimalizmu” . W tym kierunku będzie kontynuował swoją kulminację nowych podstaw pisarskich w utworze Music in Twelve Parts ( 1974 ). Punktem zwrotnym w jego karierze jest 1973 spotkanie z reżyserem Bobem Wilsonem, który prosi go o skomponowanie muzyki do opery-maratonu Einstein on the Beach ( 1976 ). Utwór ten będzie pierwszą częścią jego słynnej lirycznej trylogii, ukończonej przez Satyagrahę ( 1980 ) i Akhnatena ( 1984 ), w której stopniowo pojawiają się motywy tematyczne tak charakterystyczne dla kompozycji Glassa. Od połowy lat 80. przeszedł w kierunku masowego pisania sześciu kwartetów , dziewięciu symfonii i sześciu koncertów , zmieniając tematy i rytmy, które teraz reprezentują jego znak rozpoznawczy, natychmiast rozpoznawalny, ale odchodząc od wszelkich nowych formalnych badań w ruchu minimalistycznym. Z drugiej strony zyskuje popularność wśród szerokiej publiczności, w szczególności dzięki światu muzyki pop i kina, który w dużej mierze korzysta z jego mniej lub bardziej oryginalnych kreacji, w przeciwieństwie do Steve'a Reicha, który jest autorytetem i postacią odniesienia w musicalu klasycznym. świat.

Wielu innych kompozytorów było zaangażowanych w rozwój muzyki minimalistycznej w Nowym Jorku w latach 60. i 70. XX wieku . Philip Glass kładzie nacisk przede wszystkim na fakt, że istnieje wielka witalność i różnorodność pomysłów, do których Meredith Monk , Frederic Rzewski , Pauline Oliveros , James Tenney , Charlemagne Palestine , Terry Jennings , Philip Corner , David Behrmanem , Jon Gibson przyczyniła się mocno. , Phill Niblock , Rhys Chatham , Ingram Marshall . Glass żałuje, że ci kompozytorzy nie byli tak rozgłoszeni w mediach jak on czy Steve Reich. Poza tą nowojorską społecznością w Europie powstają prace zbliżające się do minimalizmu lub bezpośrednio inspirowane twórczością Amerykanów  : Louis Andriessen w Holandii, Gavin Bryars i Michael Nyman w Wielkiej Brytanii, Renaud Gagneux i Bruno Letort we Francji.

Postminimalizm i postmodernizm

Muzyczny postmodernizm jest postawa odrzucenia przeciw hermetycznej izolacji i post-serializmu, kompozytorów postmodernistyczne twierdząc krzyżowania się ras i postaci mieszaniny dodaje się techniką kolażu, zaciągania i cytowania. Tam, gdzie postserializm miał „czyścić przeszłość”, by użyć wyrażenia Pierre'a Bouleza , postmodernizm bierze go za punkt odniesienia. Tak więc John Adams uważa, że ​​jego muzyka żywi się „nie tylko minimalizmem, ale także Albanem Bergiem , Strawińskim , rock'n rollem , muzyką arabską , żydowską itd.”. ” . Poprzez powrót do form melodycznych i tonalnych, do używania powtarzalnego języka, do używania kolażu i cytatu, minimalizm jest we wszystkich tych cechach najbardziej radykalnym nurtem postmodernizmu w zerwaniu z postserializmem.

Postminimalizm dotyczy również wczesnych kompozytorów minimalistycznych. Po Drumming ( 1971 ) Reich wzbogacił instrumentację swoich utworów i sprawił, że jego metody rytmiczne i harmoniczne ewoluowały w kierunku większej złożoności. Podobnie Philip Glass zaczął komponować dla „teatru muzycznego” i opery od 1974 r., z obawami, które odeszły od minimalizmu, w szczególności z wykorzystaniem harmonii, jak w przypadku opery.Einstein on the Beach ( 1976 ), który zaznacza tę ewolucję. Postminimalizm różni się więc od minimalizmu tym, że jest mniej radykalny i eksperymentalny.

W „mistyczne” minimalistów

Kompozytorzy ci są czasami zgrupowani i kojarzeni z ruchem minimalistycznym ze względu na stosowanie przez nich pewnych zasad kompozytorskich tego stylu (powtórzenia, długo utrzymywane dźwięki, cisza, pewna prostota) oraz otwarcie deklarowane chrześcijańskie lub duchowe wpływy religijne w ich życiu. w ich kompozycjach. Alan Hovhaness bywa postrzegany jako prekursor tego nurtu, ale to przede wszystkim Estończyk Arvo Pärt , Polak Henryk Górecki i Brytyjczyk John Tavener kojarzeni są na ogół z „mistycznymi minimalistami” . Mówiąc szerzej, Giya Kancheli i Sofia Goubaïdoulina są czasami również zachowani w tej gałęzi minimalizmu.

Utwory Pärta i Góreckiego charakteryzują się tonacją, prostym materiałem muzycznym, często używanym wielokrotnie, oraz kompozycją inspirowaną kompozytorami średniowiecza i chorągwi gregoriańskiej . Obaj, silnie naznaczeni politycznymi i duchowymi represjami w swoich komunistycznych krajach, w latach 60. zaczęli komponować w stylu neoklasycznym , po czym przeszli w stronę serializmu, powodując cenzurę ze strony władz. Następnie Pärt zwraca się ku muzyce ciszy i kontemplacji, komponując Für Alina ( 1976 ), Fratres ( 1977 ) i Spiegel im Spiegel ( 1978 ), tworząc dzieła tego wewnętrznego ruchu w minimalizmie, który położy podwaliny pod specyficzny styl. opisuje jako tintinnabulum . Styl ten charakteryzuje się jednoczesnym użyciem dwóch głosów, jednego arpeggiowanego na triadzie tonicznej „tintinnabulante”, drugiego opartego na rozwijającym się w sposób diatoniczny basie. Jego twórczość skierowała się więc w stronę niemal wyłącznego pisania muzyki sakralnej , najczęściej chóralnej, rozwijając „jasność pieśni” . Z kolei Górecki przeszedł od muzyki serialnej do minimalizmu sakralnego w 1976 roku, pisząc jego III Symfonię, która kilka lat później wywarła wielki wpływ na Europę Zachodnią i Stany Zjednoczone, dzięki czemu zyskał międzynarodową sławę.

Opis muzyczny

Dorobek utworów klasyfikowanych jako muzyka minimalistyczna daleki jest od jedności stylu czy całkowicie identycznych cech muzycznych. Chociaż klasyfikacja jest zawsze redukcyjna, ogólnie przyjmuje się, że estetyka muzyki minimalistycznej opiera się na trzech cechach:

Łączy to jednak utwory o bardzo zróżnicowanym profilu, wykorzystujące różne techniki muzyczne. Podobnie nie wszystkie dzieła tzw. kompozytorów minimalistycznych można uznać za minimalistyczne, w szczególności ostatnie dzieła Steve'a Reicha i Philipa Glassa , czy pierwsze (często niemuzyczne) utwory La Monte Younga .

Między teorią a intuicją

Pionierzy minimalizmu, La Monte Young i Terry Riley, eksperymentowali z szeroką gamą technik komponowania. La Monte Young tworzy w szczególności szeroką gamę dzieł: utwory inspirowane serializmem i Webernem , utwory konceptualne zbliżone do Johna Cage'a , grupy improwizacyjne inspirowane muzyką indyjską i jazzem , utwory oparte na formalnych poszukiwaniach naturalnych zakresów . Terry Riley jest dużo bardziej empiryczny, eksperymentuje z taśmami magnetycznymi i dużo używa improwizacji .

Pod koniec lat pięćdziesiątych La Monte Young wykorzystał serializm w okrężny sposób, aby stworzyć nowy styl, złożony z długich quasi-statycznych okresów, składających się z długich, podtrzymywanych nut. Dobór interwałów nadaje również charakterystycznym jego kompozycjom. Już w 1957 i Wariacjach na altówkę, flet, fagot, harfę i trio smyczkowe Young używał głównie czystych kwart i kwint oraz durowych septym , które można znaleźć w wielu kompozycjach, takich jak Brass ( 1957 ). a zwłaszcza Trio for Strings ( 1958 ), uważane za najważniejsze dzieło okresu minimalizmu Younga.

Harmoniczny język Younga zbudowany jest po części na tych interwałach, a także na unikaniu tercji wielkiej , która, jak twierdzi, nie wyraża pożądanych przez niego uczuć. Young wyodrębnia cztery akordy, które nazywa „  Dream Chords  ”, które stają się podstawą jego harmonicznego języka. Rezygnacja z wielkiej tercji otrzymuje wtedy teoretyczne uzasadnienie dzięki formalnym badaniom nad skalami naturalnymi . Od 1961 roku La Monte Young stosował improwizację na saksofonie sopranowym , powtarzając z dużą szybkością sekwencje modalne , przy akompaniamencie drona , gdzie zauważalny jest wpływ Johna Coltrane'a i muzyki indyjskiej.

Ważną częścią pracy Terry Riley obejmuje taśm magnetycznych , na których nagrywa się przy fortepianie, rejestruje mowę, śmiech, poszczególne dźwięki lub programów radiowych i wykorzystuje je jako pętlę, że jest. Że jest w formie krótkich powtarzające się wzory. Eksperymentuje z kilkoma technikami manipulowania tymi taśmami, używając urządzenia do generowania efektów echa poprzez opóźnione powtarzanie, zmienia częstotliwość dźwięków poprzez zmianę prędkości taśm, stopniowo lub nagle, losowo odcina kawałki taśm i skleja je z nadzieją do generowania interesujących zjawisk. Zasadniczo to powtarzanie wzorów jest w centrum eksperymentów Rileya, powtarzanie wzorów, w które grają również instrumentaliści, jak w In C ( 1964 ). Podejście Rileya jest bardziej intuicyjne i eksperymentalne niż strukturalne, jednak kompozytor stara się stworzyć dla słuchacza „abstrakcyjne doświadczenie” , w którym początkowo rozpoznawalne dźwięki są stopniowo zniekształcane, aż przestają być identyfikowalne.

Kolejnym znakiem rozpoznawczym twórczości Rileya jest nacisk na improwizację i jazz . Kompozytor wykorzystuje czasem standardy jazzowe , takie jak Autumn Leaves i rozwija szczególny styl improwizacji fortepianowej, częściowo pod wpływem ragtime . Większość jego utworów po In C nie jest już oceniana i jest częściowo improwizowana, częściowo zbudowana z zespołu wcześniej ustalonych motywów muzycznych, które są powtarzane do woli, jak w Etiudy klawiszowej nr 1 i Etiudy klawiszowej nr 2 . Wzory są odtwarzane szybko, bez pauz, tak aby uzyskać ciągły przepływ nieakcentowanych nut. Riley improwizuje również na saksofonie sopranowym , w szczególności w Dorian Reeds i Poppy Nogood and the Phantom Band , w których używa powtarzających się wzorów i taśm magnetycznych do tworzenia echa i generowania złożonych efektów kontrapunktowych poprzez miksowanie wokali.

Dźwiękowy proces wybierania

Wbrew bardzo intuicyjnemu podejściu Terry'ego Rileya, Steve Reich i Philip Glass zdefiniują rygorystyczne procesy kompozycyjne, które pomogą im ustrukturyzować swoje prace. Reich jest generalnie postrzegany jako najbardziej utalentowany i najbardziej rygorystyczny w definiowaniu takich procedur. .

W swoim eseju z 1968 roku „ Muzyka jako proces stopniowy” Steve Reich wyjaśnia swój zamiar, aby słuchacz usłyszał proces muzyczny. Jeśli podejmuje ideę kompozycji tworzonej przez proces, sprzeciwia się Johnowi Cage'owi , którego niektóre kompozycje opierają się na przypadkowych procesach budowy kompozycji. Reich chce, aby był słyszalny sam proces konstruowania spektaklu. Innym ważnym elementem dysocjacji z Cage'em jest odrzucenie nieokreśloności: procesy Reicha są czysto deterministyczne, losowość nie odgrywa żadnej roli.

Te idee prowadzą do procesu komponowania, który Reich nazywa „  fazowaniem  ” (przesunięcie fazowe w języku francuskim). Ten proces kompozycyjny, mogący zbliżyć się do klasycznego kształtu lufy, wywodzi się z jego pracy z kilkoma kiepskiej jakości magnetofonami, które stopniowo traciły synchroniczność. Fazowanie zbudowane jest z krótkich schematów muzycznych, powtarzanych ad libitum przez kilka głosów i polega na stopniowym wprowadzaniu przesunięcia między tymi głosami, tworząc przesunięcie fazowe. Postępujące przesunięcie fazowe między głosami w miarę postępu utworu tworzy nowe struktury muzyczne, komplikuje lub upraszcza rytmy i harmonie, skutecznie dając wrażenie fizycznego procesu miksowania pożądanych przez kompozytora głosów. Nawarstwianie głosów przez przesunięcie fazowe jest czasami tak złożone, że słuchanie utworu może powodować różne postrzeganie dźwięku przez dwie osoby, a nawet między dwoma doświadczeniami słuchowymi przez jedną osobę. Od Violin Phase ( 1967 ) Reich zaczyna wykorzystywać to, co nazywa „psychoakustycznymi produktami ubocznymi” (lub wzorcami wynikającymi) przesunięcia fazowego, to znaczy wzorcami, które powstają spontanicznie przez kombinację wzorców podstawowych. Komplikuje też sytuację, wprowadzając określone motywy wynikowe, do wyraźnego grania przez instrumentalistów, dodawane sporadycznie do tych, które powstają naturalnie, lub linie melodyczne, które nie podążają za podziałem czasowym motywów podstawowych.

Twórczość Philipa Glassa opiera się również na słyszalnym dla słuchacza procesie systematycznej kompozycji. Szkło definiuje od 1968 r. proces oparty na dodawaniu/odejmowaniu podstawowych wzorów, które są dzielone na dwa lub więcej innych wzorów. Partytura definiuje wzorce, a następnie odnotowuje tylko ich rozszerzenia/skrócenia. Liczby wynikające z tego zgrupowania wzorów należy powtórzyć nieokreśloną liczbę razy. Podobnie oprzyrządowanie i stopnie nie są określone.

W przeciwieństwie do Younga, a nawet Rileya, Reich i Glass zdecydowanie odrzucają każdą interpretację ich muzyki jako hipnotyczną lub medytacyjną i odrzucają wszelkie terminy „music trance” , uważane za pejoratywne. Wręcz przeciwnie, uważają, że słuchanie musi być szczególnie aktywne i czujne, aby usłyszeć szczegóły wdrażanych procesów.

Charakterystyka muzyczna

Rytm

Dużym zmartwieniem minimalistów jest tempo. Większość kompozycji ma regularny rytm i jest zbudowana przez przeplatanie podstawowych jednostek rytmicznych. Te rytmiczne rozważania są szczególnie widoczne u Steve'a Reicha i są realizowane za pośrednictwem techniki przesunięcia fazowego . Bębnienie ( 1971 ) to kulminacja fascynacji Reicha rytmem, wyrażającej się w fazowaniu. W przypadku Philipa Glassa praca nad rytmem jest obecna od jego pierwszych minimalistycznych utworów przy użyciu jego addytywnego procesu komponowania, zwłaszcza w utworze 1 + 1 ( 1968 ).

Rytm jest więc pierwszym elementem systematycznie analizowanym przez minimalistów, przed przyszłą reintegracją harmonii i melodii.

Harmonia

Pierwsze prace minimalistów są atonal , Younga Trio na smyczki (1958), Riley Kwartet smyczkowy (1960), nawet jeśli bardzo powolna ewolucja i niska gęstość nut dać złudzenie tonalności, eliminując prawie cały ruch.. Nawet w C , które powszechnie uważa się za dzieło powrotu do tonalności, nie jest stricte tonalne, lecz atonalne, bez sygnatury przykluczowej , mimo że jest to w dużej mierze kompozycja diatoniczna .

Stopniowe odchodzenie od taśm magnetycznych na rzecz instrumentów akustycznych sprzyja rozwojowi harmonii. W przypadku Steve'a Reicha z Piano Phase profil tonalny lub modalny ustalany jest na początku utworu, ale pozostaje niejednoznaczny. Diatonism wynikająca z etapów wprowadzania procesów nie jest wybrany a priori, lecz nakłada się przez doświadczenia.

Zarejestruj się i dynamiczny

W Young and Riley bas gra rolę drona , inspirowaną muzyką indyjską. Steve Reich, nie ma basu, a Stanowiska zazwyczaj należą do rejestru średnim ( Piano Phase nie posiada notatkę poniżej E 4 , Wzory Faza poniżej C 4 ). Brak basu powoduje pewne niejasności, które Reich stara się zachować, nie wiedząc, jak je precyzyjnie zdefiniować. Podobnie minimaliści w ogóle nie stosują rozbudowanych technik gry , które są bardzo obecne w innych nurtach muzyki współczesnej .

Te odcienie generalnie różnią bardzo mało, jeśli w ogóle. Poziom dźwięku jest często bardzo wysoki, na przykład w niektórych utworach La Monte Young oraz w Glass, gdzie dostrzegamy wpływ rocka .

Wykonanie

Łatwo słuchana, powtarzalna muzyka wydaje się zwodniczo łatwa do wykonania. Procesy przesunięcia fazowego Rzeszy wymagają od instrumentalistów dużej koncentracji. Podobnie Glass donosi, że kilku dyrygentów, którzy przyszli nieprzygotowani na próby, zbyt późno zorientowało się w trudnościach swoich partytur. Pod nieobecność kompozytora partytury nie zawsze są łatwe do odczytania dla wykonawców, wymagają inwencji w obliczu braku wskazań lub ich niejasności.

Powiązania ze sztukami wizualnymi

Taniec

Taniec, który z natury zawsze był ściśle związany z twórczością muzyczną swoich czasów, nie wymyka się wpływom muzyki minimalistycznej, szczególnie wokół pojęcia i zastosowania powtórzeń. W pewnym sensie początki wpływu muzyki minimalistycznej na taniec sięgają współpracy Johna Cage'a z amerykańskim choreografem Merce Cunninghamem na początku lat pięćdziesiątych, podczas narodzin tańca współczesnego . Za jego pośrednictwem Cunningham poznał także Mortona Feldmana, który skomponował dla niego muzykę do jego innowacyjnych choreografii, takich jak Melodia bez tytułu dla Merce'a Cunninghama w 1968 roku . Co więcej, w latach 1960-1962 wokół Halprin powstaje grupa, w skład której wchodzą początkowo tancerze Simone Forti , Yvonne Rainer , Trisha Brown i inni kompozytorzy Terry Riley i La Monte Young, aby osiągnąć występy m.in. w Judson Church w Nowym Jorku . Jednak to Trisha Brown będzie dalej zgłębiać zasadę powtarzalności i sukcesywnej akumulacji ruchów choreograficznych w tym okresie tańca współczesnego. Meredith Monk , która również jest tancerką, dołącza do tej grupy, gdzie może łączyć zarówno swoje muzyczne poszukiwania, jak i twórczość choreograficzną w przedstawieniach zorientowanych na bardziej wyrafinowany ruch i pewien duchowy trans.

Po pierwszych latach minimalizmu bliski związek między tańcem a tym ruchem muzycznym został wpleciony za sprawą Lucindy Childs , jednej z uczennic Cunninghama, która po związaniu się z grupą Anny Halprin, pod koniec lat 70. intensywnie współpracowała z Philipem Glassem przy jego operze. Einstein na plaży (1976). Następnie wykona dwie choreografie Dance (1979) i Mad Rush (1981) do utworów o tej samej nazwie ( Dance i Mad Rush ) zamówionych u nowojorskiego kompozytora. Praca Lucindy Childs jest zainteresowana różnymi aspektami badań nad minimalizmem z szeroką współpracą w dziedzinie dekoracji i obrazów wykonanych z artystą plastycznym Solem LeWitt , jednym z orędowników minimalizmu obrazowego . Twyla Tharp również często stosowane kompozycje ze szkła, w którym zlecenie jego 4 th Symphony zwane „Heroes” w 1996 roku za jego imiennik baletu. Podobnie Laura Dean współpracowała ze Stevem Reichem w latach 1971-1975, zwłaszcza nad pierwszą choreografią do kompozycji Drumming . Jednak choreografie te, choć operują elementami powtarzalności i przesunięć, nie mogą być zakwalifikowane jako całkowicie minimalistyczne, muzyka pozostaje podporą dla stosunkowo tradycyjnej i bogatej kreacji choreograficznej.

Bezpośredni wpływ muzyki minimalistycznej w procesie tworzenia choreografii jest właściwie związany z odkryciem i wykorzystaniem dzieł Steve'a Reicha przez belgijską choreografkę tańca współczesnego Anne Teresa De Keersmaeker podczas studiów w Tisch School of the Arts w Nowym Jorku . Od 1980 do 1982 roku stworzyła swój utwór założycielski Fase, cztery części do muzyki Steve'a Reicha, w którym dalej teoretyzowała wkład muzyki fazowej w taniec, naprawdę pokazując zasady phasing / phase shifting opracowane przez Reicha w jego wczesnych kompozycjach Piano Faza , faza skrzypiec , klaskanie i wyjście . Ścisły związek między De Keersmaekerem a muzyką Reicha będzie więc stale odnawiany w licznych dziełach belgijskiego choreografa w ciągu następnych dziesięcioleci, zwłaszcza w baletu Drumming (1998) na temat utworu o tej samej nazwie Drumming and Rain (2001) na temat muzyki na 18 muzyków . Steve Reich specjalnie skomponuje utwór Dance Patterns w 2002 roku do utworu Counter Phrases De Keersmaekera, który z kolei złoży mu hołd otwierając nowojorskie ceremonie z okazji 70-lecia Rzeszy w 2006 roku specjalnie dedykowaną twórczością zatytułowaną Steve Reich Wieczór .

Ponadto szwedzki choreograf maty Ek okazało przez pewien czas w kierunku „mistycznego minimalizmu” komponując 1995 duet dymu dla Sylvie Guillem , który wykorzystuje kompozycje Für Alina i Spiegel im Spiegel przez Arvo Pärta . Niedawno brytyjski choreograf Christopher Wheeldon szczególnie wykorzystał kompozycje wszystkich wielkich nazwisk minimalizmu w swoich pracach napisanych w stylu neoklasycznym.

Sztuki plastyczne

Kompozytorzy minimalistyczni utrzymywali bliskie relacje z artystami wizualnymi, w szczególności z ruchem minimalistycznym i sztuką konceptualną . Steve Reich i Philip Glass mieli bardzo dobre przyjaźnie z Richardem Serrą , Solem Le Witt , Brucem Naumanem , Michaelem Snowem czy Nancy Graves . Reich napisał swój esej Music as a Gradual Process (1968), który wraz ze swoimi plastikowymi przyjaciółmi w Whitney Museum znalazł się w katalogu dużej wystawy poświęconej minimalizmowi w 1969 roku i podczas którego koncertował z Glassem. Z drugiej strony, dzieło takie jak Muzyka wahadła Reicha, w której Serra, Nauman i Snow uczestniczą jako wykonawcy, jest bardziej wykonaniem niż rzeczywista muzyka. Steve Reich dostrzeże „wspólną postawę” między artystami plastykami i jego dziełami, charakteryzującą się „geometrycznym i metaforycznym” aspektem ich prac, ale bez bezpośrednich wzajemnych wpływów. Mówi: „po prostu pływaliśmy w tej samej zupie” . W 1977 roku kilku artystów wzięło udział w sprzedaży swoich prac, aby spłacić długi wynikające z montażu Einstein on the Beach by Glass. Ostatecznie Glass był pełnoetatowym osobistym asystentem Richarda Serry w 1969 roku. Jednak Glass nie tworzy bezpośredniego związku między swoją pracą muzyczną a dziełami jego przyjaciół plastyków.

La Monte Young utrzymywała krótkie związki z ruchem Fluxus w okresie tworzenia prac konceptualnych. Jego utwory z lat 1959-1961 były wykonywane na festiwalach Fluxus, a niektóre z jego utworów, m.in. Trio na smyczki , były wydawane przez ruch. Young jednak odszedł od Fluxusu w 1963 roku. Z drugiej strony regularnie współpracował z żoną, artystą wizualnym Marianem Zazeelą , która realizowała instalacje wizualne, m.in. dla The Well-Tuned Piano czy Theatre of Eternal Music .

Audiowizualny

Od wczesnych lat 80. kino i ogólnie sektor audiowizualny często zapożyczały dzieła minimalistycznych kompozytorów jako nośniki dźwięku do filmów, filmów dokumentalnych, sztuki wideo, reklam telewizyjnych i napisów końcowych. Philip Glass i Arvo Pärt to z pewnością dwaj kompozytorzy, którzy najbardziej zezwolili na wykorzystanie swoich utworów jako ścieżek dźwiękowych do filmów , a nawet skomponowali je specjalnie na życzenie reżysera. Zatem zawdzięczamy Philip Glass naprawdę oryginalne ścieżki dźwiękowe z trzech filmów z Qatsi Trylogii przez Godfrey Reggio (od 1982 do 2002), Mishima: A Life w czterech rozdziałach przez Paula Schradera (1985), oraz Kundun przez Martina Scorsese ( 1997 ) ... Stworzył również a posteriori muzykę do filmu Dracula z 1931 roku i wielokrotnie współpracował przy muzyce do filmów i filmów dokumentalnych Errola Morrisa, udostępniając i rearanżując jego wcześniejsze kompozycje. Ponadto, szkło pracował również intensywnie z reżyserem Bobem Wilsonem na tworzenie ambitnych przedstawień, mieszanie operę, film, teatr, zwłaszcza na Einstein on the Beach (1976) czy wojen domowych (1984) sponsorowanych. Na ceremonii otwarcia Igrzyska Olimpijskie w Los Angeles . W przypadku estońskiej Pärt nie chodzi o oryginalne kompozycje dla kina (choć na początku swojej kariery skomponował wiele ścieżek dźwiękowych, ale nie w stylu minimalistycznym), ale o uprawnienia do korzystania z jej utworów.

Ponadto Steve Reich wielokrotnie pracował w intymnej relacji ze swoją żoną, artystką wideo Beryl Korot , nad wspólnym tworzeniem dzieła integrującego od momentu napisania muzyki wykorzystanie obrazu. odtwarzanie wideo na zasadzie powtarzalności. Z tych badań, które rozpoczęły się na początku lat 90. , powstały dwie wideo-opery ( The Cave w 1993 i Three Tales w 2001) zawierające przedstawienie sceniczne (dla obu) i nagranie (tylko dla drugiego). powiązanych filmów.

Inne utwory muzyczne

Zastosowanie powtórzenia jako struktura jest również wykorzystywany w muzyce popularnej, z publikacją w 1967 roku na płycie bananów z Velvet Underground , słynnej grupy muzyki pop wyprodukowany przez Andy'ego Warhola . Pomysły wywodzą się bezpośrednio z minimalizmu, John Cale i Angus MacLise współpracowali z La Monte Young i Theatre of Eternal Music przed ich zaangażowaniem w Velvet Underground.

Wiele prac Philipa Glassa dotyczy rocka . Zaangażował się w produkcję ze światem rocka i tam zyskał reputację. Jego muzyka wpłynie na niektóre eksperymentalne grupy rockowe , w szczególności niemieckie: Kraftwerk , Cluster , czy Neu! . David Bowie i Brian Eno są również pod wpływem Glassa, nawet Steve'a Reicha, a wpływ minimalizmu jest wyraźnie wyczuwalny w ruchu Ambient , który tworzy Eno. Podobnie album Eno z Robert Fripp , No Pussyfooting (1973) znajduje się pod silnym wpływem muzyki z wymianą części ( 1970 ). Robert Fripp rozwija się w trzech albumach, które oznaczają powrót King Crimson w 1981 roku, Discipline , Beat i Three of the perfect pair , post-progresywny rock inspirowany językiem minimalistycznym, który miesza z dźwiękami nowofalowymi, elektroniką, i etniczne.

Od 1976 roku Glass współpracował z klubami rockowymi na Manhattanie oraz ruchem punk rockowym i post-punkowym , w szczególności za pośrednictwem Philip Glass Ensemble . Zespoły takie jak Theoretical Girls lub kompozytorzy tacy jak Rhys Chatham również są pod wpływem doświadczenia Glassa z rockiem. W 1995 roku skomponował orkiestrową wersję Icct Hedral przez Aphex Twina , jednego z najważniejszych twórców muzyki elektronicznej . W latach 90. Philip Glass zainspiruje się w zamian albumami Low (1976) i „Heroes” (1977) Davida Bowiego, aby skomponować dwie ze swoich symfonii (odpowiednio I Symfonia i IV Symfonia ), podkreślając w ten sposób wzajemne wzajemne interakcje między dwoma artystami z różnych środowisk.

Uznanie i popularność

Minimalizm narodził się jako ruch eksperymentalny i rozwinął się poza tradycyjnym światem muzyki klasycznej . Pierwsze koncerty odbywają się głównie w galeriach lub muzeach i muszą być organizowane przez samych kompozytorów. To przede wszystkim nagrania pozwolą na szeroką dystrybucję muzyki minimalistycznej, także w Europie, gdzie odbiór jest raczej dobry. Co więcej, to właśnie Europa dała minimalistom pierwsze znaczące znaki rozpoznawcze, dzięki zamówieniu od państwa francuskiego dla Philipa Glassa i rekordowym sukcesie wśród publiczności nie ograniczonej do miłośników muzyki współczesnej , dzięki nagraniu Music for 18 Musicians. autorstwa Steve'a Reicha , dla niemieckiej wytwórni Edition of Contemporary Music .

Znacznie szersza dystrybucja następuje wówczas wraz z wznowieniem przez kino i telewizję twórczości minimalistów lub muzyki w dużej mierze przez nich inspirowanej.

Trudne początki

Pierwsze koncerty minimalistów odbywają się poza tradycyjnym obiegiem reprezentacji muzyki klasycznej. Kompozytorzy prezentują swoje prace w galeriach ( Galeria Park Place ), muzeach ( Muzeum Salomona R. Guggenheima ), w domach prywatnych (Loft Yoko Ono ) czy na uniwersytetach. W plastycy są szczególnie otwarte do muzyki Philipa Glassa i Steve'a Reicha i rozpoznać pokrewieństwo z własnej pracy.

Pierwsze bardziej oficjalne koncerty w klasycznych salach koncertowych były okazją do skandali. Wykonanie Czterech organów Steve'a Reicha w Carnegie Hall w 1973 roku wywołało publiczny protest przeciwko hipnotycznej naturze dzieła. Philip Glass jest poddawany rzucaniu jajkami podczas występów. Podczas tournée po Europie z Richardem Serrą publiczność negatywnie zareagowała na prace Glassa, zwłaszcza w Amsterdamie .

Odbiór krytyków jest mieszany. Tom Johnson z Village Voice i Michael Nyman piszą pozytywne recenzje pierwszych koncertów, ale sami są też kompozytorami, bliskimi ruchowi minimalistycznemu. Inni dziennikarze są znacznie twardsi, w szczególności Donald Henahan z New York Times o pracy Reicha. Harold Schonberg z The Times jest zaskoczony koncertem Terry'ego Riley'a z udziałem A Rainbow in Curved Air oraz Poppy Nogood and the Phantom Band . Krytyk dostrzega hipnotyczny charakter uzyskany przez powtarzanie wzorów, bliskość do muzyki indyjskiej , ale opisuje wynik jako „monotoniczny i nieprzyjemny” .

Recepcja muzyków jest również mieszana, La Monte Young jest oczerniana przez swoich nauczycieli, a jej utwory są w dużej mierze źle rozumiane.

Uznanie i sukces

Terry Riley był jednym z pierwszych kompozytorów, którzy zyskali uznanie za swoją twórczość, po sukcesie In C ( 1964 ). W 1967 roku Królewska Szwedzka Akademia Muzyczna zleciła mu wykonanie utworu na orkiestrę i chór Olson III . W 1969 roku Fundacja Dilexi zleciła mu napisanie muzyki do filmu o twórczości rzeźbiarza Arlo Actona , który później stał się muzyką z kulkami . Współpracuje również z telewizją szwedzką i duńską.

Amerykański dyrygent Michael Tilson Thomas odgrywa ważną rolę w rozpowszechnianiu muzyki minimalistycznej, zorganizował w 1971 i 1973 pierwsze koncerty w ważnych salach ( Carnegie Hall w 1973), przez Boston Symphony Orchestra . W 1971 roku Reich i Glass wspólnie koncertowali w Europie, gdzie ich wspólny zespół wykonywał cztery organy , muzykę wahadłową , fazę fortepianu , wzory fazowe Reicha i muzykę Glassa ze zmieniającymi się partiami . Odbiór koncertów w Paryżu i Londynie jest zachęcający, bardziej mieszany w Niemczech.

To przede wszystkim nagrania pozwalają kompozytorom zwiększyć ich nakład. Już w 1967 Come Out Steve'a Reicha i In C Terry'ego Riley'a zostały nagrane dla Columbia Records na albumie zawierającym około dwudziestu współczesnych utworów. album był krytykowany w prasie muzycznej, a także w magazynie Time . It's Gonna Rain and Violin Phase Steve'a Reicha z 1969 roku i The Church of Anthrax Terry'ego Riley'a z 1970 roku są nagrywane, wciąż z Columbią. W 1971 Philip Glass stworzył własną wytwórnię płytową Chatham Square Productions, z którą wydał Muzykę ze zmieniającymi się częściami , Muzykę w piątych , Muzykę w podobnym ruchu . Nagrania produkuje również francuska wytwórnia Shandar. To także z Francji przyjdzie prawdziwe uznanie minimalistów. W 1974 roku Michel Guy , ówczesny sekretarz stanu ds. kultury, zamówił Einstein on the Beach od Philipa Glassa. Stworzenie i objazd dzieła w Europie w 1976 roku zakończył się sukcesem, podobnie jak występy w Nowym Jorku w tym samym roku.

Rozpoznanie dyskograficzne przyniesie z Niemiec, z nagraniem w 1974 roku dla prestiżowej wytwórni muzyki klasycznej Deutsche Grammophon , Drumming , Six Pianos , Music for Mallet Instruments, Voices, and Organ przez Steve'a Reicha. W 1978 roku było to nagranie Music for 18 Musicians , dzięki któremu muzyka Steve'a Reicha stała się znana na całym świecie i szerokiej publiczności. Wydawcą płyty jest niemiecka wytwórnia Edition of Contemporary Music , poświęcona jazzowi i muzyce improwizowanej , która pozwala znacznie większej niż awangarda publiczności odkryć muzykę minimalistyczną. Odwrotnie, odmowa kompromisu ze strony La Monte Young wobec firm fonograficznych czy sal koncertowych sprawia, że ​​jego produkcja płytowa jest rzadka, a jego twórczość jest w rzeczywistości mniej rozpowszechniana i znana.

To właśnie w latach 80. i 90. minimalistyczna muzyka była kopiowana i emitowana na masową skalę przez telewizję i kino. Kompozytorów muzyki filmowej i telewizyjnych reklamach skopiować szczególnie sztuczek od Philipa Glassa . Steve Reich i Meredith Monk również są naśladowani. Pewne odrodzenie amerykańskiego nurtu minimalizmu wydaje się pojawiać wraz z nową generacją kompozytorów, takich jak Nico Muhly , który pracuje w szczególności z Philipem Glassem czy Dustinem O'Halloranem , ale także w Europie z np. Francuzem Sylvainem Chauveau , Niemcem. Max Richter , czy Luksemburczyk Francesco Tristano , wszyscy zaliczani są czasem do tzw . ruchu „postminimalistycznego” .

Krytyka i analiza

Pod adresem minimalizmu wyrażono niezwykle silną krytykę, głównie ze strony kompozytorów lub muzykologów bliskich awangardzie , czy też filozofów. Amerykański kompozytor Elliott Carter wielokrotnie wyrażał swoje zdecydowane odrzucenie minimalizmu i ogólniej powtórzeń w muzyce, uważanych za śmierć kompozytora. W szczególności kreśli analogię z reklamą , która jest niechciana, nachalna i powtarzająca się aż do mdłości. Termin faszysta został nawet użyty wprost, podobnie jak porównanie użycia powtórzeń jako metody prania mózgu, jak to praktykowano w reklamach lub przemówieniach Hitlera .

Częstą krytyką jest zarzucanie muzyce minimalistycznej powierzchowności, a nawet antyintelektualizmu. Jest postrzegany jako „prowadzący donikąd”, zaprzeczający językowi muzycznemu i będący jedynie „dźwiękowym gobelinem” . To właśnie muzyka Philipa Glassa skupia krytyków, którzy czasem określają ją jako „kłamstwo” lub „regresję” . W recenzjach La Monte Younga i Terry'ego Rileya często pojawiają się określenia „monotoniczny” lub „nudny”. Krytycy są bardzo podzieleni i generalnie są przedstawiani jako „za” lub „przeciw”. We Francji pierwsze reakcje na twórczość Johna Adamsa nie były zbyt przychylne. W 1990 r. magazyn Télérama napisał o Nixonie w Chinach  : „to jest zerowy stopień muzyki. Rodzaj typowo amerykańskiego produktu, jak Coca-Cola , Disneyland , czy New International Order” .

Krytyka minimalizmu bywa mylona z krytyką postmodernizmu . Awangardowy kompozytor Brian Ferneyhough odrzuca postmodernizm, krytykując w szczególności Johna Adamsa , w którym potępia brak etyki związanej z lekceważeniem kultury muzycznej.

Z kolei dla niektórych muzykologów minimalizm doskonale wpisuje się w nowoczesność. Poza wyraźnymi wpływami serializmu, w szczególności Schönberga i Weberna , na La Monte Young i Terry Riley , które bezpośrednio doprowadziły do ​​pierwszych dzieł minimalizmu, takich jak Trio for Strings ( 1958 ), zastosowanie rygorystycznych procesów wytwarzania muzyki, takich jak: te opracowane przez Reicha i Glassa można porównać z ograniczeniami integralnego serializmu lub przypadkowych procesów Johna Cage'a . W szczególności akceptację rezultatów procesu fazowania (nawet jeśli jest deterministyczny, proces ten częściowo wymyka się kompozytorowi) można bezpośrednio porównać z akceptacją produktów muzycznych generowanych przez przypadek u Cage'a.

Dla muzykologa Keitha Pottera kolejnym argumentem przemawiającym za nowoczesnością minimalizmu jest „defamiliaryzacja” , termin zaproponowany przez teoretyka formalistycznego Victora Chklovskiego jako oznaczający utratę oddziaływania aktualnych elementów, pomniejszonych przez przyzwyczajenie. Według Chklovskiego celem sztuki jest nadanie tego znaczenia rzeczom, do których należałoby się zbytnio przyzwyczaić. Potter zwraca uwagę, że tego ponownego odkrycia znanych elementów dokonali już Cage i serialiści, ale minimaliści zdają sobie z tego sprawę zupełnie inaczej. Zamiast niespotykanego, zaczynają od niezwykle prostego i znajomego materiału muzycznego i dogłębnie go studiują poprzez intensywne stosowanie powtórek. Pierwszym badanym w ten sposób parametrem jest rytm , systematyczne podejście do produkcji utworów bliskich studium i nadanie tym pierwszym utworom rzeczywistego charakteru muzyki eksperymentalnej . Ta eksploracja zostaje następnie rozszerzona na inne parametry ( wysokości , harmonia ).

Keith Potter mówi:

„Minimalizm zmusza słuchaczy do reinterpretacji tego, co znane, nie tylko poprzez ich własne percepcje i odczucia, ale także poprzez energie generowane przez te same zasady (regularna pulsacja i poczucie zbliżania się do celu), które ujmują podejście Zachodnia muzyka tonalna ostatnich stuleci. "

Niezbędne prace

Uwagi i referencje

Uwagi

  1. Czym tak naprawdę jest minimalizm?
  2. In C tłumaczy się na francuski jako En C-dur
  3. Ten termin jest preferowany przez kompozytora dla odróżnienia go od muzyki czysto repetytywnej
  4. Po francusku, Dream Accord

Bibliografia

  1. Marie Claire Mussat, Trajektorie muzyki XX p  wieku , Klincksieck , 2002 ( ISBN  2-252-03404-1 ) , str.  141-143 .
  2. Reich (2002) , Wstęp Paula Hilliera , s.  4 .
  3. w eksperymentalnej muzyki: cage i poza przez Michaela Nymana , edycjach Schirmer Books, New York, 1974.
  4. Strickland (1991) , Steve Reich, s.  34-50 .
  5. Potter (2000), s. 1-20
  6. Tom Johnson, Minimalne podejście w zwolnionym tempie , Alvin Lucer et al. , The Village Voice , 30 marca 1972
  7. Strickland (2000) , Dźwięk, s.  252-253 .
  8. Vincent Lajoinie (1985) Erik Satie , s.  255 .
  9. Vincent Lajoinie (1985) Erik Satie , s.  85 .
  10. Strickland (1991) , s.  91 .
  11. Nyman (1974) , s.  68 .
  12. Reich (2002), s.  160
  13. Potter (2000) , s.  281 .
  14. Vincent Lajoinie (1985) Erik Satie , s.  414 .
  15. Strickland (1991) , La Monte Young s.  52-70 .
  16. Machard, (2004) , s.  47-64 .
  17. Paul Griffiths, Krótka historia muzyki współczesnej, od Debussy'ego do Bouleza , edycje Fayarda , 1978, s.  161-165 .
  18. Potter (2000) , Terry Riley, s.  92-150 .
  19. Strickland (1991) , Philip Glass s.  142-158 .
  20. Nyman (1974) , s.  211 .
  21. Reich (2002) , s.  202 .
  22. Pottera (2000) , La Monte Young, s.  21-91 .
  23. Pottera (2000) Steve Reich s.  151-250 .
  24. Potter (2000) , Philip Glass, s.  251-341 .
  25. Strickland (2000) , Sound, s.  119-256
  26. Strickland (2000) , Dźwięk, s.  176
  27. Potter (2000) , Steve Reich, s.  151-153 .
  28. Potter (2000) , s.  288-295
  29. Potter (2000) , Philip Glass, s.  307-323
  30. Potter (2000) , Philip Glass, s.  340-341
  31. J. Y. Ramię muzyczne prądów XX p  wieku s.  260
  32. B. Ramaux Chevassus Muzyka i ponowoczesność s.  34 .
  33. B. Ramaux Chevassus Muzyka i ponowoczesność s.  33
  34. „  Muzyka minimalistyczna  ” , na stronie IRCAM
  35. Kartoteka kompozytora: Henryk Mikołaj Górecki w Le Mensuel de Polyphonies nr 31 - styczeń 2009
  36. John Adams , w Machard, (2004), s. 49
  37. Potter (2000) , La Monte Young, s.  29-32
  38. Potter (2000) , La Monte Young, s.  58-59 .
  39. Strickland (2000) , Dźwięk, s.  179 .
  40. Potter (2000) , Terry Riley, s.  98-99
  41. Potter (2000) , Terry Riley, s.  117-124 .
  42. Potter (2000) , Terry Riley, s.  128-130 .
  43. Jean-Noël von der Weid, muzyce XX p  wieku , Hachette literatura , 2005, str.  387 .
  44. Steve Reich, Muzyka jako proces stopniowy , w Writings on Music 1965-2000 , Oxford University Press , 2002, s.  34-36 .
  45. Paul Epstein, "Struktura wzorca i proces w fazie fortepianowej Steve'a Reicha", Oxford University Press , The Musical Quarterly , 1986; LXXII (4): 494-502.
  46. Fink (2005) , Barwna odsłona XX-wiecznego dramatu konsumenckiej podmiotowości s.  62-119 .
  47. Strickland (2000) , Dźwięk, s.  123
  48. Strickland (2000) , Dźwięk, s.  175-180 .
  49. Potter (2000), s.  188
  50. Potter (2000) , La Monte Young, s.  65-66
  51. Eric Darmon, Philip Glass, Looking Glass , DVD Arte France , 2005
  52. Lake (2007) , komentarz Gavina Bryarsa , s. 73
  53. „  Minimalistyczna muzyka  ” , na tej stronie IRCAM
  54. [PDF] Taniec i muzyka: powtarzalność i gromadzenie dokumentacji edukacyjnej Manège de Reims
  55. Rosita Boisseau , Panorama tańca współczesnego. 90 choreografów , Textuel Editions , Paryż, 2006, s.  110-111 .
  56. (w) Heroes na oficjalnej stronie Twyli Tharp .
  57. (w) Roselyn Sulcas, "Spotkanie z Rzeszy" , The New York Times , 17 października 2008 r.
  58. Rosita Boisseau , Panorama tańca współczesnego. 90 choreografów , Textuel Editions , Paryż, 2006, s.  300-301 .
  59. (w) John Rockwell, „Reich kończy 70 lat; Wybuchają uroczystości” , The New York Times , 5 października 2006.
  60. Potter (2000) , Steve Reich s.  171-172 .
  61. Potter (2000) , Philip Glass, s.  266
  62. Potter (2000) , Philip Glass, s.  268 .
  63. Edward Macan (1997), Rocking the classics: angielski rock progresywny i kontrkultura s.  212 .
  64. Strickland (1991) , Terry Riley, s.  110 .
  65. Potter (2000) , La Monte Young, s.  76 .
  66. Strickland (2000) , s.  1-2
  67. (w) biografia Nico Muhly na oficjalnej stronie Los Angeles Chamber Orchestra .
  68. (w) John Schaefer , post-minimalistyczna muzyka , transmisja Nowe dźwięki , WNYC , 24 czerwca 2011.
  69. Geoffrey Norris, „Minimalizm to śmierć”, wywiad z Elliottem Carterem , The Daily Telegraph , 25 lipca 2003 r.
  70. Strickland (2000) , Koniec, s.  286 .
  71. Heinz Holliger , wywiad z Jacques Drillon, Le Nouvel Observateur , 17-23 kwietnia 2003 r.
  72. Michael Gielen, We Freitag, Berlin, 12, VI. 2003
  73. Strickland (1991) , La Monte Young s.  52
  74. Renaud Machart , John Adams , Actes Sud /Classica, 2004, s.  111 .
  75. Marc Texier, Niektóre nieprawdy na temat twórczości Briana Ferneyhougha , libretto z płyty CD Auvidis-Montaigne Works Briana Ferneyhougha. 1997

Załączniki

Powiązane artykuły

Bibliografia

Linki zewnętrzne