W muzyce , improwizacja jest procesem, w którym improwizacji muzyk tworzy lub wywołuje spontaniczne dzieło muzyczne, wyimaginowane lub ex nihilo, wykorzystując swoją kreatywność w tej chwili, jego techniczną i teoretyczną wiedzę , a czasem także szansa .
Improwizacja często kojarzy się z takimi pojęciami jak spontaniczność, przypadek, inspiracja. Jednak improwizacja nie jest całkowicie darmowa, ani pozbawiona reguł. Podobnie improwizacja muzyczna rzadko jest w pełni zdeterminowana, chyba że zostanie zamrożona nagraniem. W istocie niemożliwe jest całkowite wyrwanie się z kaprysów teraźniejszości w jej najdrobniejszych szczegółach, a zatem niemożliwe jest identyczne odtworzenie improwizacji (lub interpretacji). Natomiast swobodna improwizacja (czasami nazywana muzyką improwizowaną w sensie „muzyki całkowicie improwizowanej” ) zmierza do przeciwnej sytuacji, starając się jak najbardziej uwolnić się od wszelkich reguł. Te dwie skrajne sytuacje pokazują, że zamiast kontrastować muzykę improwizowaną z muzyką nieimprowizowaną, można usłyszeć improwizację muzyczną w różnym stopniu.
Nawet jeśli improwizator i kompozytor są w tym samym stanie umysłu, co w akcie tworzenia, istnieje ogromna różnica między improwizacją a komponowaniem. Kompozycja nie jest zależna od czasu, pozwala na wymazywanie i może nigdy nie zaowocować finalnym dziełem. Improwizacja to spektakl, wyzwanie, ponieważ muzyk musi coś stworzyć w czasie rzeczywistym.
W kontekście zbiorowym improwizacja ma pewne cechy szczególne. W rzeczywistości, kiedy gramy w grupie, innych muzyków nie można odstawić. Kiedy improwizacja jest wolna, improwizatorzy muszą wykazać się zdolnością do stworzenia zbiorowej konstrukcji. Kiedy muzycy używają ram (na przykład linii melodycznej lub siatki harmonicznej), improwizatorzy muszą dostosować się do tych ram, aby zapewnić wspólne odniesienie. Jednak istnienie narzuconych ram nie wyklucza słuchania i kolektywnego konstruowania, wymaga po prostu uwzględnienia ograniczeń ramowych. Niezależnie od kontekstu swobodnego lub oprawionego, improwizacja w grupie zakłada więc subtelne słuchanie i bardzo silną reaktywność.
Ponadto improwizacja musi przyciągać uwagę publiczności, musi istnieć komunikacja z publicznością, nie możesz być jedyną osobą, która rozumie, w co grasz. Można zatem uznać, że jak w każdym przekazie istnieje element poświęcenia, zarówno ze strony muzyków, jak i publiczności. Czasami jednak improwizacja odbywa się między muzykami, bez obecności publiczności, zwłaszcza podczas wołowiny lub dżemu .
Zanim pojawiła się forma pisania, która mogłaby utrwalić konstrukcję muzyczną za pomocą widocznych znaków, muzyka była prawdopodobnie zasadniczo ustna. Jednak muzyka tradycji ustnej prezentuje często struktury skrajnie skodyfikowane, w których część improwizowana wydaje się bardzo zredukowana. Nawet jeśli tradycje prowadzą do ustanowienia zastosowań, konwencji i reguł, jest prawdopodobne, że improwizacja mogła odegrać w historii muzyki ustnej - i nadal odgrywa - bardzo ważną rolę jako element innowacji, ponieważ służy to również wypełnieniu pustki. , aby przetestować możliwości instrumentu, prześcignąć innego muzyka itp. Znaczenie uwagę na te innowacje mogą prowadzić do podejmowania improwizacja istotny element konstytutywny, jak to ma miejsce w przypadku rag z muzyki indyjskiej , w Maqam kawałków irackiego arabskiej muzyki , czy nawet jazzu. . Improwizacja pozwala niekiedy na mocne kwestionowanie początkowo granej muzyki, uczestniczenie w powstawaniu nowych stylów muzycznych.
Gamelan muzyki balijski chińskie , japońskie i wielu innych, podczas gdy tradycyjna muzyka nie uważane są mniej tradycyjny (we Francji, termin „ muzyka świata ” odnosi się zarówno do tradycyjnej muzyki wszystkie kraje niż muzyki klasycznej non-Zachodniej).
Jeśli utrwalenie muzyki poprzez pisanie prowadziło do stopniowego zmniejszania części improwizacji pozostawionej wykonawcom, nie oznacza to jednak dla wszystkich, że położyła ona kres improwizacji. W niektórych przypadkach punktacja stworzyła ramy do improwizacji. Tak jest na przykład w przypadku muzyki indyjskiej, która wymaga długich lat nauki, ale zawiera niezwykle ważną część improwizowaną, ale która bezwzględnie wymaga przestrzegania bardzo precyzyjnych reguł.
W muzyce zachodniej mamy tego uderzający przykład w postaci koncertów napisanych w okresie baroku, w których kadencja była pusta, ponieważ solista musiał wtedy improwizować. W basso continuo , mimo że ramka jest ustalona przez szyfr zaproponowany przez kompozytora, instrumentalista wykonujący continuo musi częściowo improwizować głosy pośrednie, a nawet może wprowadzać imitacje głosem solisty. Co więcej, były tam stałe łańcuchy basowe, które posłużyły jako szkielet do improwizacji.
Niektóre gatunki zachodniej muzyki klasycznej napisane są w improwizacji pochodzenia, takich jak preludiów , toccat , niektóre fantazje (the Fantazja chromatyczna przez Jana Sebastiana Bacha jest chyba napisane improwizacja a posteriori ) . Improwizacja była XVII th wieku XVIII th century, marka z największych muzyków na wolnym tematu lub nałożone.
Beethoven w młodości był bardzo znany ze swoich improwizacji fortepianowych, a jego zamiłowanie do tego stylu znajduje odzwierciedlenie w podtytule quasi una fantazja jego dwóch Sonat fortepianowych Opus 27 ( nr 13 i nr 14 ). Później improwizacja nadal wywoływała fascynację, nawet wśród kompozytorów najbardziej przywiązanych do pisanego medium, o czym świadczy tytuł niektórych utworów, takich jak „Improwizacje sur Mallarmé I i II” Pierre'a Bouleza czy „Improwizacje” Francisa Poulenca. .
Od zarania zawodu organisty kościelnego, instrumentem z wyboru do improwizacji zawsze były organy klasyczne. Większość wspaniałych organistów nie tylko była i jest świetnymi improwizatorami, ale szkolenie muzyczne organisty musi koniecznie obejmować zajęcia lub kursy improwizacji. Będąc specyficzną dyscypliną, na całym świecie odbywa się również wiele konkursów improwizacji. Najbardziej znanym jest Międzynarodowy Konkurs Improwizacji Chartres .
Istnieją trzy rodzaje treningu improwizacji organowej:
Lekcje improwizacji na organach liturgicznych uczą przyszłego organistę liturgicznego harmonizowania melodii „na oczach”, towarzyszenia nabożeństwu i improwizowania w locie miniatur służących jako łączniki lub przedłużenia w celu dostosowania czasu muzycznego. W czasie liturgii . Przypadek podręcznika jest akompaniamentem muzycznym komunii w urzędzie katolickim. Ze względu na zmienny i nieprzewidywalny czas trwania organista liturgiczny musi być w stanie skrócić lub wydłużyć utwór pisemny bez zauważenia i jest rzeczą oczywistą, że jest to niezaprzeczalny dar artystyczny.
Z kolei zajęcia z klasycznej improwizacji na organach są rozszerzeniem i praktycznym zastosowaniem zajęć harmonii , kontrapunktu i kompozycji , na których przyszły organista uczy się konstruować w czasie rzeczywistym utwór muzyczny odpowiadający określonemu gatunkowi. fuga , chorał , preludium , toccata , koncert itp.
Wreszcie, zajęcia z improwizacji na organach zasadniczo polegają na improwizacji koncertowej i wymagają od ucznia znacznej nauki. W tej dziedzinie francuska szkoła organowa jest depozytariuszem solidnej tradycji improwizacji przekazywanej przez pokolenia wielkich improwizujących organistów , wśród których nie sposób nie wymienić Pierre'a Cochereau , Marcela Dupré , Charlesa Tournemire'a czy nawet Pierre'a Pincemaille'a .
Struktura improwizowanego utworu jazzowego jest często następująca:
Istnieje jednak wiele innych możliwości. Improwizator może na przykład improwizować nie na siatce (mierzona następstwo akordów), ale na prostej melodii. Nie może też używać medium (tak jest w przypadku swobodnej improwizacji).
Nadal istnieją sytuacje związane z komunikacją za pomocą języka. Tak jest w przypadku soundpaintingu : języka wizualnego opracowanego przez Waltera Thompsona (składającego się z ponad 700 znaków), który umożliwia organizowanie zbiorowych zachowań muzycznych i choreograficznych. Albo nawet język dźwiękowy open grid, wymyślony przez saksofonistę Sylvaina Mangiarottiego , pokazujący oryginalność orientującej improwizacji od samego wnętrza dyskursu muzycznego.
Piano zajmuje szczególne miejsce w świecie jazzowej improwizacji. Ściśle mówiąc, użycie fortepianu nie było w jazzie systematyczne. Zwróć uwagę w szczególności na brak zespołów jazzowych w stylu nowoorleańskim (które zostały sprowadzone na paradę), a także w bardziej nowoczesnych formacjach, takich jak kwartet Gerry'ego Mulligana, gdzie brak instrumentu polifonicznego pozwolił na rozjaśnienie grubości. Harmonijność kompozycji. i improwizacji i zostawić więcej miejsca na barwę saksofonu barytonowego. Mimo to fortepian był prawdopodobnie pierwszym z instrumentów towarzyszących śpiewakom i solistom jazzowym. Instrument podążał również własną drogą, jako instrument solowy, prowadzony przez wybitnych pianistów jazzowych od Jelly Roll Morton , Earl Hines , Art Tatum , Thelonious Monk czy nawet Oscar Peterson , po Billa Evansa , Herbiego Hancocka , Keitha Jarretta , poprzez Martial Solal , Cecil Taylor i Michel Petrucciani itp. (zobacz listę tutaj ).
Podobnie jak fortepian klasyczny, pianino jazzowe ma przede wszystkim tę ogromną zaletę, że może stać samodzielnie. Rzadko bywa się na koncercie jazzowym, na którym sam na scenie występuje solowy saksofonista lub solowy trębacz. Oczywiście instrumenty formacji mogą wykonywać solówki podczas koncertu, ale często jest to epizod, nawias. Na scenie może wystąpić znakomity solista, ale potrzebuje wsparcia, którego często udziela mu pianista. Na przykład Stanowi Getzowi, jednemu z najwybitniejszych saksofonistów jazzowych, towarzyszył (co najmniej) pianista. Jest zatem zrozumiałe, że instrumenty monofoniczne mogą mieć większe trudności z wypełnieniem przestrzeni dźwiękowej. Jednak fortepian wymyka się tej zasadzie z kilku powodów:
Pianino jazzowe umożliwiło wymyślenie stylów muzycznych, sposobów traktowania rytmu, melodii i harmonii ze względu na możliwości pianisty i fortepianu. Możemy uznać, że wielkim objawieniem fortepianu w jazzie było użycie lewej ręki do wykonania tego, co jazzmani powszechnie nazywają „pompą”, a Anglosasi nazywają „ krokiem ” lub „ chodzeniem ”, co w języku angielskim oznacza „krok”. Jest to bardzo wirtuozowska technika polegająca na naprzemiennym naprzemiennym basie i akordach na dużej przerwie (skoku większym niż oktawa) w celu imitacji kontrabasu i banjo.
Powszechnie przyjmuje się, że pierwsze czółenka narodziły się ze Scottem Joplinem i jego słynnymi ragtimes . Ta technika, wymagająca lat pracy perfekcyjnego opanowania, ostatecznie oferuje zarówno widowisko dla publiczności zafascynowanej tą ręką grającą niemal jednocześnie w dwóch miejscach na klawiaturze, orkiestrowe wykorzystanie całej szerokości klawiatury, jak i wrażenie posiadania pianisty z trzema rękami.
Wraz z ewolucją jazzu ta technika, która równie dobrze mogłaby być binarna (bas, akord) lub trójskładnik (bas dwa akordy lub dwa basy, akord) nadała treści swingu , bebopowi , boogie-woogie itp.
W popularnej muzyce elektronicznej DJ-e ćwiczą improwizację podczas występów na scenie, czy to na koncercie, w klubie, czy na rave party . W Anglii pojawia się nowe pokolenie improwizatorów, na czele z zespołem perkusyjno-basowym The Bays, który wyróżnia się tym, że nie sprzedaje płyty i nigdy nie gra tych samych utworów z jednego koncertu na drugi. Każdy z ich występów scenicznych jest wyjątkowy.
Od 1969 roku kompozytor Jean-Jacques Birgé improwizował na instrumentach elektronicznych (syntezator od 1973, następnie wszelkiego rodzaju maszyny aż do niedawnego Tenori-onu lub jego Masquerade Machine), w szczególności w ramach grupy Un Drame Musical Instantané (od 1976 do 2008) .
Niektóre grupy muzyki rockowej i eksperymentalnej praktykują improwizację. Oprócz gitary elektrycznej często używają innych elektrycznych i / lub elektronicznych przedmiotów, które modyfikują poprzez zginanie obwodu .