Nieme kino

Film niemy charakteryzuje się brakiem dialogów zapisanych na nośniku mechanicznym (dysk lub film), które umożliwiają ich przetransportowanie do pomieszczenia i słuchanie przez publiczność w tym samym czasie, by patrzył na zdjęcia, oraz brakiem tego samego nośnika muzyki i dźwięków lub pejzaży dźwiękowych. W języku angielskim są to filmy nieme .

Thomas Edison za pierwsze filmy , wykonane przez jego asystent, William Kennedy Laurie Dickson , od 1891 do 1895 roku , zostało rozstrzelanych bez dźwięku z kinetograph i przedstawiony opinii publicznej w tym stanie dzięki Kinetoscope , indywidualnego urządzenia obserwacyjnego. Ich czas trwania jest krótki: nie więcej niż 50 sekund.

Od 1892 roku Émile Reynaud organizował projekcje filmów animowanych na dużym ekranie przed zebraną publicznością, które trwały znacznie dłużej, do 5 minut. Są to świetliste pantomimy , pierwsze w historii kreskówki rysowane bezpośrednio na filmie. Przekonany, że takiemu pokazowi musi towarzyszyć muzyka podkreślająca klimaty i wyjaśniająca niewypowiedziane, Reynaud zamawia pianistę Gastona Paulina, który wykonuje je na każdym seansie, pierwszą muzykę filmową , pierwsze ścieżki dźwiękowe. Styki elektryczne wzdłuż paska obrazu o szerokości 70  mm wyzwalają uderzenie młotka lub bicie dzwonka. Również w zasadzie nie można powiedzieć, że projekcje Reynauda (od 1892 do 1900 ) były „milczące”, ale tak nazwany okres, Teatr Optyczny Reynauda jest rzeczywiście częścią epoki znanej jako kino nieme.

Kiedy prezentowane są animowane ujęcia fotograficzne wykonane przez Louisa Lumière'a z 1895 roku wraz ze zdjęciami , czas trwania każdej projekcji jest identyczny jak w filmach amerykańskich: od 30 do 60 sekund, znacznie krócej niż świetliste pantomimy. Aby zagłuszyć grzechoczący dźwięk aparatu projekcyjnego i zrelaksować pogrążoną w ciemności publiczność, bracia Lumière mają dobry pomysł, by postąpić jak Reynaud: pianista improwizuje na dole ekranu, podążając za rytmem obrazu.

Kino cieszy się rosnącym sukcesem. Nadal jest cicho, tak opisze to historia, ale w kinach, które pokazują nieme filmy na dużym ekranie, sesje nie odbywają się w ciszy. Najczęściej towarzyszą im efekty dźwiękowe wykonywane na żywo za pomocą pomysłowych instrumentów, z których część ze sceny jest używana do dziś przez realizatorów dźwięku. Najczęściej operator odtwarzający projekcję improwizuje komentarze zapowiadające tematy, które będzie pokazywał. W pierwszej dekadzie kina każda rolka nie przekracza jednej minuty. Ale kinooperatorowi, odpowiedzialnemu już za swój zapas filmów (prezentuje po kolei kilkanaście rolek, które składają się na przedstawienie) i za prawidłowe działanie swojej maszyny, bardzo szybko pomaga szczekacz, który czyta dołączony do filmu komentarz. , lub jeśli to się nie uda, improwizuj.

Filmy sprzed wynalezienia kina dźwiękowego ( 1927 ) nie były przez współczesnych kwalifikowane jako nieme i nie bez powodu nazwy kina niemego i filmu niemego pochodzą dopiero z lat 30. , po wprowadzeniu kina dźwiękowego.

Kino, wesołe miasteczko i okoliczna atrakcja

Prymitywna sala kinowa

W Salonach Kinetoskopowych , czyli sklepach, które można porównać do obecnych salonów z automatami do gier, ustawione rzędy Kinetoskopów , wysokie drewniane skrzynie na szczycie których muszla oczna pozwala na oglądanie samych lub dwóch filmów. do 60 sekund. Słychać tylko szelest silników elektrycznych, które napędzają zapętlony film. Ale w 1895 roku Edison realizował swoje marzenie: połączyć dźwięk i obraz. Jego dyrektor, Dickson, filmy sam bawiące (nieporadnie) melodię na skrzypcach, które wiąże się z walca w wykonaniu dwóch współpracowników Edison, który następnie uruchamia produkcję kilku filmów towarzyszy muzyka, które są powielane przez kinetoscopes zawierających w swoich bokach fonograf. Który rozpoczyna w tym samym czasie co zespół wizerunkowy. Ale incydentów jest wiele i opinia publiczna nie widzi sensu tej mieszanki. Tak zwane kino nieme zdobywa w ten sposób poparcie coraz większej publiczności, mimo innych prób, które pozostaną ciekawostką bez przyszłości. W związku z tym kino będzie milczeć od 1891 do 1927 roku .

Do 1908 r. (zob . Spektakl kina prymitywnego poniżej ) czas trwania filmów stopniowo się wydłużał, osiągając zwykle dziesięć lub piętnaście minut (mówiono wtedy o „filmach na rolce”). Rzadko robią więcej. Dopiero w latach 1910. , kiedy filmy składały się z kilku sekwencji złożonych z wielu ujęć, filmy osiągały dwie, trzy lub cztery rolki, a niektóre przekraczały godzinę, torując drogę filmom fabularnym. Ich prezentacja dla publiczności wymaga następnie wyposażenia kabin projekcyjnych w dwie maszyny, które pracują naprzemiennie, z jednej rolki na drugą, zapewniając ciągłość pokazu. Projekt przed kręceniem tych długoletnich filmów opiera się na bezpośrednim wykorzystaniu literatury: krótkie teksty pisane są na tekturze (stąd nazwa „tektura” nadawana jej tytułom ), następnie filmowane i na koniec wprowadzane na montaż. Określają miejsce, datę, czasową elipsę, stan ducha postaci, wyjaśnienie akcji  itp. Dialogi są również tematem sfilmowanych kart przeplatanych między ujęciami przedstawiającymi aktorów mówiących je w milczeniu. Szczekacz, wynajęty przez właściciela pokoju, czyta je na głos, ale jego obecność szybko uznawana jest za niepotrzebną i kosztowną, bo publiczność – przynajmniej ci, którzy potrafią czytać – może je czytać i dzielić się nimi z całym pokojem. pokazy filmów niemych są dość głośne.

W swoich wspomnieniach Billy Bitzer , operator Davida Warka Griffitha , wspomina, że ​​w latach 1908-1915 reżyser „czasami prosił mnie, żebym poszedł z nim na nikiel-odeon, aby zbadać reakcje publiczności na nasze filmy. To właśnie tam, w kinach Lower East Side w Nowym Jorku , zauważyliśmy, jak imigranci uczyli się angielskiego, czytając na głos tytuły filmów ” . Na początku XX wieku nikiel-odeony były popularnymi amerykańskimi teatrami, których niska cena wstępu w wysokości 5 centów (moneta niklowa) pozwalała na obejrzenie jednego lub więcej filmów krótkometrażowych. Są to lokale podobne do naszych małych osiedlowych sklepów, te sale nie mają nic wspólnego z ogromnymi kinami, które powstaną później. Sprzedają „ruchome obrazy”, a nie konkretny film. Są drewniane ławki lub fotele oraz miejsce do wstania do sesji.

Inną formą tego popularnego widowiska jest przejażdżka pociągiem Phantom ( Hale's Tour ), pomieszczenia urządzone na wzór wnętrza wagonu kolejowego (co daje wyobrażenie o wymiarach miejsca), gdzie widzowie stają naprzeciw ekranu, na którym są wyświetlane bardzo krótkie filmy kręcone z przodu pociągu, ukazujące tor, który zdaje się ślizgać im pod stopami (pod niewidzialnymi kołami) i odkrywające różne krajobrazy publiczności, dla której podróż pociągiem jest wyjątkowo kosztowna. Aby uatrakcyjnić podróż tam, ukryty za ekranem generator hałasu odtwarza atmosferę dźwiękową jadącej lokomotywy, pary, gwizdka, dzwonka alarmowego i oczywiście dudnienia kół. Dlaczego Phantom jeździć ? Bo widzowie tego nowego wynalazku, jakim jest kino, nie zdają sobie sprawy, że ten obraz torów kolejowych wykonał mężczyzna, kręcąc korbą kamery zainstalowanej tak jak on na polowaniu na bizony w lokomotywie, i że mają magiczne uczucie latania nad szynami, jak czyste duchy, jak duchy…

We Francji głównymi organizatorami pokazów filmowych są tereny targowe, które oprócz aparatury projekcyjnej, w którą muszą wyposażyć swoje baraki, kupują wyciśnięte szpule sprzedawane im przez przemysł kinowy na metry. Kino zostaje tym samym zdegradowane do rangi ciekawości jarmarków, na równi z karuzelą.

Ale kto tak naprawdę jest na pokazach filmowych? Burżuazja jest raczej powściągliwa w stosunku do tej drugorzędnej rozrywki i niechętnie miesza się z ludową publicznością. W pierwszych projekcjach Cinématographe Lumière widzowie byli bogaci, ale tragedia pożaru Bazaru de la Charité w 1897 r. , spowodowana niebezpieczną manipulacją przez kinooperatora , odstraszyła zamożnych klas. z dala. We Francji, podobnie jak w Stanach Zjednoczonych i na całym świecie, sukces kina jest popularnym sukcesem.

Spektakl kina prymitywnego

Ze swoim kinematografem bracia Lumière są skierowani do zamożnych klientów, którzy mogą nabyć maszynę, która składa się z aparatu fotograficznego, urządzenia projekcyjnego (z kasetą świetlną) i drukarki ksero, aby filmować swoje rodziny i organizować pokazy domowe w celu edukacji ich potomstwa . Ta strategia komercyjna określa wybór tematów dla ich „animowanych widoków fotograficznych” (tak Louis Lumière nazywa każdą z rolek, które sprzedaje). Są to animowane repliki nieruchomych „widoków” na szkle, które zakłady Lumière już sprzedają.

To charakterystyczne sceny, które odzwierciedlają obraz świata ludzi bogatych. Wśród około 1400 tytułów w katalogu Lumière z 1896 r. zacytujmy  : Strusie z Jardin des Plantes w Paryżu, Wyjazd transatlantyku w Marsylii , Łabędzie z Parc de la Tête d'Or w Lyonie, Konkurs Boules w Lyonie , Zjazd z wozu strażackiego w Lyonie, Nice Carnival (8 szpulek ), Chasseurs alpins (12 szpulek ), Londyn (13 szpulek), w 1897  : Bitwa na śnieżki , Szkoła kawalerii w Saumur (28 szpulek, figura karuzeli na szpulce). I uwiecznić wydarzenia społeczne, takie jak w roku 1896  : Procesja z małżeństwa księcia Neapolu do Rzymu (2 bębnach, zaczynając od procesji, po procesji) Inauguracja William 1 st w Berlinie (4 szpule) świąt koronacji cara Mikołaja II (8 szpulek), 1897  : Obchody Jubileuszu Królowej Anglii Wiktorii (9 szpulek), Podróż Prezydenta Republiki Félixa Faure do Rosji (14 szpulek), Podróż Prezydenta Republiki Félix Faure w Vendée (20 szpulek). Nie zapominaj, że rolka trwa mniej niż 1 minutę i zawiera jeden „widok”, pojedyncze ujęcie z jednym kadrem, postacie widziane w pełnej długości, a nawet w większej klatce… Wszystkie większe miasta są filmowane i bywają przedmiotem kilkudziesięciu zwojów. Świat jest więc podzielony na wiele niemych szkiców, jak wiele fotograficznych klisz, ale poruszających. Wszyscy pierwsi filmowcy, bez wyjątku, nagrywali szpule tego samego typu. Kiedy temat podoba się publiczności, konkurencja rzuca się na ten sam temat.

Niektóre wyjątki w tej standaryzacji filmów tamtych czasów są godne uwagi: William Kennedy Laurie Dickson nagrywa w imieniu Thomasa Edisona, gdy kamera zbliża się do tematu, przecinając go w połowie uda, co później zostanie nazwane Planem Amerykańskim . Użyta w 1891 roku w pierwszym filmie kinowym: Le Salut de Dickson ( Pozdrowienie Dicksona ), ta kadra, przez purytan uważana za nieco zbyt intymna, została podjęta przez Sandowa, najsilniejszego człowieka na świecie ( 1894 ), sportowca, który eksponuje i sprawia, że ​​gra ma piękną muskulaturę z wyraźnym narcyzmem. W 1896 roku Dickson wyciął nawet postać na wysokości klatki piersiowej, w The Sneezing of Fred Ott ( Edison Kinetoscope of a Sneeze ), pierwszym zbliżeniu kina, trwającym 4 sekundy. Pożądanym efektem jest groteska, która zachwyca popularną publiczność.

W swoich Pamiętnikach David Wark Griffith relacjonuje zabawną reakcję publiczności na widok pierwszego ciasnego kadru w kinie: „Widząc te obrazy, widzowie jednego z pierwszych deonów niklowych wydali głośne okrzyki. Chcieli wiedzieć, gdzie się podziały stopy aktorów! ”.

Ze swojej strony artysta, który dziś można by zakwalifikować jako niesklasyfikowany, Émile Reynaud , od 1892 roku rysuje komedie bezpośrednio na kliszy, a nie na fotograficznej emulsji, które trwają od półtorej minuty do 5 minut. przed ekranem projekcyjnym, od 1892 do 1900 , około 500 000 widzów. Reżyser Świetlistych Pantomim w każdym ze swoich filmów rozwija prawdziwą historię, ze zwrotami akcji, które następują po sobie w dramatycznym toku. W Wokół chaty ( 1894 , 1 min 50 s ), jeden z dwóch filmów cudem ocalonych od rozpaczy ich autora, który po bankructwie wrzuci wszystkie swoje filmy do Sekwany, postać starca Beau, pogardzając pulchną kąpiącą się, próbuje uwieść śliczną kąpiącą się i szpieguje ją w domku na plaży, i zostaje skopany w tyłek przez wspaniałego ratownika, który bierze piękność do kąpieli w jego towarzystwie. W ten sposób do historii wezwane są cztery postacie (plus pies), każda z własną charakterystyką i rolą do odegrania.

W 1895 roku bracia Lumière nakręcili pierwszą animowaną fikcję fotograficzną, słynną L'Arroseur arrosé , „widok komiczny”, jak nazwał go Louis Lumière. Ponownie, jest wątek, który sprawia, że ten film kompletną historię, w pobliżu przysłowiem „śmieje kto się śmieje ostatni”, ponieważ wody ogrodnika ( 1 st  share), a następnie zaskoczony niespodziewanym wyłączeniu wody, nie widząc dziecko tylko zgnieciony rurę pod jego stopy ( 2 th  zakładowego), wygląda wylewka podlewania i otrzymuje spray w twarz, gdy psotne uwalnia rura ( 3 th  akcji), ale łapie jokera, który administruje (klapsy 4 e  udział) , po czym spokojnie wznawia pracę ( 5 e  akcja).

Tego rodzaju małą komedię, z próżnym motywem, podjął cały konkurs, który w 1895 roku pojawił się mniej więcej w tym samym czasie co bracia Lumière i ich kinematograf. W ten sposób Anglik James Bamforth zamienia Żart na ogrodnika ( ogrodnik śmieci ). Niezależnie od tematu, zawsze jest to seria dramatycznych lub komicznych akcji, umiejscowionych w tym samym miejscu, sfilmowanych w jednym ujęciu, według jednej klatki, z postaciami zawsze widzianymi w pełnej długości. We Francji producenci tacy jak Charles Pathé i Léon Gaumont obok nieuniknionych „widoków” dokumentalnych, wyjścia strażaków, dokowania statku, przejścia jeźdźców  itp. , opracowują całą serię komedii tego samego typu.

Gdy poznaje ujęcia filmowe, kuglarz Georges Méliès kopiuje je bez skrupułów, jak wszyscy inni. W ten sposób dał swoją wersję L'Arroseur w 1896 roku . Ale bardzo szybko zastosował do swoich filmów przepisy, których doświadczył w swoim teatrze magii i inne, które widział w filmach wyprodukowanych przez Thomasa Edisona. W ten sposób sprawia, że ​​młoda kobieta znika i pojawia się ponownie, przez dwa zatrzymania kamery i dwa razy strzelając bez poruszania kamerą, a po dwóch spawach, aby usunąć prześwietlone obrazy zatrzymań i wznowień , dostarcza Escamotage d'une dame w Robert-Houdin. teatr , stworzony w 1896 , który zadziwia publiczność i odniósł sukces Mélièsa. Jak zwykle konkurencja chwyta się tego „rzeczy”, która nic nie zawdzięcza Music Hallowi, a która jest specyficzna dla kina. Zarówno Alice Guy , pierwsza reżyserka na świecie pracująca dla Léona Gaumonta , Ferdinand Zecca , który pracuje dla Pathé Frères , a później filmowiec Segundo de Chomón z hiszpańskiej przeszłości we Francji Pathé, sprawiają, że pojawia się i znika wszystko, co może być ekstrawaganckie. , magiczna lub przerażająca opowieść.

Inny temat zdobywa poparcie publiczności i godzi świat burżuazyjny, w większości katolicki, z kinem. Są to filmy, które odtwarzają mękę Chrystusa, istniejący już tragiczny scenariusz, z sukcesem, którego nie trzeba już demonstrować. Alice Guy jako pierwsza podaje swoją wersję, którą krytycy natychmiast wznoszą w przestworza. Każda stacja Drogi Krzyżowej jest tematem jednoklatkowej rolki, każda trwająca od 40 do 60 sekund. „Szpulki sprzedawane są osobno, można kupić Ostatnią Wieczerzę, Jezusa przed Piłatem , czy Ukrzyżowanie i dąsać się Zmartwychwstanie . Jest też Zwiastowanie, Pokłon pasterzy i Trzech Mędrców, Rzeź niewiniątek, Ucieczka do Egiptu …”. Z kolei bracia Lumière wyprodukowali w 1903 roku Życie i mękę Jezusa Chrystusa w reżyserii Georgesa Hatota. W następnym roku Ferdinand Zecca i Lucien Nonguet wyprodukowali dla Pathé Frères ambitną Pasję Pana Naszego Jezusa Chrystusa , wydaną w 1904 roku , która trwała prawie czterdzieści pięć minut. Ale w tym dniu kino skorzystało już z nowego sposobu pojmowania filmów, urodzonego w Anglii, a dwaj francuscy filmowcy kręcili swój film, nieśmiało stosując nowość.

Filmowcy wymyślają własny język

Brytyjscy filmowcy na przełomie XIX TH i XX th  stulecia jak folia historyk Georges Sadoul grup jak „z School of Brighton  ”, wszyscy żyją w słynnej nadmorskiej miejscowości w południowej Anglii, gdzie wykonują różne zawody związane z fotografią lub rozrywki . Wyobrażają sobie, że możemy zrobić coś lepszego niż zwykłe jednominutowe szpule, a nie tylko sklejać je jedna za drugą, jak zrobił to ich przyjaciel Méliès w 1898 roku . Próbują swoich sił w kinie po oklaskiwaniu sesji Roberta Williama Paula , pierwszego angielskiego filmowca. Sami sami są producentami, przyjaciółmi, ale niezależnymi i jedynymi sędziami swoich filmów.

Wśród nich George Albert Smith zrealizował w 1900 roku film, jakiego nikt wcześniej nie widział: Szkło do czytania babci ( Grandma's Reading Glass ). Temat jest podobny do wszystkich tematów filmów tamtych czasów; sprowadza się to do jednego pomysłu: dziecko obserwuje wokół siebie za pomocą lupy swojej babci. Zrobiony przez innego filmowca byłby dość nudnym filmem. Widzieliśmy dzieciaka krzątającego się wokół swojej babci, na jednym ujęciu pokazującym całą scenę. Ale George Albert Smith rozumie, że nic nie stoi na przeszkodzie, by robił to, czego inni nigdy nie robią: przeplata tę banalną czynność ujęciami, które pokazują przedmioty lub istoty, które obserwuje dziecko. Nowość, którą później nazwiemy zbliżeniami . Które dają :

  1. umiarkowanie szeroka obramowanie przedstawiające dziecko i jego babcię,
  2. zbliżenie zegarka babci widzianego przez okrągłe szkło powiększające,
  3. powrót do szerokiego obramowania, dziecko celuje w klatkę dla ptaków,
  4. zbliżenie ptaka w klatce przez wycięcie,
  5. wracając do szerokiego obramowania, dziecko widzi kotka w koszu do szycia,
  6. zbliżenie kotka przez okrągłe wycięcie,
  7. powrót do szerokiego obramowania, dziecko zwraca się do babci,
  8. zabawne zbliżenie oka babci, które kruszy się we wszystkich kierunkach,
  9. powrót do szerokiego kadrowania.

Zmienność, jaką uzyskuje George Albert Smith, to nowość dla kina, a tym bardziej ogromny krok naprzód w sposobie opowiadania historii za pomocą ruchomych obrazów, w oparciu o to, co przestaje być wyizolowaną rolką (zegarek, ptak). ) i staje się ujęciem , jednostką filmową kina, która łączy się z innymi ujęciami w ciągu, który nie pochodzi już z prostego końca do końca, ale z montażu , to znaczy z serii ujęć, która tworzy nowe znaczenie. Ten rodzaj montażu, który staje się podstawą narracji w kinie, będzie nazywany montażem alternatywnym. „Ta naprzemienność ujęć zbliżeniowych i ogólnych w tej samej scenie to zasada cięcia. W ten sposób Smith tworzy pierwsze prawdziwe cięcie” . Co więcej, George Albert Smith realizuje w tym filmie pierwsze subiektywne ujęcia kina, ponieważ różne zbliżenia przedstawiają to, co widzi młody chłopak.

Ten język nie jest figurą montażową, ponieważ filmowcy muszą przed lub w trakcie zdjęć zaplanować każde ujęcie, które będzie jak układanka do układania podczas montażu. Ta prognoza ujęć do oddania jest tym, co dziś nazywa się cięciem technicznym , pisemnym dokumentem wskazującym sumę ujęć do oddania, czasem uzupełnianym, a nawet zastępowanym rysunkami przedstawiającymi kadrowanie każdego ujęcia, storyboardem .

To odkrycie zawdzięczamy George'owi Albertowi Smithowi.

W 1901 roku Ferdinand Zecca wyreżyserował dla Pathé Frères film, w którym szkło powiększające zastąpiono dziurką od klucza . Temat jest cienki jak lampka do czytania babci  : służący w hotelu podgląda klientów przez dziurkę od klucza i tym samym zachwyca się widokiem młodej kobiety w toalecie, raduje się w medianoche pary przy butelce szampana, a potem grymasie z zaskoczenia odkrywam, że piękna blondynka jest w rzeczywistości mężczyzną, który zdejmuje perukę. Już nie widzi, bo klient widzi go szpiegującego i zaczyna go bić, co może być nawiązaniem do końca filmu Émile'a Reynauda Wokół chaty . Tutaj znów rozcięciem na ujęcia kieruje sam motyw filmu: naprzemienne ujęcie szerokiego przedstawiającego służącego na podeście i ujęcia jego ofiar widzianych przez wycięcie w kształcie zamka.

Anglicy, od razu naśladowani przez Zeccę, szybko zrozumieją, że nie ma potrzeby używania pretekstu (lupy, dziurki od klucza, lunety  itp. ) do pokazania różnych akcji zachodzących w opowieści. , cokolwiek to jest. Następnie uruchomili temat, którego nigdy wcześniej nie używano w kinie: pościgi ( Chase Films ), wszystkie kręcone na zewnątrz, na ulicach lub na wsi. Pościg wymaga, aby publiczność mogła cieszyć się nim przez określony czas: czy go złapie, czy nie? Mnożenie planów, a co za tym idzie możliwość różnych miejsc, pozwala na to wydłużanie czasu, co dziś nazywamy suspensem , który od tego czasu datuje się ( 1901 ). Jak zwykle Ferdinand Zecca natychmiast zrozumiał niezliczone możliwości, jakie otwierają się dzięki cięciu planów i zastosował je po kolei, rozpowszechniając tę ​​metodę opowiadania historii na całym świecie, odkąd Pathé Frères, dla którego pracował, stała się jedną z najpotężniejszych firm produkcyjnych na świecie. , woląc wypuszczać swoje filmy najpierw w Stanach Zjednoczonych, przed Francją, aby wrócić do Europy napędzani sukcesem za Atlantykiem.

Podział na ujęcia to dla kina decydujący punkt zwrotny. Umożliwia wydłużenie czasu trwania filmów. A po tym, jak David Wark Griffith odważy się po raz pierwszy użyć w kinie romantycznej techniki następującej po sobie różnych akcji, w różnych miejscach, ale opowiadających część tej samej historii, za kilka lat inni filmowcy podążają za tym i długością historii opowiadanych w filmach znacznie wzrasta. Trwa era filmów fabularnych, kino wkracza w dorosłość, milczy, ale ma już swój język.

Złoty wiek niemego kina

Model literacki

Rok 1908 to kilka etapów rozwoju kina. Tak właśnie jest z pierwszym filmem Griffitha „ Przygody Dollie” , w którym nowicjusz, dzięki intuicji, którą można określić jako genialną, przenosi z literatury swoją zdolność do przeplatania narracji w obrębie tej samej historii, opowiadając jedną po drugiej. przygody związane z każdą z postaci w tej historii. Co wiąże się z napisaniem scenariusza. W tym czasie Georges Méliès jako pierwszy spisywał precyzyjne notatki przed kręceniem, jego filmy najczęściej wykorzystują efekty specjalne, na przykład zatrzymanie kamery, co zmuszało go do starannego planowania etapów podmian, zniknięć lub powtórnych pojawień. Ale same historie są bardzo liniowe i treściwe. Kiedy Griffith zaczyna w kinie, ma napisać po 5  $ za sztukę tematy filmów, kilka linijek, które dziś nazywa się argumentem. I tak „dziecko niesione do gniazda przez orła, ojciec wspina się na urwisko i aportuje swoje dziecko” to motyw filmów, które nakręci jeden z gwiazdorskich reżyserów Edison Manufacturing Company , Edwin Stanton Porter ( Sauvé z orlego gniazda , 1908 ). To nawet ten film zadecyduje o karierze Griffitha. Zamierza wcielić się w ojca i zjechać na linie do ptasiego gniazda. To, co później zostanie nazwane wyczynem kaskaderskim , do którego Griffith nie jest specjalnie przygotowany, ale jest zdeterminowany, by zagrać na całość. Film odniósł sukces, a firma Biograph Company , główny konkurent Edisona, proponuje mu nakręcenie swojego pierwszego filmu, Przygody Dollie . Griffith bardzo poważnie traktuje pisemne przygotowanie tego filmu. Współpracował z operatorem, który później został jego oficjalnym operatorem, Billym Bitzerem (patrz wyżej „Kino prymitywne”), który podczas długiej dyskusji na temat projektu Griffitha zapisuje notatki na odwrocie karty do prania, dane historyczne, widoki dramaturgia:

Elementy afektywne Dramatyczne elementy Niepokojące elementy Elementy komiksowe
Miłość Zagrożenia bohemy Uprowadzenie Dollie Beczka uderza w łódź i sprawia, że ​​jej właściciel wpada do wody
Szczęście rodziny Walka matki z Cyganem Dollie jest zamknięta w beczce Linie chłopców się plączą
Gry ojca i jego córeczki Ojciec bije Cygana Beczka jest odczepiana od przyczepy i przechodzi nad wodą
Rozwiązanie

Chłopcy słyszą krzyki w beczce. Otwierają beczkę, z której wychodzi Dollie.

Co daje streszczenie ustalone w następujący sposób. Małżeństwo i ich córka Dollie spędzają weekend w swoim wiejskim domu. Śmiech i gry. Podczas gdy ojciec zaczyna czytać gazetę, matka z córką wybierają się na spacer brzegiem rzeki, która płynie niedaleko domu, w którym dwóch chłopców łowi ryby. Dołącza do nich Cygan, oferując im sprzedaż koszy. Matka gardzi jego propozycją, upiera się, ona go odrzuca. Zirytowany próbuje ukraść mu torebkę. Ona krzyczy. Ojciec przyjeżdża bardzo zły, gazeta zwija się w dłoni jak pałka i uderza go. Cygan przerywa walkę. Rodzina wraca do domu, a ojciec gra w badmintona z Dollie. Cygan dołączył do swojej przyczepy, w której jego żona przygotowuje zupę. Wprost pokazuje jej niewidoczne ślady otrzymanych ciosów i nagle przychodzi mu do głowy myśl, że tłumaczy żonie, wykonując wymowny gest dłonią, wskazujący na wzrost dziewczyny. Jego żona protestuje, a ona w zamian otrzymuje klapsa. Przed domem ojciec zostaje wezwany przez ogrodnika i Dollie zostaje sama. Cygan podchodzi ostrożnie, po czym knebluje ją i nosi na plecach. Wróć do przyczepy. Cygan zamyka dziewczynę w beczce. Tymczasem matka i ojciec zdają sobie sprawę, że Dollie zaginęła. Ojciec dzwoni do ogrodnika i obaj wyruszają na poszukiwanie dziewczyny. Kiedy docierają do obozu, szukają wszędzie. Siedzący na beczce Cygan patrzy na nich z pogardą. Obaj mężczyźni kontynuują dalsze badania. Cyganie rozbijają obóz, beczkę przywiązują do przyczepy. Przebijając się przez rzekę, gubią beczkę, nie zauważając tego. Ten jest niesiony przez nurt, przecina mały wodospad, rwący bystrzyk, a potem opada na brzeg… tuż przed rodzinnym domem. Dwaj młodzi rybacy wyciągają go z wody. Przychodzi ojciec, pochyla się, by nasłuchiwać dobiegającego z wnętrza beczki, otwiera ją: Dollie wstaje. Rodzina ponownie się łączy.

Ten scenariusz może wywołać uśmiech na twarzy dzisiejszego czytelnika, ale w rzeczywistości ten tekst pozwala Griffithowi widzieć każdy zwrot akcji jako część całości. Czytając to streszczenie i widząc film intuicyjnie rozumiemy, że każda „scena” rozgrywająca się w innym miejscu jest połączona z innymi scenami czasowością, która pozwala nam powiedzieć na przykład: podczas gdy ojciec szuka córki z ogrodnik Cyganka zamyka Dollie w beczce; podczas gdy on ukrywa Dollie, ojciec i ogrodnik przemierzają wieś; gdy szukają Dollie, Cygan siada na beczce, aby wydać resztę itp. Nazywa się to „działaniami równoległymi”, które nie są efektami montażowymi, jak nam się wydaje, ale prognozą ze scenariusza, włożoną w elementy przez kręcenie i dopiero potwierdzoną przez montaż. Ta przemiana nie istniała w kinie, zanim Griffith nakręcił swój pierwszy film. Ciągłość historii była tylko chronologiczna: bohater robi to, potem robi tamto, potem spotyka inną postać, potem robi tamto, potem robi coś innego itd.

Z drugiej strony zauważamy, że filmowiec usunął część „elementy komiksowe”, które zaplanowali Billy Bitzer i on, ponieważ porwania nie można lekceważyć. Aby złagodzić gwałtowną reakcję ojca na próbę porwania, Griffith nie uzbraja go w bat, jak oczekiwano, ale w swoją niewinną gazetę weekendową, którą zwija w pałkę (broń według przeznaczenia we francuskim prawie). Podobnie to nie chłopcy, drugorzędne sylwetki, otwierają beczkę, ale sam ojciec, który stawia go w pierwszym rzędzie w wyniku. Ta troska o umieszczenie głównych bohaterów w znaczących działaniach jest tym, co odróżnia Griffitha od Georgesa Mélièsa, którego głównym celem jest doprowadzenie farsy do kulminacji poprzez gestykulację, która pozostaje uproszczona i mechaniczna.

Branża filmowa

W następnych latach ta sama troska o kreację, która istniała przed filmem, w pisaniu scenariusza, rozprzestrzeniła się na wszystkich filmowców, jednocześnie filmy wydłużały czas trwania dzięki nowej złożoności historii. Aktor, filmowiec i producent Thomas Harper Ince uważa nawet, że trzeba być jeszcze bardziej precyzyjnym i przewidzieć przed kręceniem, jak będą kręcone sekwencje, ile ujęć będą zawierały, ich kadrowanie, czas ich trwania… pozwalają kino do przyjmowania coraz bardziej rozbudowanych narracji. Thomas Ince jest twórcą gatunku filmów, które zostały natychmiast przyjęte przez amerykańskich widzów, a następnie na całym świecie: western . Mnogość planów pozwala uatrakcyjnić galopowanie w dzikich okolicach Santa Monica , gdzie Ince zakłada swoje pracownie. Filmowiec udoskonala to, co odkryli inni; posługuje się suspensem, dobrze wspieranym w tym przez swojego gwiazdora Williama S. Harta , którego postanawia zająć się reżyserią. Hart stages westernów z bardzo skomplikowanych znaków i osobowość bohatera jest czasem szczególnie ciemne mimo cudownego odkupienia - zwykle pod wpływem kobiety - występuje na końcu, jak w The Aryan ( Aby zapisać swój wyścig ), wydany w 1916 .

Filmy wyprodukowane przez Thomasa Ince zbiegają się z powstaniem Hollywood , wioski, którą Griffith odkrył w 1910 roku, aby nakręcić 17-minutowy film In Old California . Tam, w niezwykle zróżnicowanych warunkach przyrodniczych, kino amerykańskie rozwijało się i, co trzeba podkreślić, wykorzystało konflikt, który krwawił Europę w latach 1914-1918 i który zepchnął pokojową produkcję filmową daleko w tyle za produkcją broni, która stała się priorytet. Dzięki temu amerykańscy filmowcy będą mogli jeszcze bardziej eksperymentować z możliwościami swojej sztuki, a następnie narzucać się. Ale to nie w Hollywood Griffith nakręcił w 1914 roku swój ogromny sukces, Birth of a Nation , który pierwotnie miał być zatytułowany jako powieść, która zainspirowała reżysera: The Clansman , człowiek klanu, wątpliwy hołd Thomasa F. Dickson Jr w Ku Klux Klanie . Film trwa ponad trzy godziny i ma przerwę w środku ( przerwa w języku angielskim). Kompozycja scenariusza nie zawdzięcza nic powieści Człowiek klanu , jest dziełem samego Griffitha. Bardzo daleko posunięta jest technika naprzemiennych sekwencji, którą rozwinął w swoim pierwszym filmie. Splot różnych historii, które jednak wpisują się w tę samą historię rodzinną, jednocześnie kreślą złożony obraz kraju podzielonego wielką historią. Mimo nieznośnego rasistowskiego dyskursu można powiedzieć, że ten film otwiera szeroko epokę kina dla dorosłych, zdolnego teraz rozwinąć każdą historię, jakkolwiek skomplikowaną by ona była.

Groteska

Serie

Nowoczesne filmy nieme

W 1976 roku Mel Brooks wyreżyserował „Ostatnie szaleństwo Mela Brooksa” , pełnometrażowy film pełnometrażowy w kolorze, ale prawie całkowicie niemy. Jedyną „słyszalną” linijką jest „nie”, „nie” wypowiedziane przez mima Marceau , który się nie pojawia. w filmie tylko dla tej repliki. W 1989 roku Charles Lane wyreżyserował i zinterpretował czarno-biały niemy film Sidewalk Stories . W 1999 roku Aki Kaurismäki wyreżyserował Juha , niemy remake klasycznego fińskiego kina. Jednak możemy usłyszeć śpiew w języku francuskim, z Le Temps des Cerises przez Jean-Baptiste Clément . W 2011 roku Michel Hazanavicius wyreżyserował "Artystę" , film wykorzystujący pewne nieme procesy (intertitles), ale obficie wykorzystujący muzykę, a na końcu szumy i kilka linijek, które jednoznacznie ją klasyfikują w kinie dźwiękowym . Jego związek z milczeniem jest szczególnie silny w temacie: bolesnym przejściu od niemego kina do przemówienia znanego aktora. Ten ostatni film zdobył 5 Oscarów .

Wielkie nazwiska w kinie niemym, główne filmy

Główni aktorzy

Główni producenci cichych

Główne filmy w kolejności alfabetycznej

Uwagi i referencje

  1. Dominique Auzel, „Émile Reynaud, et image s'anima”, redaktor Dreamland, kolekcja obrazów po obrazach, Paryż, 1998 ( ISBN  978-2-91002-737-7 ) .
  2. Przykłady: wiatr, otrzymywany przez kawałek aksamitu zwinięty na walcu, którym się pociera; silnik cieplny, uzyskany przez szarpnięcie obracającego się koła szprychowego o kawałek grubego kartonu; grzmot uzyskany przez cienką wzburzoną blachę; galop konia, uzyskany przez dwie półskorupy orzecha kokosowego uderzone w powierzchnię o zróżnicowanej naturze; itp.
  3. Madeleine Malthête-Méliès, „Przedmowa do dołączonej broszury”, DVD Georges Méliès, Fechner Prod. i Studio Canal, 2007.
  4. Billy Bitzer, „Billy Bitzer: his story”, Farrar, Straus and Giroux, Nowy Jork, 1973, przetłumaczone i cytowane przez Jeana Motteta (pod kierunkiem): Międzynarodowa konferencja na temat DW Griffith, L'Harmattan, Paryż, 1984.
  5. Richard Abel, „Encyklopedia wczesnego kina”, University of Michigan, Routledge Press, London, New York, 2005 ( ISBN  978-0415778565 ) .
  6. Urządzenie umieszczone z przodu amerykańskich lokomotyw do polowania na bezpańskie zwierzęta na torze
  7. Michelle Aubert i Jean-Claude Seguin (pod kierunkiem), La Production cinématographique des frères Lumière , Bifi-éd. Mémoires de cinema, Paryż, 1996 ( ISBN  978-2-95090-481-2 ) .
  8. James Hart, tłumaczenie Jean Mottet, Człowiek, który wynalazł Hollywood: Autobiografia DW Griffith , Touchstone Publishing Company, Louisville, Kentucky, 1972.
  9. Marie-France Briselance i Jean-Claude Morin, „Grammaire du cinéma”, wydanie Nouveau Monde, Paryż, 2010 ( ISBN  978-2-84736-458-3 ) .
  10. Georges Sadoul , Historia kina światowego od jego początków do współczesności , Paryż, Flammarion ,1968, 719  s. , s.  43.
  11. David Wark Griffith, Przygody Dollie , 12 minut, Biograph Company, USA, 1908
  12. Karol Beffa, Mówienie, Komponowanie, Granie. Siedem lekcji muzyki. , Paryż, Próg,2017, 240  pkt. , rozdział "Jak towarzyszyć niememu filmowi?".

Załączniki

Bibliografia

Powiązane artykuły

Linki zewnętrzne